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McDonald's hat die Indie-Band gebeten, SXSW kostenlos zu spielen

McDonald's hat die Indie-Band gebeten, SXSW kostenlos zu spielen

Musikfans sind in Aufruhr, nachdem das Indie-Duo Ex Cops den Fans erzählt hat, dass McDonald’s sie letzte Woche gebeten hatte, beim South By Southwest Festival in Austin, Texas, aufzutreten und sie nur mit Essen entschädigen wollte.

Amalie Braun und Brian Harding vom Duo aus Brooklyn sind zwar keine bekannten Namen, aber sie wurden bei einem kleinen Label unter Vertrag genommen und sind erfolgreich genug, um ihren Lebensunterhalt mit Auftritten zu verdienen, berichtet Geschäftseingeweihter.

Nach Erhalt des Angebots der Burgerkette wird ein beleidigter Harding ging zu Facebook, um auszudrücken, warum er so aufgebracht war. Als Verkaufsargument für den Auftritt erklärte Harding, dass McDonald's sagte, die Aufführung sei „eine großartige Gelegenheit für zusätzliche Präsenz“ und dass die Kette „ihr globales Digitalteam vor Ort haben wird, um sich mit den Bands zu treffen, bei der Cross-Promotion zu helfen, etc."

Harding erklärte, dass er bezweifelte, was dieser obskure Jargon tatsächlich bedeutete – und schlug vor, dass die Kette wahrscheinlich auch wenig Ahnung hat.

„Wenn man diese Rhetorik hinter sich lässt, kann ein großer Konzern wie McDonald’s zumindest sein Talent ein wenig bezahlen. Richtig? ... Es ist eine erschreckende und grobe Realität, wenn man die wahre Natur von Unternehmen und ihre erbärmlichen Versuche sieht, bei Millennials Relevanz zu erlangen", schrieb Harding.

Hardings ursprünglicher Beitrag hat seit seiner Veröffentlichung über 10.000 Likes und mehr als 700 Kommentare erhalten. Die meisten Fans wiederholen die Gefühle des Musikers und bezeichnen die Burgerkette als "lächerlich" und "billig".

McDonald’s, das derzeit einen Wert von etwa 97 Milliarden US-Dollar hat, antwortete Harding zur Verteidigung seines ursprünglichen Angebots.

„Wir folgen dem gleichen Standardprotokoll wie andere Marken und Sponsoren, indem wir talentierte und aufstrebende Musiker einladen, sich uns beim SXSW Festival anzuschließen. Wir freuen uns darauf, McDonald's Essen, Getränke und Spaß in Austin zu servieren. #slownewsday"

Aber Bruun sagte dem Rolling Stone, dass die Tatsache, dass sie keine Zahlung für die Aufführung angeboten haben, einfach „nicht wahr“ ist.

"Sie befolgen keine Richtlinien, weil alle anderen Geld anbieten", sagte Bruun dem Musikmagazin. "Sie müssen das mit South by Southwest aufnehmen, wenn sie denken, dass sie die Richtlinien befolgen ... Andere, viel kleinere Unternehmen bieten uns Geld."

Die Ex Cops haben mehrere geplante Auftritte in Austin, darunter eine, die von kleineren Unternehmen wie Pandora gesponsert wird, die die Band für ihre Zeit bezahlen.

McDonald's versucht vielleicht, mehr Jugendliche zu erreichen, indem es seine Präsenz auf dem populären Musik-, Technologie- und Kulturfestival verstärkt, aber bisher scheint es viele Menschen in der Social-Media-Sphäre zu befremden, nachdem die Nachricht von ihrem kostenlosen Angebot an die Ex-Polizisten veröffentlicht wurde.

Im Dezember veröffentlichte der Chief Digital Officer von McDonald's eine Erklärung, in der er das bevorstehende Sponsoring der Kette bei SXSW ankündigte. Er erklärte, das Ziel sei es, "das SXSW-Erlebnis für alle zu verbessern" mit neuen Funktionen in ihrer McDonald's-Lounge.

Dieser Artikel wurde ursprünglich veröffentlicht von Fox News.

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Wütende Vögel

Wütende Vögel ist ein finnisches actionbasiertes Medien-Franchise, das von der finnischen Firma Rovio Entertainment entwickelt wurde. Die Serie konzentriert sich auf die wütenden Vögel, die versuchen, ihre Eier vor grünen Schweinen, ihren Feinden, zu retten. Inspiriert vom Spiel Zerschmettere die Burg, [1] das Spiel wurde für seine gelungene Kombination aus lustigem Gameplay, komischem Stil und niedrigem Preis gelobt. Seine Popularität führte zu vielen Spin-off-Versionen von Wütende Vögel für PCs und Videospielkonsolen geschaffen, ein Markt für Waren mit seinen Charakteren, Angry Birds Zeichentrick, eine im Fernsehen übertragene Zeichentrickserie und zwei Filme Der Angry Birds-Film und seine Fortsetzung Der Angry Birds-Film 2. Bis Januar 2014 gab es auf allen Plattformen über 2 Milliarden Downloads, darunter sowohl reguläre als auch Sonderausgaben. [2] [3]

  • Angry Birds: Das große grüne Doodle-Buch
  • Angry Birds: Das große rote Doodle-Buch
  • Angry Birds Space: Stickerbuch
  • Angry Birds Space: Posterbuch
  • Angry Birds Space: Farben
  • Angry Birds Space Zeichnen lernen
  • Lerne, Angry Birds zu zeichnen
  • Offizieller Leitfaden für Angry Birds
  • Angry Birds: Jäger des Jade-Eies
  • Bad Piggies: Piggy Island Heroes - "Es regnet Schweine"
  • Bad Piggies: Piggy Island Heroes – „Schweine und Piraten“
  • Nat Geo Angry Birds Space: Ein wütender Flug in die letzte Grenze
  • Nat Geo Angry Birds: 50 wahre Geschichten über die Fed Up, Feathered und Furious
  • Nat Geo Angry Birds Star Wars: Die Wissenschaft hinter der Saga
  • Nat Geo Angry Birds: Wütende Kräfte
  • Nat Geo Angry Birds Seasons
  • Nat Geo Angry Birds Playground-Serie
  • Angry Birds-Comics
  • Super Angry Birds
  • Angry Birds: Flugschule
  • Angry Birds Zeichentrick (2013–2016)
  • Schweinchengeschichten (2014–2019)
  • Angry Birds Stella (2014–2016)
  • Angry Birds Blues (2017)
  • Angry Birds auf der Flucht (2018–2020)
  • Angry Birds MakerSpace (2019–2020)
  • Angry Birds Slingshot-Geschichten (2020)
  • Angry Birds Blasenproblem (2020–2021)
  • Angry Birds: Sommerwahnsinn (2021)
  • Wütende Vögel (2009)
  • Angry Birds Jahreszeiten (2010)
  • Angry Birds Rio (2011) *†
  • Angry Birds-Freunde (2012)
  • Angry Birds Space (2012)
  • Angry Birds Star Wars (2012) *†
  • Angry Birds Star Wars II (2013) *†
  • Angry Birds gehen! (2013)
  • Angry Birds Epic (2014) †
  • Angry Birds Transformatoren (2014) *
  • Angry Birds kämpfen! (2015) †
  • Angry Birds 2 (2015)
  • Angry Birds-Aktion! (2016) †
  • Angry Birds Blast (2016)
  • Angry Birds Evolution (2017)
  • Angry Birds-Match (2017)
  • Angry Birds Blast Island (2018)
  • Angry Birds Dream Blast (2019)
  • Angry Birds VR: Insel der Schweine (2019)
  • Böse Schweinchen (2012)
  • Angry Birds Stella (2014) †
  • Angry Birds POP! (2014)
  • Angry Birds-Champions (2018) †
  • Angry Birds POP Blast (2019)
  • Angry Birds erkunden (2019)
  • "Angry Birds Rio Samba-Melodie"
  • "Angry Birds Space Thema (feat. Slash)"
  • "Böse Schweinchen Halloween Melodie (feat. Major Lazer)"
  • "Angry Birds Titellied"
  • "Wütende Vögel Thema (ClubBangerZ Angry Mix)"
  • Vuokatti (Finnland)
  • Ferienclub (Finnland, Spanien)
  • Stadt Haining (China)
  • Aktivitätspark (Malaysia)

Bis Juli 2015 wurden die Spiele der Serie insgesamt mehr als 3 Milliarden Mal heruntergeladen [4], was sie zur am häufigsten heruntergeladenen Freemium-Spieleserie aller Zeiten macht. Das Original Wütende Vögel wurde als "Eines der Mainstream-Spiele im Moment", [5] "Einer der großen Runaway-Hits des Jahres 2010" [6] und "Der größte mobile App-Erfolg, den die Welt bisher gesehen hat" bezeichnet. [7] Die erste Videospiel-Fortsetzung der Hauptserie, Angry Birds 2, wurde am 30. Juli 2015 veröffentlicht.

Das erste Spiel der Reihe wurde ursprünglich am 31. Dezember 2009 für iOS veröffentlicht. [8] Zu dieser Zeit war die Schweinegrippe-Epidemie in den Nachrichten, so dass die Mitarbeiter beschlossen, Schweine als Feinde der wütenden Vögel zu verwenden. [9] Das Unternehmen veröffentlichte Ports des Spiels für andere Touchscreen-Smartphone-Betriebssysteme, einschließlich Android. Anfang 2019 alle verbleibenden Wütende Vögel Spiele, die vor Oktober 2014 veröffentlicht wurden (mit Ausnahme von Freunde) wurden jedoch eingestellt und aus den App Stores entfernt Böse Schweinchen wurde bereits Anfang 2020 hinzugefügt. Rovio hat es abgelehnt, ihre Gründe für die Entscheidung zu erklären, abgesehen von einem kurzen Tweet und einer Support-Antwort, die beide unterschiedliche Antworten gaben. [10]


So landen Sie einen Musikfestival-Gig

Von Bonaroo über High Sierra bis hin zur Warped Tour scheint es, dass immer mehr Musikfestivals auf der ganzen Welt auftauchen. Aber für aufstrebende Künstler mag ein Platz auf einem Festival, selbst als Vorband, unerreichbar erscheinen – ein Ziel für „später“ in Ihrer Karriere.

Um herauszufinden, wie machbar es ist, einen Platz auf einer Festivalbühne zu ergattern, haben wir mit einem Talentbooker des 18-jährigen Noise Pop-Festivals in San Francisco sowie einer lokalen SF-Band, Geographer, gesprochen seine erste große Pause beim Noise Pop des letzten Jahres. Der Geograph nutzte dies, um Sichtbarkeit zu schaffen, eine nationale Tour mit einem etablierten Act zu landen und seine Anhängerschaft weiter aufzubauen. Auch beim diesjährigen Noise Pop kehrten sie zurück, allerdings als Headliner statt Vorband.

Noise Pop ist ein angesehenes (und gut besuchtes) Musikfestival, das sich ausschließlich auf Indie konzentriert: Musik, Kunst und Kultur. Noise Pop findet jedes Jahr im Februar in San Francisco statt, zu dem Fans aus der ganzen Welt anreisen, angezogen von seiner vielseitigen Mischung aus Musik und Kultur, ganz zu schweigen von den intimen Veranstaltungsorten in San Francisco, die Gastgeber für die Shows der Woche sind.

Bekannte Acts wie The Shins, Modest Mouse, The White Stripes und Death Cab for Cutie bekamen in den vergangenen Jahren bei Noise Pop einen frühen Karriereschub. Das Line-Up vom Februar 2011 führte die All-Dinge-Indie-Tradition mit Headline-Auftritten von Best Coast, Yo La Tengo, Ted Leo und einem Solo-Set von Death Cabs Ben Gibbard fort.

Die Perspektive des Talentbookers
Talentbooker Dan Strachota ist im Team für das Booking aufstrebender Künstler bei Noise Pop verantwortlich. Um die Aufmerksamkeit der Festivalprogrammierer auf sich zu ziehen, ist es laut Dan der Schlüssel, sich von den anderen Indie-Bands in deiner Gegend abzuheben. „Versuchen Sie, sich in irgendeiner Weise von der Masse abzuheben, entweder durch Ihren Auftrittsstil, durch die Verwendung von Kostümen, Ihren Musikstil, indem Sie kostenlose Shows spielen oder sogar durch Ihren Marketingstil.“

Als Beispiel nannte Dan Chow Nasty, eine Band aus San Francisco, die „wie verrückt fliegen würde, wenn sie eine bevorstehende Show hatten. Sie kombinierten ihren einzigartigen Namen mit einer unverwechselbaren Schriftart und nachdem ich sechs Monate lang überall ihre Flyer gesehen hatte, dachte ich: „OK, was ist diese Band – wer sind sie?“ Sie hatten durch Wiederholungen genug Interesse geweckt, dass ich sie mir ansehen wollte .“

Für jede aufstrebende lokale Band kann es ziemlich unmöglich sein, einen Headliner-Slot auf einem Festival zu bekommen, also ist das beste Szenario, einen Support-Gig für eine etabliertere Band zu bekommen. Auf der Suche nach möglichen Openern, sagt Dan, „bevorzugt er Bands, die ihrer Musik einen Hauch von Spaß verleihen. Es ist gut, energiegeladene Bands zu haben, die der Show an diesem Abend eine Party-Atmosphäre verleihen.“

Auf die Frage, ob es einen Ratschlag gibt, den er einem Künstler geben würde, der versucht, einen Festival-Gig zu landen, sagte Dan, dass es keine Wunderwaffe gibt, um dieses Ziel zu erreichen. Stattdessen müssen Bands nur die erforderliche harte Arbeit leisten – eine Webpräsenz haben, viele Shows spielen und jeden Tag unermüdlich daran arbeiten, eine Fangemeinde aufzubauen. „Eines der wichtigsten Dinge, nach denen ich suche, ist, dass die Band hart arbeitet, ihre eigenen Gigs promotet und jedes Mal versucht, mehr Leute zu gewinnen, wenn sie sich nicht nur zurücklehnen und hoffen. Ich möchte Bands sehen, die sich aktiv engagieren und in ihre Musikkarriere investieren.“

Tipps von einer (jetzt) ​​erfahrenen Festivalband
Das in San Francisco ansässige Trio Geographer verkörpert viele der Attribute, die Dan skizziert. Das von Elektro beeinflusste Indie-Pop-Trio besteht aus Sänger/Instrumentalist Mike Deni, Cellist Nathan Blaz und Schlagzeuger Brian Ostreicher. Die Gruppe hat in den letzten Jahren hart gearbeitet, um so viele Gigs wie möglich in der Gegend von SF zu spielen, und ist dadurch auf das Noise Pop-Buchungsteam aufmerksam geworden. Ihre harte Arbeit und ihre wachsende Fangemeinde verhalfen Geographer zu einem begehrten Eröffnungsplatz für das Festival 2010 zur Unterstützung von Atlas Sound in der historischen Great American Music Hall. Wie also haben sie diesen bahnbrechenden Festival-Gig gelandet?

Erstens, sagt Deni, haben sie viel Zeit damit verbracht, alle Beteiligten der lokalen Musikszene kennenzulernen. Es klingt offensichtlich, aber viele Musiker verbringen viel Zeit damit, ihre Musik zu schreiben, zu proben und aufzunehmen. Laut Deni zahlt es sich aus, rauszugehen und mit Gleichaltrigen zu quatschen. Das Kennenlernen anderer Bands, Manager, Buchungsagenten und Clubbesitzer half Geographer, Teil der Musikszene von San Francisco zu werden.

Dies führte dazu, Rechnungen mit anderen namhaften Bands zu teilen, und kann auch zu musikalischen Kollaborationen oder sogar zu einer gemeinsamen Mini-Tour führen. Deni sagte, sie würden „verzweifelt daran arbeiten, eine Band zu überzeugen, die weiter fortgeschritten ist als wir, um eine Show zu headlinen, damit wir dann einen Booker hinter die Rechnung bekommen.“ Die Auszahlung des Geographen wäre dann die Unterstützungsband, um die Show zu eröffnen. Er schlug vor, dies wiederholt zu tun, „bis genug Leute in Ihrer Heimatstadt Sie gesehen haben, damit Sie schließlich aufsteigen können, um nationale Tourneen zu unterstützen“, die mit ihrem entsprechend größeren Publikum durch Ihre Stadt kommen.

Ein weiterer Schlüssel waren die engagierten Bemühungen von Geographer, mit der Eigenwerbung Schritt zu halten. „Promotion war für uns nicht selbstverständlich“, gibt Deni zu. “Es kann demoralisierend sein, mehr Zeit mit E-Mails als mit dem Schreiben von Musik zu verbringen. Aber die Vorteile waren die Mühe wert. Wir haben uns bei der Promotion den Arsch abgearbeitet und jetzt, da wir das Management haben, können wir all diese Energie in unsere Musik stecken.“

Die Rolle der Medien & Pressemappen
Die Aufmerksamkeit der Presse auf sich zu ziehen – darunter alle, vom Unterhaltungsredakteur Ihrer lokalen Zeitung bis hin zu Musikbloggern – wird wahrscheinlich auftreten, sobald Sie eine lokale Fangemeinde aufgebaut haben und größere Shows spielen. Es gibt jedoch wichtige Aufgaben, die jede Gigging-Band jetzt erledigen kann. Dan rät, wenn man bei einigen Shows landet: „Arbeiten Sie sich den Arsch ab, um die Leute zu diesen Shows zu bringen. Laden Sie Personen ein, die Ihnen helfen können, z. B. Presse, Talentkäufer und lokale Radiosender. Behandeln Sie jede Show als etwas Besonderes.“ Senden Sie lokalen Musikblogs und Unterhaltungsredakteuren Einladungen zu Ihren Auftritten, halten Sie die Einladungen kurz und interessant und zielen Sie nur auf Verkaufsstellen ab, die Ihren Musikstil oder Ihr Musikgenre abdecken.

Außerdem benötigen Sie eine solide Pressemappe. Heutzutage verlassen sich die meisten Bands stark auf Electronic Press Kits (oder EPKs), wie sie auf Sonicbids zu finden sind, einer Website, die Künstler mit Promotern/Agenten zusammenbringt. Agenten können auf Künstler-EPKs zugreifen, die für verschiedene Veranstaltungen und Festivals eingereicht wurden. Tatsächlich ist Sonicbids die exklusive Methode, die Noise Pop verwendet, um Bands zu überprüfen und zu akzeptieren.

Was gehört zu einem effektiven EPK? Stellen Sie sicher, dass Sie eine gut geschriebene, prägnante Bandbiografie, mindestens drei Songs, gute Fotos (sofern möglich Live- und “press”-Fotos), Presseausschnitte (sofern vorhanden), bevorstehende Showtermine, technische Anforderungen der Band, Leistungsvideos und vollständige Kontaktinformationen. Das Noise Pop-Team hat vier weitere wichtige Tipps zu Ihrem EPK gegeben:

1. Die Formatierung des gesamten Textes sollte einfach sein – halten Sie ihn gut lesbar.
2. Setzen Sie Ihren besten Song an die erste Stelle und stellen Sie sicher, dass er ein interessantes Intro hat, da dies möglicherweise alles ist, was der Booker hört, bevor er sich entscheidet, weiterzumachen.
3. Spielen Sie Ihre Stärken aus. Wenn Sie zum Beispiel für kraftvolle Live-Shows bekannt sind, stellen Sie sicher, dass Sie einen Performance-Videoclip und viele Live-Fotos Ihrer Band in überfüllten Veranstaltungsorten beifügen.
4. Stellen Sie sicher, dass alle Ihre Links aktiv sind und dass alle Songs, Videos und Fotos geladen werden, wenn Sie darauf klicken. Es ist frustrierend und ein potenzieller Deal-Killer, wenn ein Bucher, der sich für Ihre Band interessiert, feststellt, dass Ihre Pressemappen-Elemente nicht leicht zugänglich sind!

Bewerbung für Festivals
Der erste Schritt, bevor Sie sich für ein Festival bewerben, besteht darin, herauszufinden, welche Festivals Ihre Musikrichtung präsentieren. Nehmen Sie sich die Zeit, um wirklich zu recherchieren, welche Arten von Festivals Künstlern in Ihrem Genre ihre erste Pause beschert haben. (Am Ende dieser Geschichte befindet sich ein Link zu einer umfangreichen Liste von US-Musikfestivals.)

Viele Festivals, darunter Noise Pop, bevorzugen lokale Bands und Künstler, zumindest für Support-Slots, also starte in deiner eigenen Region. Kontaktieren Sie Musiker, die Sie kennen, Manager, lokale Buchmacher und nutzen Sie das Internet, um zu recherchieren, welche Möglichkeiten am besten zu passen scheinen. Nachdem Sie die Liste auf die besten Optionen eingegrenzt haben, sehen Sie sich die Festival-Website genau an, um zu sehen, wie sie Einreichungen annehmen und, was noch wichtiger ist, was ihre Frist ist – die meisten haben die Einreichungsfristen mindestens ein bis zwei Monate vor dem Festival.

Sobald Sie bereit sind, wagen Sie den Sprung und bewerben Sie sich. Es ist wichtig, dass Sie darauf achten, jede Einreichung auf das jeweilige Festival zuzuschneiden. Schreiben Sie ein kurzes, ansprechendes Anschreiben/E-Mail, aus dem hervorgeht, dass Sie wissen, auf wen das Festival ausgerichtet ist, und geben Sie, wenn möglich, ein Beispiel für einen kürzlichen Auftritt an, der Ihre Eignung für die Zielgruppe des Festivals zeigt.

Wenn Sie nicht ausgewählt werden, lassen Sie sich nicht entmutigen. Die meisten Festivals erhalten Hunderte von Einreichungen für nur eine Handvoll Eröffnungsslots. Wenn Sie nicht unter den Top 5 waren, heißt das nicht, dass die Booker Ihre Musik nicht mochten. Bleiben Sie während des nächsten Jahres in Kontakt und bitten Sie darum, über bevorstehende Gelegenheiten informiert zu werden. Festivals sponsern oft andere Veranstaltungen wie Filmvorführungen, Benefizveranstaltungen und andere Aktivitäten das ganze Jahr über, sodass Sie nie wissen, wann sie möglicherweise einen aufstrebenden Künstler benötigen, um kurzfristig einen Platz zu besetzen.

Mike Deni vom Geographen schließt die Geschichte mit dem ab, was nach dem Erfolg als Vorband bei Noise Pop '10 passiert ist. „Die Leute haben wirklich angefangen, zu unseren Shows zu kommen. Kurz darauf wurden wir zu einer Ostküsten-Tour eingeladen und wenig später als Support für unsere erste nationale Tour mit Stars gebucht, was für uns ein großer Sprung war.“

Als Dan und sein Team 2011 den Noise Pop zusammenstellten, führte die Dynamik, die Geographer seit ihrem Durchbruch beim Festival im Vorjahr aufgebaut hatte, dazu, dass ihm ein Platz als Headliner in San Franciscos legendärem Club The Independent angeboten wurde. Diese ausverkaufte Show ist ein Beweis für den anhaltenden Aufwärtstrend von Geographer, der beweist, dass Talent, Schweißausbeute und die Landung eines Festivalauftritts ein Weg zum Erfolg für einen unabhängigen Act sein können.

Casey Newlin ist Mitglied des Teams, das zwei Indie-Rock-Festivals mit Sitz in San Francisco produziert, Noise Pop und das Treasure Island Music Festival. Keith Hatschek schreibt regelmäßig für Echoes und leitet das Musikmanagement-Programm an der University of the Pacific.Sie haben im September 2010 eine Echoes-Geschichte über Online Music Collaboration mitverfasst.


SXSW Picks & Sleepers

RED DYE #4, THE DISOWNED, THE SNOBS, VIERZIG ZWEITER SKANDAL: Suchen Sie in den nächsten Jahren nach den Teenagern in diesen lokalen Bands, um Schlagzeilen zu machen und Aufmerksamkeit zu erregen. Viel zu jung zum Trinken, ihre Herzen schlagen vor Ramones-artiger Lust und sie beziehen sich auf Austin-Legenden wie die Big Boys und Butthole Surfers. Red Dye #4 und die Snobs sind bereits Veteranen der Szene, letztere haben die diesjährigen Austin Music Awards eröffnet. Wie das Sprühlack-Graffiti sagte: Die Zukunft ist jetzt. (Dampfboot, 12-16 Uhr) -- Margaret Moser

STADT LAKE THROWDOWN: Das ist jetzt eher so. Sicher, SXSW wünschte, sie hätten Patti Smith hier draußen, aber das Bluegrass-Stampfen von Split Lip Rayfield, stattlicher Kammerfelsen von Alejandro Escovedo, lauter Zydeco-Abwurf von Geno Delafose, Wildman Roots Hoedown von Austin's Kürbisse, und Bandera Country Roots Badass Charlie Robison So sollte ein Sonnenuntergang am Samstag am Town Lake sein. Es ist nicht das Riverfest der Fab T-Birds aus den Achtzigern, aber dieses Gesetz ist das Riverfest der Zukunft. (Stadtseebühne, 17-20 Uhr) -- Raoul Hernandez

EELS: Sie haben vielleicht die 2000er verpasst Oh was für ein schöner Morgen, eine Sammlung von Live-Material von den Aalen Gänseblümchen der Galaxis Tour sowie Ausschnitte aus der Solo-Tour von Frontmann E mit Fiona Apple. Zwei Jahre später sind diese College-Faves zurück im Beckian-Modus mit der Slacker-Soul des brandneuen Seelenbrecher (DreamWorks), randvoll mit Gastauftritten von Leuten wie Koool G Murder und John Parish. (La Zona Rosa, 19 Uhr) -- Melanie Haupt

CHUCK PROPHET: Von vielen als Gitarrist und Songwriter verehrt, Chuck Prophets New-West-Debüt, Keine andere Liebe, ist im April fällig. Mit seinem sechsten Soloalbum lässt Prophet die Singer-Songwriter-Form weiter schmelzen und liefert einen 11-Track-Songzyklus, von dem er sagt, dass es "über tanzende Affen, gescheiterte Kriminelle und die Stürme zwischen den Jahreszeiten" geht. (Quecksilber, 20 Uhr) -- Jim Caligiuri

DIE RISSROHRE: Der rechte Rev. Ray Pride und seine mächtigen Crack Pipes erweiterten ihren Chicken-Scratch-Garage-Punk-Dienst mit 2001 Jede Nacht Samstag Nacht (Sympathie für die Plattenindustrie). Das in Austin ansässige Quartett hat seine evangelische Essenz seit seiner bescheidenen Gründung Mitte der Neunziger Jahre erheblich geschärft, um zu einem der führenden Lieferanten von höhnischem Skronk der Stadt zu werden. (Bierland, 20 Uhr) -- Greg Beets

DIE HARTEN GEFÜHLE: Die ganze Blues/Punk-Sache kann manchmal schlampig werden, besonders wenn der Whisky fließt. Nicht so bei Austins Hard Feelings. Ihr selbstbetiteltes Debüt auf Sympathy for the Record Industry bietet viel stechende Slide-Gitarre, eine Rhythmusgruppe, die wie ein entschlossener Taxifahrer fährt, und eine ganze Menge Blues-Shoutin. (Bierland, 21 Uhr) -- Jerry Renshaw

DER KERN DER FANTASY: Nagasaki's Fantasy's Core sind eine verrückte Truppe, die zwischen Punk, Blues, Metal und Soul hin und her pendelt. Das SXSW-Set des Quintetts aus dem Jahr 2001 verblüffte mit den Possen von Mao Karisu, einem rabiaten, charismatischen Sänger, der mit einem Spielzeug-Lichtschwert Harakiri vortäuschte, einarmige Liegestütze im Jack Palance-Stil machte und eine Ode an Pachinko sang. (Elysium, 20 Uhr) -- Greg Beets

DIE SPINNEN: Aus San Marcos liefern die Spiders knallharte Punk-Metal-Licks und eine glamouröse Attitüde, als ob sie nie aus der Mode gekommen wäre. Das Quartett deckte einst die erste Seite von Mötley Crüe's Zu schnell für die Liebe in seiner Gesamtheit, die Ihnen eine gute Vorstellung von ihrer Absicht geben sollte. Die Spiders arbeiten derzeit an der Fortsetzung ihres knallharten Debüts aus dem Jahr 2000. Sex ist dicker als Wasser (Unscene) für Acetat-Datensätze. (The Red Room, 20 Uhr) -- Greg Beets

SXSW SOUND & VISION: Rykodisc und David Bowie bekamen nichts von Austins Stummfilminstitution, die von lokalen Bands live vertont und begleitet wurde. Alt.klassische Indie-Rock-Jazzband Goldener Arm-Trio Pionier der Form zusammen mit Serienstartern ST 37, und dieses spezielle SXSW-Doppelfeature enthält den traurig gezackten Original-Soundtrack des ersteren zu F.W. Murnaus Meisterwerk von 1926 Faust, und dessen Atomexplosion auf Fritz Langs Metropole, ebenfalls ab '26. David Byrnes Streicherinnen, Austins Tosca Streichquartett, den Abend ausklingen lassen. Das ist Austin von seiner besten und originellsten Seite. (Schottisches Ritus-Theater, 20-24 Uhr) -- Raoul Hernandez

BRUCE ROBISON: Mit Tim McGraws Chart-Top-Version seines "Angry All the Time" und Schnitten in den Werken von Lee Ann Womack, Allison Moorer und den Dixie Chicks repräsentiert Bruce Robison einen 6-Fuß-7-Zoll-Abschnitt der Music Row rechts hier in Austin. Er macht auch gute eigene Alben, letztes Jahr Landsonne eine Sammlung knackiger Melodien und lebendiger Erzählungen. (Austin Music Hall, 21 Uhr) -- Andy Langer

CORNELL HURD BAND: Als eines der besten Honky-Tonk/Western-Swing-Ensembles in Texas hat die Cornell Hurd Band gerade einen weiteren weitläufigen 23-Song-Titel mit dem Titel . veröffentlicht Lied von South Austin auf ihrem eigenen Behemoth-Label. Mit Gastturnieren von Johnny Bush und Marti Brom hebt es auch die Arbeit von Steelmaster Herb Steiner und den Gesang des Bassisten Justin Trevino hervor. (Gebrochene Spoke, 21 Uhr) -- Jim Caligiuri

JANNE HAAVISTO & DIE FARANGS: Produzenten haben oft größere Ohren als Talente. Nicht so beim finnischen Studioassistenten Janne Haavisto, Gründungsmitglied der Instrumentalisten Laika & the Cosmonauts. Haavistos detaillierte Klangwelt schöpft aus Bollywood-Soundtracks, elektronischen Instrumentalstücken, Garagen-Pop, internationalem Folk und Dub, wie er auf seinen beiden Texicalli-Alben zu hören ist. (Der Drink am 6., 21 Uhr) -- David Lynch

MARY LOU HERR: Herr ist nicht der Volkssänger deiner Mutter. Nach ihrem Major-Label-Debüt 1998 Habe keinen Schatten (Sony) machte sie eine Pause, um sich auf ihre Familie zu konzentrieren. Letztes Jahr coverte sie Daniel Johnstons "Speeding Motorcycle" für eine Target-Werbung, die in diesem Winter-Cover enthalten war. Live-Stadtgeräusche auf Rubrik. (Empanada Salon, 21 Uhr) -- Dan Oko

NATHAN HAMILTON: Der gebürtige Abilene Nathan Hamilton, der jetzt in Austin zu Hause ist, hat gerade eines der besten Alben aus Texas dieses Jahr veröffentlicht. Alles für Liebe und Lohn. Die Austin-Chronik schwärmte davon, dass es "mit einem seltenen Feuer brennt und allen, die nach einer gesunden Portion New American Roots Rock suchen, sehr zu empfehlen ist." (Hard Rock Cafe, 21 Uhr) -- Jim Caligiuri

MÜDE JUNGEN: Cowboyhüte, Bärte, Westen, eine Telecaster und ein Kontrabass. Das könnte eine Band bedeuten, die ein zu starkes Gespür für Ironie hat, aber nicht Austins Weary Boys. Ihre ist eine Electric-Bluegrass-Marke von authentischem Country, die in einem Punkclub, Honky-Tonk oder Staatsgefängnis übergehen könnte (und überhaupt). Ihr Indie-Debüt wird dem Hype gerecht. (Continental Club, 21 Uhr) -- Jerry Renshaw

DIE FLEISCHLIEFERANTEN: Austin's Meat Purveyors sind zurück mit ihrem zweiten Bloodshot Barnyard Mosher Alle Beziehungen sind zum Scheitern verurteilt, komplett mit Hoedown-Bezügen von ABBA und Ratt. Ihr aufgeregter Bluegrass hat keinen wirklichen Nachfolger, denn wer könnte es mit der Adrenalin 'n'-Attitüde aufnehmen, die dieser Vierer auf der Bühne ausspuckt? (Mutter Egan's, 21 Uhr) -- Christopher Hess

DER GRASIGE KNOLL: Bob Green ist ein S.F.-Bewohner, aber es sind die verschwörungstheoretischen Heebie-Jeebies seiner Heimat Dallas/Ft. Es lohnt sich, ihm seine Inspiration zu geben. Gedroppt von Verve/Antilles nach dem klaustrophobischen Elektro-Fusion-Meisterwerk von 1998 III, SXSW trompetet die Rückkehr von Greens Jazz 'n' Paste-Wunderland aus funky .007-Basslines und gesampelten White-Noise-Loops. (Le Privilege, 21 Uhr) -- Michael Chamy

RADIO 4: Die Primal Scream-Elemente sind hier schwer zu übersehen, aber vielleicht spielt der NYC-Fünfling nur Gang of Four im Fernsehen der Strokes. Es ist eine verrückte Mischung aus einer Art Proto-New Wave mit den dissonanteren Momenten von frühen Post-Punk-ähnlichen Joe Jacksons "I'm the Man", die beschleunigt und auf den Kopf gestellt werden. (Reha-Lounge, 21 Uhr) -- Michael Bertin

HARVEY SID FISCHER: Der unangefochtene König der Tierkreismusik kehrt mit Unterstützung von Austins Hidden Persuaders zu SXSW zurück. Fisher, ein Schauspieler aus L.A., der in Fernsehsendungen der Siebziger Jahre mitgewirkt hat wie Notfall und Kojak1989 wurde er mit einem öffentlich zugänglichen Video seiner Astrologie-Songs zu einer musikalischen Kultfigur. (Empanada Salon, 21 Uhr) -- Greg Beets

SÜD: Größer als Toast und doppelt so lecker, dieses britische Trio spielt wie Stone Roses Redux, ein Gitarren-und-Gesang-Trio mit Seele zum Brennen und einem faulen Groove, der selten in herzzerreißende Gitarrenarbeit übergeht. Unterzeichnet bei UK Indie Mo'Wax, ihrem neuen Von hier an In ist die erste unentbehrliche UK-Disc des Jahres. (Element, 21 Uhr) -- Marc Savlov

VORFÜHRUNG 73: Scott Herrens Antwort auf den Weg, den Hip-Hop eingeschlagen hat, ist die Kreation des "Clip-Hop". MCs werden nur als eine weitere Musikebene verwendet, indem Texte ohne Vokal- oder Silbenunterstützung in geschnittene Reime zerlegt werden, und der Rest sind Beats, die größtenteils aus Schnipseln von Herren's Pre-Fusion-Jazzplatten um 1973 bestehen mach diesen Scheiß nicht." (La Zona Rosa, 22 Uhr) -- Christopher Coletti

HALOU: Das in SF ansässige Ehepaar Ryan und Rebecca Coseboon hat es geschafft, den Klang von 4 Uhr morgens Eros besser einzufangen als jeder andere, den wir je gehört haben. Im Hintergrund plätschern träge, flüssige Beats wie ein warmer, einladender Regenschauer, während Rebeccas samtweiche, honigsüße Vocals zwischen flauschigen Synth-Lines, rauchigen Celli und einem beruhigenden Ambient-Groove sickern, der "Sex, please!" (Element, 22 Uhr) -- Marc Savlov

KELLY HOGAN: Wenn Kelly Hogans Gesang nicht so elegant und mühelos klingen würde, wäre sie immer noch eine alternative Country-Diva, einfach weil sie den gesunden Menschenverstand hätte, mit den Jody Grind und den Rock*A*Teens zusammenzuarbeiten. Kürzlich war sie irgendwie Bloodshot, ihre zweite LP auf dem Chicagoer Indie, Weil es sich gut anfühlt, Upgrade-Leute wie Randy Newman und die Statler Brothers. (Momo's, 22 Uhr) -- Michael Bertin

STEPHEN BRUTON: Ein bekannter Sideman (Bonnie Raitt, Kris Kristofferson) wurde zum Singer-Songwriter, Gitarrist Stephen Bruton hat kürzlich seine neueste CD veröffentlicht. Geisterwelt, auf New West, fühlt sich aber genauso wohl als musikalischer Leiter für die Tony-prämierte Schauspielerin Betty Buckley in ihrer Kabarettshow. Live ist er der Beste von beiden. (Quecksilber, 22 Uhr) -- Margaret Moser

KELLY WILLIS: Eine der am meisten erwarteten/besuchten Shows von SXSW O1, Austins Country-Liebling Kelly Willis hat die Herzen von Fans aus allen Genres erobert. Ihre Stimme wird dein eisiges Herz der Musikindustrie zum Schmelzen bringen, und sie hat eine Reihe von Songs entwickelt, die sich mit den Besten von ihnen messen können. Irgendwann in diesem Jahr wird sie es mit einem neuen Album ergänzen. (Austin Music Hall, 22 Uhr) -- Christopher Hess

OWEN-TEMPEL: Das texanische Singer-Songwriter-Feld ist in den letzten Jahren nach Robert Earl Keen etwas überfüllt geworden, aber Owen Temple schafft es, sich vom Rest der Masse abzuheben. Seine neueste CD, Durchfahren, auf Scenework Records, zeigt keine Anzeichen eines Einbruchs im zweiten Jahr. (Gebrochene Spoke, 22 Uhr) -- Jerry Renshaw

BOB LOG III: Draußen in der Wüstenvilla von Tucson, Arizona, lebt eine seltsame Kreatur namens Bob Log. Er ist nicht mehr nur die Hälfte von Doo Rag, sondern ist jetzt eine Ein-Mann-Band, die mit den Füßen Bassdrum spielt, während er sein Griffbrett mit primitiven, hyperaktiven Grooves beschädigt, die mehr stinkender Sumpfdreck sind als schmutziger Delta-Schlick. (Emo's Jr., 22 Uhr) -- Michael Chamy

PAUL JONES: Dieser Delta-Bluesmann sagte kürzlich einem Reporter: "Ich glaube an Gott, aber der Teufel hat auch Macht." Anhören von Jones' Veröffentlichung von 1999, Butterblume zusammenziehen (Fat Possum), es ist klar, dass dieser Schweißer nicht nur philosophiert hat. Der rohe Sound von Jones' Gitarre und Stimme, angetrieben von einem Schlagzeuger namens Pickle, versetzt Sie in den ewigen Kampf zwischen Gut und Böse. (Anton's, 22 Uhr) -- Dan Oko

DIE HELIO-SEQUENZ: Dieses Duo aus Portland, Ore., Sänger/Gitarrist Brandon Summers und Beat-Keyboarder Benjamin Weikel dokumentierten ihre Botschaft auf ihrer selbstveröffentlichten EP von 1999 Beschleunigtes Zeitlupenkino, ein Debüt von 2000 Cavity Search, Kom Plex, und der letzte CS-Ausflug, Junge Bevollmächtigte. Diese Botschaft: Werde laut, verbiege dich, werde poppig. (District Bar & Grill, 22 Uhr) – David Lynch

AKTIONSLACKS: Oaklands Actionslacks zählen zu ihren Favoriten, von Wilco bis Hüsker Dü, und alles kommt in ihrem Sound zusammen. Die Szene's Außer Sicht, ihr 200l-Release, machen sie das, was sie am besten können: slashende Gitarren, smarte Texte, enge Harmonien und Live-Wire-Energie. (Ritz Lounge, 22 Uhr) -- Jerry Renshaw

WINSLOW: Winslows geduldige Melodien sind ein wichtiges Rädchen im Korps der Kosmonauten-Rocker aus Austin. In diesem Jahr gibt es keinen Mogwai, also könnte Winslow in dieser frühen Frühlingssaison zu den hellsten Sternen am Himmel gehören. (Red Eyed Fly, 22 Uhr) -- Michael Chamy

ICH BIN DAS WORLD TRADE CENTER: Nachdem die Weltpolitik die Dinge durcheinander gebracht hatte, spielte IATWTC mit dem abgekürzten Namen I Am the World, hat aber jetzt ihren Spitznamen vollständig wiederhergestellt. Mit wenig mehr als einem Laptop hat das elektronische Pop-Duo von Amy Dykes und Dan Gellar Synthesizer wirklich schmackhaft gemacht, selbst für diejenigen, die eine natürliche Abneigung dagegen haben. Track=Lied, ihr neuestes und Follow-up zu ihrem Debüt Aus der Schleife, ist eine Sammlung von Covern und Remixen. (Buffalo Billard, 22 Uhr) -- Michael Bertin

URSPRÜNGLICHE SÜNDER: Wir hoffen, dass Exene Cervenka hier nicht vorgestellt werden muss, aber zum Teufel, die meisten von euch sind halb so alt wie wir, also: Gründungsmitglied und treibende Kraft hinter den LA Roots-Punk-Legenden X, Poet, Autor und alles, was ihr Indie-Hipster sonst noch so in der Hand habt lieb. Exenes Zeichen für DIY kann nicht überbewertet werden. (Roter Saal, 22 Uhr) -- Marc Savlov

1001 NACHT ORCHESTER: Dieses vor mehr als einem Jahrzehnt vom persischen Lautenisten Kamran Hooshmand gegründete Akustikensemble aus Austin spielt klassische und originelle nahöstliche Stücke persischer, türkischer, arabischer, afghanischer, armenischer, griechischer und sephardischer Herkunft. Ihr Chocolate Records-Debüt, Salaam, ist immer noch ihre einzige Veröffentlichung, auch weil eine erweiterte Version der Gruppe damit beschäftigt war, eine hervorragende Live-Begleitung zum Stummfilmklassiker zu kreieren Der Dieb von Bagdad. (Tongrube, 23 Uhr) – David Lynch

OJALA: Diese beiden erfahrenen Weltmusiker aus Austin – Javier Palacios und Kamran Hooshmand – verschmelzen ihre jeweiligen lateinamerikanischen und persischen Gesellschaftslandschaften zu einem nahtlosen und anmutigen Ganzen. Inspiriert vom kulturellen Austausch zwischen Nordafrika und Alt-Spanien, war ihr gleichnamiges selbstveröffentlichtes Debüt eines der besten des letzten Jahres. Hören Sie Gitarre, Oud, Handtrommeln, persisches Fingerschnippen, Pfeifen und synkopiertes Handklatschen. (Tongrube, 23 Uhr) – David Lynch

ST 37: Inmitten all der Bands, die nach der perfekten Drei-Minuten-Formel suchen, ist diese erfahrene Space-Rock-Gruppe aus Austin eine Offenbarung. Kosmischer Pop im Hawkwind-Stil weicht dem zarten Spacemen 3-Minimalismus und allen Formen von strukturellem Chaos dazwischen. Kein Wunder, dass sie zur Terrastock 2002 in Boston eingeladen wurden. (Red Eyed Fly, 23 Uhr) -- Michael Chamy

ALABAMA THUNDERPUSSY: Richmond, Virginia's Alabama Thunderpussy vereinen Drop-Tuning-Uber-Riffs mit melodischen Song-Folgen. In der Schwebe, als Man's Ruin zusammenbrach, veröffentlichen ATP ihre vierte LP. Das Göttliche anstarren, auf Rückfallaufzeichnungen. Als Post-Punk-Liebeskind von Skynyrd und Entombed spielen ATP einige der köstlichsten Moonshine Metals, die es gibt. (Emo's, 23 Uhr) -- David Lynch

SIANSPHERIC: Sanfter als der Bardo Pond, teilt dieses Quartett aus Ontario sein Talent für raue Verzerrungen, nutzt es aber, um ein umhüllendes Meer der Ruhe zu schaffen. Warme, rauschende Wellen klanglicher Glückseligkeit sowie erhabene Sigur Ròs-ähnliche Texturen sind auf ihrer neuesten Sonic Unyon-CD im Überfluss vorhanden. Der Klang der Farbe der Sonne. (Red Eyed Fly, 23 Uhr) -- Michael Chamy

ASCHE: Nordirlands feinster, dieser Punk- und Rock-beeinflusstes Trio verlor sich irgendwie im Britpop-Shuffle um 1994, als ihre Debütsingle "Jack Names the Planets" erschien. Seitdem haben sie ihre Crunch-Pop-Fähigkeiten zu einer stapelweisen Sound-Methodik verfeinert, die sie auf ihrem neuesten, Befreie alle Engel, das kürzlich auf Platz 1 der UK-Charts einstieg und auch in die USA einsteigen sollte. (Element, 23 Uhr) -- Marc Savlov

DIE BRIEFS: Wenn man es nicht besser wüsste, könnte man meinen, man sei auf eine Platte aus der Zeit vor der Wuss-Gen-X gestolpert, mit dem First-Wave-Punk-Sound und dem Billy-Idol-Lookalike Chris Brief, der trommelt und singt. Das Quartett aus Seattle veröffentlichte letztes Jahr seine Debüt-EP auf Interscope, nachdem sie mit ihrem SXSW-Auftritt einen Deal bekommen hatten. (Roter Saal, 23 Uhr) -- Michael Chamy

DIE DRACHEN: San Diegos Mario Escovedo-led Dragons sprengen Vier-Akkord-Rock à la the New York Dolls oder schlagbesoffene Stones. Mit vier LPs auf dem Buckel – das neueste Wesen Rock & Roll Kamikaze on Junk – sie kodifizieren, wie das Genre klingen soll – ganz ohne Finesse und viel Leidenschaft. (Emo's Jr., 23 Uhr) – Jerry Renshaw

YAYHOOS: Nach fünf Jahren Fehlstart hat sich diese alt.country-Supergroup – Dan Baird, Eric Ambel, Keith Christopher und Terry Anderson – letztes Jahr endlich vereint, um Aufnahmen zu machen Fürchte nicht das Offensichtliche. Die Ergebnisse liefern genau die Art von Prahlerei, die Sie erwarten würden. Bairds "Get Right With Jesus" ist eindeutig das Herzstück der LP, aber ihr Cover von ABBAs "Dancin' Queen" sollte live ein echter Hingucker sein. (Mutter Egan's, 23 Uhr) -- Andy Langer

DIE UMWERFER: Komisch, aber mit der Zeit werden "Bakersfield"/"Buck Owens" immer seltener in Verbindung mit Austins Derailers erwähnt. Wenn Nachahmung Schmeichelei ist, bekommt Owens hier einen ewigen Hintern-Kuss, aber das mindert nicht die Tatsache, dass die Derailers todsicheren Honky Tonk liefern, auch wenn sie mit jedem weiteren Outing mehr Backbeat machen. (Austin Music Hall, 23 Uhr) -- Michael Bertin

JON DEE GRAHAM: "Jon Dee Graham - Songwriter von großem Ruf." Selten sagt eine Biografie so viel. Seit '97 außergewöhnlich Flucht von Monster Island, Austins ehemaliger Skunk und True Believer war Gegenstand glänzender Mundpropaganda. Sein brandneues Hurra für den Mond on New West ist vielleicht seine bisher selbstbewussteste und am gründlichsten zugängliche Arbeit. (Quecksilber, 23 Uhr) -- Andy Langer

DARDEN SMITH: Darden Smith ist seit langem einer von Austins beliebtesten Singer-Songwritern und wird für seine gewinnende Art mit einer Melodie und seiner unerschütterlichen lyrischen Ehrlichkeit geschätzt. Im April kommt die volle Blüte von Sonnenblume, seine erste LP mit neuen Songs seit fast sechs Jahren, mit Patty Griffin, Kim Richey und einem definitiven Glanz. (Gingerman, 23 Uhr) -- Jim Caligiuri

DIE SILOS: Walter Salas-Humara & Co. haben gerade eine Tour durch Europa und Spanien beendet, nachdem sie veröffentlicht wurden Laserstrahl von nebenan (Checkered Past) letztes Jahr, was eher der Roots-cum-College-Rock ist, der sie auf die Landkarte gebracht hat. Sie hocken bereits zusammen, um das nächste Album zu schreiben. (Momo's, 23 Uhr) -- Melanie Haupt

IAN MOORE AKTIONSGESELLSCHAFT: In Berkeley geboren, in Austin aufgewachsen und jetzt in der Nähe von Seattle lebend, ist Ian Moores selbstbetiteltes 1994er Debüt Manifest Griffbrett-Chops. Seine sechste und neueste LP, Über Satellit enthält Kerne der Streicher-Zauberei, aber seit seinem professionellen Start als Joe Elys Gitarrist ist Moores Musik nuancierter geworden. (Hard Rock Cafe, 23 Uhr) – David Lynch

T-MODELL FORD: Fat Possum ist spezialisiert auf rohen Juke-Joint-Blues, der von älteren schwarzen Männern gespielt wird, und das aus Mississippi stammende T-Model ist keine Ausnahme. Er war 75, als er sein Debüt für das Label gab. Pipi, wee, hol meine Waffe, kam heraus, und im Jahr 2000 wurde veröffentlicht Sie ist'T Keiner von dir'n. Selbst nach Fat Possums Maßstäben ist T ziemlich primitiv, mit einer Besetzung, die aus einem Schlagzeuger besteht und er selbst Bluesgarne mit summenden, schmutzig klingenden Akkorden heraushaut. (Anton's, 23 Uhr) -- Jerry Renshaw

HERR. SCHRAUBEN: Andy McCarthy, gebürtiger Manchester und Ninja Tune-Labelkollege, strebt danach, "Musik zu kreieren, die er nirgendwo anders hören konnte", und führte diesen DJ-Pionier dazu, eine Fülle von Genres in Sets zu erkunden, die bis zu fünf Stunden dauern. Seine Weigerung, kurze Slots zu akzeptieren, hat ihm eine ganze Nacht bei Plush eingebracht. (Plüsch, 23 Uhr) -- Christopher Coletti ANALOG II: Vor all diesem IDM-Geschäft hat Tortoise einen Präzedenzfall für instrumentalen Indie-Rock geschaffen. Das war damals, als es nur warme, einladende, unwiderstehlich groovige Basslines gab. Analogue, eine Gruppe aus dem North Carolina Research Triangle-Gebiet, nahm dieses Stichwort und veröffentlichte ihr verlorenes Juwel eines Debüts AAD im Sommer 1996. Sie tauchten als Analogue II auf der CMJ 2000 und SXSW 2001 wieder auf und boten Momente analoger Glückseligkeit. (Empanada Salon, Mitternacht) -- Michael Chamy

VUE: Diese fünf Schurken aus der Bay Area haben es mit ihrem selbstbetitelten Sub Pop-Debüt gut gemacht, aber mit dem letztjährigen Finden Sie Ihr Zuhause, sie legten die Samthose ab und erhöhten den Stooges Post-Soul-Quotient. (Roter Raum, Mitternacht) -- Raoul Hernandez

TEILMENGE: Dieses in Austin ansässige Pop-Trio erobert Herzen und Köpfe mit seiner Fähigkeit, Niederlagen zu erforschen, ohne dem Defätismus seiner emo-logierten Kollegen zu erliegen. 2000 Debüt von Subset, Überführung (Post-Parlo) war eine geschickte Kombination aus dem herzlichen Pop von Badfinger und der Stopp-Start-Kantheit von Mission of Burma. (Ritz-Lounge, Mitternacht) -- Gregor Beete

KAISERLICHER TEEN: Imperial Teen ist auf eine einzigartige Marke von Bubblegrunge spezialisiert, die nur wenige replizieren können. Nach '96 Seekrank und '99's Was ist nicht zu lieben, machten die Teens eine Pause, wobei die Jungs (Sänger/Gitarrist Roddy Bottum und Will Schwartz) nach L.A. aufbrachen und die Mädchen (Schlagzeugerin Lynn Perko und Bassist Jone Stebbings) in San Francisco blieben. Das Merge-Debüt ist später in diesem Frühjahr fällig Auf, produziert von den Jungvermählten Steven McDonald (Redd Kross) und Anna Waronker (That Dog) ist voll von der unwiderstehlichen dunklen Unterströmung, die den berauschenden Pop von IT kennzeichnet. (District Bar & Grill, Mitternacht) -- Melanie Haupt

DIE LIEBEN: Ein Phänomen in ihrer Heimatstadt Montreal, die Popmarke Dears erinnert an britische Bands wie Blur und manchmal an die Smiths – wobei Leadsänger Murray Lightburn als Black Morrissey bezeichnet wird. Ihr zweiter Versuch, der passend betitelte Orchester-Pop Noir Romantique, wird im Frühjahr von Universal Music zur Verfügung gestellt. (BD Riley's, Mitternacht) -- Jim Caligiuri

ABRA MOORE: Nachdem er Clive Davis von Arista zu seinen J Records gefolgt war, folgte Abra Moore's Keine Angst ist Ende Mai fällig. Aufgenommen in NYC, L.A., London, Nashville und Austin, soll es mehr Ambient sein als die Grammy-Nominierung von 1997 Seltsamste Orte. Hören Sie als Erste auf dem Block, was sie an das heißeste Label der Branche geliefert hat. (Dampfboot, Mitternacht) -- Andy Langer

LI'L CAP'N TRAVIS: Es ist nicht genug, dass Austins Li'l Cap'n Travis das fast Unmögliche gemeistert hat, sowohl lustig als auch ernst zu sein, aber zwischen ihrem selbstbetitelten Debüt und dem neuen Einsam und Losin“, wurden sie eine verdammt gute Band. Unaufdringlich, selbstironisch und fast fehlerfrei echt, macht der Cap'n Rock'n'Roll sicher, ein bisschen albern und irgendwie Country zu sein. Sie könnten einfach das Beste sein, was in Austin passiert. (Continental Club, Mitternacht) -- Michael Bertin

FLACHLANDER: Ely, Jimmie Dale Gilmore und Butch Hancock wurden letzten Monat im Ranch-Studio von Joe Ely kontaktiert und hörten sich an, als würden sie mehr essen, trinken und in Erinnerungen schwelgen als aufnehmen, und dennoch ist ihr New-West-Debüt im Mai eines der am meisten erwarteten Alben des Austin-Neujahrs. Mehr eine Legende als eine Band, dieses Trio überholt ihre Mythologie. (Quecksilber, Mitternacht) -- Raoul Hernandez

BIBER NELSON: Nelsons wunderbares drittes Album, Ungestört, ist nicht gerade untexanisch – etwas, das der gebürtige Houstoner und langjährige Einwohner von Austin wahrscheinlich nicht mit den Schultern zucken kann –, aber es klingt eher nach einer LP aus dem Katalog von Marshall Crenshaw oder Graham Parker als nach der texanischen Troubadour-Tradition. Noch wichtiger ist, es ist ein verdammt gutes Songcraft. (Hard Rock Cafe, Mitternacht) -- Michael Bertin

WIRD SEXTON: Seine New Folk Underground-Kollaboration mit David Baerwald sollte einen Großteil des Jahres 2002 in Anspruch nehmen, aber Will Sextons Solo-SXSW-Showcase dient als starke Erinnerung daran, dass seine Szenen aus dem Nichts war vielleicht die am meisten kriminell übersehene lokale LP des letzten Jahres. Seine fatalistischen Erzählungen waren sowohl mitreißend als auch fehlerfrei auf die Bühne übertragen. (Ruta Maya, Mitternacht) – Andy Langer

RÜCKSICHTSLOSE KELLY: Seit 1997 begeistert Reckless Kelly das Publikum hier in seiner Heimatstadt Austin und im ganzen Land mit ihrem treibenden Rockin' Country. Ihre Musik ist voll von glatten Harmonien, klingenden E-Gitarren und Texten, die das Leben jenseits des relativ jungen Alters der Bandmitglieder widerspiegeln. (Austin Music Hall, Mitternacht) -- Jim Caligiuri

FLASCHE ROCKETS: Die Flaschenraketen haben es geschafft. Der Stolz von Festus, Mo., würdigt den verstorbenen Schutzpatron der Cosmic Cowboys, Sir Doug Sahm, mit ihrer brandneuen Marke Lieder von Sahm (Blutunterlaufen). Es ist ein bisschen wie bei den Bottle Rockets – schlampig, temperamentvoll und fröhlich von Anfang bis Ende – und sehr wie Sahm. Mit anderen Worten, es ist fast perfekt. (Mutter Egan's, Mitternacht) -- Michael Bertin

BASTARD SONS OF JOHNNY CASH: Es war ein arbeitsreiches Jahr für diese Neo-Honky-Tonker: Sie haben ihre Debüt-CD (wieder) veröffentlicht, Alleine gehen, und neben der gerade abgeschlossenen Wintertour ist auch von einem neuen Album im Herbst die Rede. Bis dahin warten wir alle nur darauf, dass der Mann in Schwarz seinen musikalischen Spawn einfordert. (Broken Spoke, Mitternacht) -- Melanie Haupt

HOCH AUF FEUER: Obwohl Monster Magnet, Fu Manchu und QOTSA die ganze Presse bekommen, war es Sleep, der den Ansturm der Stoner-Rocks auslöste. Der Schlafaxt-Mann Matt Pike hält die Bong stolz mit SFs High on Fire im Schlepptau, dessen kommende Relapse Records-CD nach den 2000er Jahren kommt Die Kunst der Selbstverteidigung, das den Sabbat mit den Melvins kreuzte, um eine mit Hasch überzogene Apokalypse zu schaffen. (Emo's, Mitternacht) -- Michael Chamy

JERRY CANTRELL: Jerry Cantrells zweites Soloalbum, Abbaureise, schlägt vor, dass Sie den Gitarristen aus Alice in Chains herausnehmen können, aber nicht Alice in Chains aus dem Gitarristen. Der Einfluss von AIC auf nü-Metallurgen macht dieses Paradox zu einer willkommenen Rückkehr. Ebenso beeindruckend sind Bassist Robert Trujillo (Suicidal Tendencies) und Schlagzeuger Mike Bordin (Faith No More). (Stubb's, Mitternacht) -- Andy Langer

ANTI-POP-KONSORTIUM: Der Umgang mit Hip-Hop mit aggressiver Unzufriedenheit hat APC einen einzigartigen Sound verliehen, der manchmal dunkel, normalerweise rau und immer anders ist. Beans, Priest und M. Sayyid basieren hauptsächlich auf Prosa und literarischen Inhalten und bilden ein bizarres musikalisches Statement, das sich gegen den altbackenen Zustand des Pop auflehnt. 2001 eröffneten sie für Radiohead in Europa und wurden als eine Gruppe gefeiert, die "großartig poetisch, pervers abstrakt und geradlinig" ist Zeit Zeitschrift. (La Zona Rosa, Mitternacht) -- Christopher Coletti

JACOB FRED JAZZ ODYSSEY: Tulsas Jacob Fred Jazz Odyssey hat den Übergang von Austins Jazzräumen zu seinen Hippie-Jam-Band-Tauchgängen und wieder zurück vollzogen und ist immer willkommene Gäste an jedem Ort in Austin. Nachdem sich dieses Trio kürzlich für eine Tour mit Charlie Hunter geschärft hat, wird es für dieses Showcase zweifellos in Hochform sein. (Vibe, 12:30 Uhr) -- Christopher Hess

TEYE & VIVA EL FLAMENCO: Der in den Niederlanden geborene und über London und Paris nach Austin gekommene Gitarrist Teye hat Flamenco mit Bruce Springsteen, Dwight Yoakam, Rosie Flores, David Lindley, Rick Trevino, Roseanne Cash und Lyle Lovett gespielt. Bei ihrem vierten SXSW-Auftritt in Folge spielt Viva El Flamenco Songs von ihrem 1999er Debüt Viva el Flamenco! (Tongrube, 1 Uhr morgens) – David Lynch

SIXPENCE KEINE DER REICHER: Diese jungen CenTexaner kamen aus der zeitgenössischen christlichen Szene und öffneten 1994 für 10.000 Maniacs. 2001 war der Singvogel Leigh Nash auf Deleriums Single "Innocente (Falling in Love)" zu hören, aber die versprochene Sixpence-LP blieb aus. (Dampfboot, 1 Uhr morgens) -- Melanie Haupt

DIE SADIES: Angeführt von den Brüdern Travis und Dallas Good, Kanadas Antwort auf Austins Death Valley ist ebenso geschickt darin, Ennio Morricone abzuziehen, als sie Shadowy Men auf einem Shadowy Planet sind, denn nun, es geht um dasselbe. Mit drei Bloodshot-Scheiben im Gepäck nehmen sie dem Surfpunk die Brandung und ersetzen sie durch Tumbleweeds. (BD Riley's, 1 Uhr) -- Michael Bertin

SLOBBERBONE: Sie haben den Höhepunkt des Erfolgs erreicht, als Stephen King Ihre Arbeit in seinem neuesten Horror-Magnum-Opus lobt. Das fragliche Buch ist Schwarzes Haus, und das fragliche Lied ist "Gimme Back My Dog" aus der 2000er Veröffentlichung von "Bone". Alles, was Sie für richtig hielten, war heute falsch (Neuer Westen). Wenn Sie eine kleine Alt-Country-Band aus Denton, Texas, sind, ist dies ein Lob, das einer Pressemitteilung würdig ist. (Quecksilber, 1 Uhr) -- Melanie Haupt

BINDESTRICH: Es ist jetzt nur Dash – Sie können den "Rip Rock"-Teil mit den Neunzigern verlassen. Das neue, verbesserte Dash ist immer noch ein explosives Trio mit viel Geschichte hinter sich und noch mehr (achten Sie auf ihr kommendes Album .) Überschallknall). Was auch immer Sie von der Band aus New Orleans erwartet haben, sie haben es immer noch und es ist besser denn je. (Hard Rock Cafe, 1 Uhr morgens) -- Margaret Moser

JEFF HUGHES & CHAPARRAL: Es wird schwer für Jeff Hughes, die des letzten Jahres zu übertreffen Kopf in Deckung, eine Sammlung von Country-Klassikern wie "You Shook Me All Night Long" von AC/DC und "More Than This" von Roxy Music. Da Hughes alle drei Jahre ein Album einspielt, solltest du dich darauf einstellen, welche zu hören Real Land-rawk. (Gebrochene Spoke, 1 Uhr morgens) -- Melanie Haupt

JIM LAUDERDALE: Jim Lauderdale, einer der besten Songwriter von Nashville und ein charismatischer Künstler, veröffentlicht im Mai zwei CDs auf Dualtone. Einer, Verloren in den einsamen Kiefern, wird seine zweite Zusammenarbeit von Bergmusik mit Ralph Stanley sein. Das andere, Kolibri, ist ein Album, das vor ein paar Jahren von RCA abgelehnt wurde und nie veröffentlicht wurde. (Ingwerman, 1 Uhr morgens) -- Jim Caligiuri

SUPERSUCKERS: Ob Eröffnung für die Ramones oder Unterstützung von Willie Nelson Die Tonight-Show, die Twang- und Punk-Fusion der Supersuckers hat zu 14 Jahren herausragender Shows geführt. Nach einem langen Lauf bei Sub Pop und einem kurzen Stopp bei Koch gründete das Quartett aus Seattle 2001 seine eigenen Mid-Fi Recordings, die kürzlich veröffentlicht wurden Muss'Ich war live, ein mit Gästen besetztes Kompendium, das live in Austin, Dallas und San Diego aufgenommen wurde. (U-Bahn, 1 Uhr morgens) -- Greg Beets

WACO BRÜDER: Ein guter Grund, die SXSW zu besuchen, Chicagos Waco Brothers haben mit ihrem markentypischen Stil von Celtic Clash-befeuertem Twang-Rock an Veranstaltungsorten von Bühnen bis hin zu Gassen ein knallhartes Set auf die Beine gestellt. Obligatorischer Stopp für Erstbesucher. (Mutter Egan's, 1 Uhr morgens) -- David Lynch

SÖHNE DES HERKULES: Die Garagen-Punk-Könige von Alamo City drücken alle richtigen Knöpfe – MC5, Stooges und Radio Birdman – mit ihren herausragenden Leistungen. Sänger Frank Pugliese ist ein Bühnenveteran, dessen Band die Vamps 1978 für die Sex Pistols eröffneten. (Roter Raum, 1 Uhr morgens) -- Greg Beets

TITO & TARANTULA: Ex-Cruzado/Plugz-Frontmann Tito Larriva und Monster-Slide-Gitarrist Peter Atanasoff schmeißen, wenn er nicht seinen Actor's Guild-Beitrag zahlt, Big-Bottom-Border-Rock nieder, um Tarantino/Robert Rodriguez's Ab der Dämmerung 'Bis zum Morgengrauen sehen aus wie eine Komödie. Ihre dritte LP, Andalusien, bleibt nur Import. (Continental Club, 1 Uhr morgens) -- Raoul Hernandez

PONG: Retro und futuristisch zugleich und mit vier Sängern gesegnet, ist Pong eines von Austins besten Outfits, ein Beweis, der auf dem letztjährigen Woodeye-Debüt gefunden wurde. Killer-Lifestyle. Sie leben auf einem Planeten, der von Mouse on Mars, Kool Keith, Kraftwerk, Black Sabbath, Beach Boys, Brian Eno, Can und den Minutemen bevölkert wird. Verrückt und gefährlich. (District Bar & Grill, 1 Uhr morgens) -- David Lynch


Schwalbenschwanz

Teilen Sie das EPK von Dovetail!

„Wenn die Beatles, The Byrds und The Beach Boys alle in einen Mixer geworfen, Frappe aufgesetzt und mit einer Prise Muse und einem Hauch von Queen gekrönt würden, hättest du einen Schwalbenschwanz. Dynamischer Gesang und hervorragende Instrumentals machen diese Texaner zu einer HÖLLE von einer Band, die jeder Rock 'n' Roll-Liebhaber sehen sollte.“ - BUZZFEED

Mount Karma // Schwalbenschwanz (Album-Premiere und Track-by-Track-Vorschau)

Es gab eine Fülle von Rockbands, die wissen, wie man zugängliche Rockmusik mit knallenden Gitarren, rohem Gesang und intensiven Emotionen produziert. Sicher, alternative Rockbands, die Folk-Indie-Sensibilitäten kombinieren, wie Imagine Dragons oder Half Moon Circle, und diejenigen, die Fusionsgenres wie Muse gut erforscht haben, sind beliebt, aber gab es in letzter Zeit echte Rock'n'Roll-Bands?

Treten Sie ein, Dovetail, eine sechsköpfige Rockband aus Texas, die mich an die Vielseitigkeit von Rock’n’Roll-Größen wie The Beatles und The Byrds erinnert. Ist dieses hohe Lob wirklich gerechtfertigt?

Jump Into Limbo hatte die Gelegenheit, ihr Debütalbum Mount Karma, das am 29. Oktober veröffentlicht wird, vorzuhören. Finde heraus, was wir zu diesem Album zu sagen haben, Track für Track.

Als Eröffnungssong hat mich dieser Song auf den Rest dieses Albums gefesselt. Es erregte meine Aufmerksamkeit mit einem geradlinigen Gitarrenrefrain, der sich durchweg als Lead-Bass-Gespräch wiederholt. Der Refrain tritt an und ich bin mir absolut sicher, dass dies ein Riesenhit werden sollte. Es überrascht nicht, dass Dovetail für diesen Song den John Lennon Song Writing Contest 2012 in der Kategorie Rock Song Of The Year gewonnen hat. Wohlverdient! Natürlich hatte ich das tagelang im Replay, noch bevor ich mit dem Rest des Albums angefangen habe.

Nach Julie war ich sofort beeindruckt, dass diese Band etwas Besonderes ist – und wie würden sie diesen Opener toppen? Big City war etwas weniger als perfekt, weil ich dachte, es hätte eine unangenehme Melodielinie (ich hätte eine tiefere Tonart bevorzugt). Die Rettung sind die Harmonien im Refrain und die abgeschwächte und klaviergetriebene Bridge-Sektion.

Der Titel des Songs verriet es - Country-inspiriert auf jeden Fall. Dieser Track macht Spaß auf eine langsame Hymne-siegreich-singen-im-Auto-auf-einem-Straßen-Trip. Und ist das nicht eine der angenehmsten Möglichkeiten, einen Rock’n’Roll-Song zu genießen? Die Ebbe und Flut der Texte hebt deine Fäuste in die Luft – und halte sie dort bis zum nächsten „Hey!“.

Ich schätze die umfangreichen dynamischen Arrangements, die in diesem Song gemacht wurden, voll und ganz. Die vierstimmigen Harmonien und Piano-Licks sind herausragend, ebenso die Texte in den Strophen. Leider muss ich die Metapher übersehen haben, weil ich nicht ganz sicher bin, was „du bist so schwer“ bedeutet…

Sehen Sie, wie The Sun die Beach Boys mit ihrem eher akustischen Arrangement und der poppigen Klavierakkord-Begleitung kanalisiert, aber die Dinge mit unerwarteten Akkordfolgen und Gitarrenlicks interessant hält, die Sie wissen lassen, dass dies keine typische Rockballade ist. Ein großes Lob an den Leadsänger in diesem Track, der keine Zurückhaltung zeigt, wenn es um stimmlich herausfordernde Töne geht. Es passiert immer etwas Neues in diesem Song, bei dem ich mich langsam frage, wie der Songwriting-Prozess der Band ist. Wie könnten zum Beispiel ihre Ergebnisse aussehen – wenn sie überhaupt eine haben? Der Gedanke daran, wie unformel ihre Songstrukturen sind, ist beeindruckend. Ich würde sagen, das ist mein Lieblingssong in langsamem Tempo von diesem Album!

Kann nicht fühlen, dass du hier zuhörst

Dieser Song lieferte diese weichere, sentimentalere Seite der Band. Der Refrain ist umwerfend, aber traurig: Ich habe vergeudet, einen Tag verschwendet, einen Weg verschwendet, den du mich haben willst. Mein einziges Problem mit diesem Lied? Dieses Lied sollte länger sein!

Wenn dir der erste Track Julie gefallen hat, ist dieser Song im selben Thread. Dieser Track strotzt nur so vor Sexappeal, wie es Rock 'n Roll-Musik tun sollte (ich sage, es liegt an den Gitarren), dieser Track ist ziemlich gut - aber reicht er aus, um an die Energie von Julie anzuknüpfen? Ich würde sagen, das Tempo erhöhen, mehr Overdrive-Gitarren herausbringen und mich damit treffen.

Einfacher zu sehen Hier anhören

Ach, hier ist es! MEHR BASS. Schließlich. Nicht zu unterschätzen ist das Songwriting von Dovetail in diesem Muse-ähnlichen Song, in dem Leadsänger Philip Creamer über seine Vision singt, erstklassig. Ich kann die kraftvolle Energie spüren, die von diesem Song ausgeht und sich sogar in den Moll-Klaviermelodielinien wiederfindet. Das schnelle Tempo hat mich in wenigen Minuten zum Headbangen gebracht und es wird definitiv eine Freude sein, live zu sehen!

Hören Kinder Hören Sie hier

Obwohl ich gerne denken würde, dass es viele Überlegungen gab, dieses eher wiegenliedartige Lied zu einer Brücke zum nächsten zu machen, um das Hören des Albums zu einer Reise zu machen. Ich hatte jedoch das Gefühl, dass es etwas abrupt endete und seinen (beabsichtigten?) Zweck nicht wirklich erfüllte. Es ist jedoch nicht als Zwischenspiel gekennzeichnet, also wen soll ich beurteilen?

Einfach atemberaubend! Ich würde Songwriter selten zu ihrer Musikproduktion befragen, aber dieser Song scheint perfekt für ein Duett zu sein. Es ruft nur nach einer weiblichen Stimme (darf ich eine Country-Stimme vorschlagen, vielleicht Joy Williams von The Civil Wars?) Versteh mich nicht falsch, der Song ist bereits fantastisch als klassischer Liebessong mit intensiven Emotionen. Jetzt müssen wir die andere Seite der Geschichte hören – erzählen Sie sie gemeinsam!

Ein ergreifendes Liebeslied, das mit den gleichen Layering- und Akustiktechniken zur Ruhe kommt – aber nichts davon überwältigt.

Dieser Song ist einprägsam für seinen viel einfacheren Refrain „It’s gonna get down“, der einfach im Kopf bleibt. Von einer früheren Version ihrer EP überarbeitet, ist mein Lieblingsteil das Gitarrensolo in der Bridge, obwohl ich mir gewünscht hätte, dass es mit noch mehr rücksichtsloser Hingabe fortgesetzt würde, wie es der Gesang oft ist. Ein weiteres chaotisches und unerwartetes Ende des Songs (wenn man sich das gesamte Album anhört, ist das üblich!)

The Road bietet etwas Stille, etwas Raum zum Durchatmen, bevor die Schichten zu einem wirbelnden Strudel aus fast frei gestyltem Klavier, Trompete und Schlagzeug verschmelzen. „Ich will nicht ewig leben, nein. Ich möchte nur einen guten Weg finden. Ich möchte keine trendige, niemals endende Straße sein.“ sind die melancholischen Texte, die dieses Lied zu einem dieser Tage führen

Das akustische Setup und der aufsteigende Gesang dieses Songs machen ihn zu einem lebendigen, fast volkstümlichen Erlebnis. Mount Karma ist der perfekte Titel für dieses Lied und repräsentiert das gesamte Album, das durch die Themen Liebe, Reise, Finden und Verlieren geht. Die Harmonien erleben ein Wiederaufleben mit Rache, bauen die Crescendos des Liedes auf, bevor es zu einem ergreifenden Refrain zurückfällt: „Liebe auf dem Berg Karma, als ich jünger war, verging mein Leben vor meinen Augen.“

Insgesamt war dieses Album verdammt gut! Mich würde auf jeden Fall interessieren, wie die Mitglieder das Meisterwerk dieses Albums live nachbilden können! Dovetail besteht aus Creamer und seinem Bruder Daniel, Aaron Haynes, Scott Lee, Tucker Cauble und Matthew McDonald. - SPRINGEN IN DIE LIMBO

In ihrem ersten Full-Length-Album Mount Karma verschmilzt die texanische Band Dovetail Beach Boy-Harmonie mit 60er-beeinflusstem Country-Rock und schafft es dennoch, ihren eigenen Sound beizubehalten.

Zum Auftakt des Albums mit „Julie“, dem Gewinner des John Lennon Songwriting Contest-Preisträgers für den besten Rocksong, markiert die Band schnell ihr Territorium. Die twangige Westerngitarre während des gesamten Tracks steht in starkem Kontrast zu der großartigen Überlagerung der Gesangsharmonie, die die Band bietet.

In „Big City“ schaltet die Band in den vollen Hymnenmodus, während Leadsänger Phillip Creamer plädiert: „Big City slow down and let go“. Creamers Stimme ist definitiv Dovetails Ass im Loch, sein Sound erinnert an Matt Bellamy von Muse, abzüglich der opernhaften Perfektion.

Ohne sich auf dem Album in eine Schublade zu stecken, reduziert die Band das Tempo und wirft mit „See the Sun“ ihre Keane-Einflüsse in den Vordergrund. Dieser Vergleich ist ein wenig abschreckend, da Keane kürzlich eine neue Single „Higher Than the Sun“ veröffentlicht hat.

In „Story“ legt Creamer eine traurige Gitarre über das hüpfende Klavier. Diese Gegenüberstellung trägt dazu bei, das Gefühl des Verlustes, das in den Texten vermittelt wird, zu festigen.

Die Band nimmt in „The Road“ eine distanzierte Wendung, ähnlich wie bei den britischen Bands Keane und frühen Radiohead. Creamer ruft aus: „Ich möchte nicht ewig leben, nein. Ich möchte nur einen guten Weg finden“, und die Band steigt um ihn herum auf und baut sich zu einem starken Höhepunkt auf.

Der Kult um Brian Wilson hat in den letzten zehn Jahren an Popularität gewonnen, wobei der Harmoniestil der Beach Boys in Folk-Rock (siehe Fleet Foxes) und Elektronik (siehe Animal Collective) reicht. Was Dovetail macht, mag zwar nicht radikal sein, aber es führt es fähig aus.

Es ist fast drei Jahre her, dass die Band ihre erste EP Love is War veröffentlicht hat, und es ist klar, dass die Gruppe diese Zeit damit verbracht hat, ihren Sound zu perfektionieren und ihre Songwriting-Fähigkeiten zu verfeinern. Wir hoffen, dass es nicht weitere drei Jahre dauert, bis die nächste Veröffentlichung erscheint. - DER KOLLEGIAN

Die Sache mit Prahlerei ist, wenn es nicht funktioniert – wenn nicht genug Substanz dahinter steckt, um es glaubwürdig zu machen – ist es ein Rezept für eine Katastrophe. Aber wenn dies der Fall ist – wenn die Songs, Arrangements und Performances die Ware liefern und einen anziehen – wird ein wenig Prahlerei das Sahnehäubchen, ein wissendes Lächeln zwischen Performer und Publikum.

Die aus Texas stammenden Dovetail – das Bruderduo von Philip Creamer (Lead-Gesang/Gitarre) und Daniel Creamer (Keys/Harmony-Gesang) mit Aaron Haynes (Schlagzeug) und Scott Lee (Bass) – sind Rock'n'Roll-Klassiker ersten Ranges, die sich Geschmacksrichtungen leihen von den Beatles, den Byrds, der Band und Big Star, um ihre cleveren, mitreißenden Songs zu kreieren. (Der frühere Einfluss wird durch den Gewinn des John Lennon Songwriting Contest 2012 in der Kategorie „Rock Song of the Year“ unterstrichen.)

Dieses dynamische und sehr beeindruckende Debütalbum beginnt mit dem preisgekrönten Song „Julie“, einem abwechselnd benebelten und apokalyptischen kleinen Juwel, das es schafft, sich in weniger als vier Minuten durch drei oder vier unterschiedliche Stimmungen zu bewegen, wobei akustische Rhythmusgitarre, Klavier und Orgel eingesetzt werden , Bass, Schlagzeug und neuestes Mitglied Tucker Cauble an der Leadgitarre. Was den Song jedoch von gut zu großartig macht, ist dieses kleine bisschen Prahlerei, das Selbstvertrauen, mit dem die Band den Song durch seine Veränderungen treibt.bim_ad_daily_vault_print_250

Gesanglich hat Philip Creamer ein bisschen von der, nun ja, scharfen Qualität von Keanes Tom Chaplin, aber der Einfluss, den ich noch mehr höre – nicht im Songwriting, sondern in der Performance – ist Jeff Buckley. Als Sänger wirkt Creamer furchtlos, schweift, taucht und fliegt durch diese Songs, erweitert Silben, baut Drama auf und lässt Sie raten, wie er die Melodie als nächstes abspielen wird. (Er klingt auch ein bisschen wie Montereys eigener Casey Frazier [link], obwohl es unwahrscheinlich scheint, dass sie sich jemals gekreuzt haben …)

Als Band versteht Dovetail am besten, wie man einen Song auf das Wesentliche herunterbricht und wieder aufbaut, wie sie es bei „Big City“ tun. Keyboards und Rhythmusgruppe passen zusammen. Die Arrangements fühlen sich immer locker und organisch an, sind jedoch konsequent detailliert und vielschichtig.

Klassische Rock-Einflüsse sind überall in „Hey Hey Mama“ zu finden, dessen verspieltes Arrangement hinter Creamers unberechenbarem Lead-Gesang nichts so sehr suggeriert wie der bereits erwähnte Jeff Buckley als Frontmann der Black Crowes. Album-Highlight „Heavy“ ist eine potente, in Richtung psychedelische Power-Pop-Nummer, die Creamer bei den Refrains in die Stratosphäre treibt und den Ein-Wort-Titel des Songs in eine viersilbige Mini-Arie verwandelt, die als kleine Fullisaden von Akustikgitarren-Interaktionen auftritt Die Linien.

Und so geht es durch die hauchdünne, ausgefallene Ballade „See The Sun“, das Vintage-Echo von „Can’t Feel You“ und das glitschige, kraftvolle „Hurricane“. Im letzten Drittel des Albums werfen die Jungs eine breitere Palette von Ideen und Einflüssen in den Topf und rühren, wobei sich „Story“ mit seiner verträumten, hallenden Gitarre und dem beunruhigenden Vibe manchmal wie eine verlorene U2-Ballade anfühlt, während „ Get Down“ bietet eine melancholische, hitzige Melodie im Kern eines dichten, fettigen Arrangements, das von scharfen E-Gitarren-Gewittern unterbrochen wird. Der abschließende Titeltrack wagt sich mit einer Verspieltheit und Tapferkeit, die an Queen erinnert, kurz in das Territorium der Tin Pan Alley.

Für einen Hörer eines gewissen Alters klingt Dovetail wie eine Erinnerung an Sommernächte am Wasser, auf dem Kofferraum sitzend, das Autoradio aufgedreht und alle Türen geöffnet. Es ist ein klassischer Sound, liebevoll gerendert, aber was ihn wirklich funktioniert, ist, wie gründlich die Band ihn bewohnt. Hier gibt es keine falsche Note, nur pure Leidenschaft und beachtliches Talent und, ja, ein bisschen Prahlerei, die dieses Album in das gelobte Land tragen. - DER TÄGLICHE TRESOR

Künstler: Schwalbenschwanz
Lied: "Großstadt"
Wer: Dovetail ist eine sechsköpfige Band mit Frontmann und Songwriter Philip Creamer als treibende Kraft und Stimme. Sie sind hauptsächlich von den Harmonien der 60er und 70er Jahre inspiriert, die von hymnischem Rock 'n Pop angetrieben werden. Von den Nachtigallen-Vocals der Byrds bis zum Country-Rock der Eagles
Heimat: Dallas, Texas
Arbeit: Debüt-EP ‚Love is War‘ (2010) / Debüt-Album ‚Mount Karma‘ (2012), im letzten Oktober wiederveröffentlicht (siehe Soundcloud-Link unten) von ihrem in New Jersey ansässigen Label ‚Ok!Good Records‘
Music Is The Dope: Große „Chöre-Harmonien-Melodien-Orchestrierungen“ sind zurück. Die Stimme von Frontmann Philip Creamer bringt die fein ausgearbeiteten Songs auf ein Niveau von Stadiongröße. Rock’n’Roll-Euphorie! Oh… und lange, sehr lange Haare sind auch wieder da… - MUSIC IS THE DOPE

Zu sagen, dass die in Dallas ansässige Rockband Dovetail eine Retro-Rockband aus den 60er oder 70er Jahren ist, ist ein kleiner Schlag sowohl für die Band als auch für die Musik von damals. Sie sind keine Coverband oder so.
Schwalbenschwanz ist nicht hier, um uns mit Klängen billigen nostalgischen Vergnügens zu überhäufen. Wenn ich das sage, bin ich nicht so naiv zu glauben, dass Philip und Daniel Creamer mit diesem speziellen Sound ohne die Anleitung einiger bemerkenswerter Musikfiguren angekommen wären.
Ich denke, was ich damit sagen will, ist, dass die Harmonien zwar an die Beatles und die Beach Boys erinnern, ihre Arrangements jedoch Bilder von Queen wecken können, und es gibt Andeutungen von T. Rex Glam und Laurel Canyon Folk, und Songwriting sind sie nicht einfach die großartigen Qualitäten all dieser Bands herauspicken, um ihren Sound ohne Referenz oder Grund zu kreieren. Die Rock'n'Roll-Erfahrung ist nicht alt genug, um zu glauben, dass Dovetail (und die meisten Rockbands) nicht dasselbe denken wie Bands aus den 60er und 70er Jahren.
Es gibt eine echte Stimme von den Creamer Brothers und Co. Hier findet ein aufrichtiger, organischer Prozess statt.
Nachdem man ihr 2013er Major-Label-Debüt Mount Karma gehört hat, weiß man, dass Dovetail nicht versucht, das nachzubilden, was die älteren Staatsmänner des Rocks taten. Wenn das der Fall wäre, hätten sie einfach Magical Mystery Pet Sounds oder ähnliches aufgenommen. Was ist der Spaß daran?
Durchweg zeigen sie ihre Bandbreite, indem sie von legitimen Rock-Wanderern wie „Hurricane“, Wilcoesque-Folk-Balladen wie „Big City“, dem schlichten, reduzierten „Can’t Feel You“ und dem elegant aufbauenden Magnum-Opus-Titeltrack „Mount Karma“ springen. Obwohl es nicht drastisch länger ist als jeder andere Track, fühlt sich „Mount Karma“ wie ein grandioses Crescendo mit variierenden kleineren Stücken an, die das größere Ganze ergeben. Es ist wirklich ein Mikrokosmos für die gesamte Platte.
Anfang dieser Woche haben wir uns mit Leadsänger und Gitarrist Philip Creamer am Telefon getroffen und über das Schreiben von Mount Karma, einer Rockband aus Dallas, und was als nächstes für Dovetail kommt, gesprochen. Sie spielen heute Abend (Samstag, 4. Januar) als Opening für die Rocker Jonathan Tyler & The Northern Lights aus Dallas im The Blue Light.
Folgen Sie Dovetail hier auf Twitter, liken Sie sie hier auf Facebook und sehen/hören Sie sich „Julie“ unten an. - NEUE SLANGE

Philip Creamer kennt John Lennon. Natürlich nicht persönlich, aber der Dovetail-Frontmann hat sicherlich eine Verwandtschaft mit dem verstorbenen Beatles-Singer-Songwriter.
Er ist dankbar für diese Verbindung. Im Januar 2012 nahm Creamer mit dem Song „Julie“ seiner Band aus Dallas, einem Ausschnitt aus dem 2012 erschienenen Debütalbum Mount Karma, am internationalen John Lennon Songwriting Contest teil. Im Juli hatte „Julie“ unter den ersten Teilnehmern den Hauptpreis in der Kategorie Rock ergattert. Sechs Monate später gewann „Julie“ die meisten Fan-Stimmen, als sie gegen den Gewinner der zweiten Reihe von Rocksong-Einträgen antrat.
Das brachte Dovetails „Julie“ den begehrten Lennon Award für den Rocksong des Jahres ein. Creamer und seine Bandkollegen hatten bereits 10.000 Dollar an Ausrüstung und Preisen gewonnen. Es macht „Julie“ auch zur Anwärterin für den Song des Jahres, für den sie gegen 11 Song-Gewinner in den anderen Musikgenres antreten wird. Der Gewinner, der im Juli bekannt gegeben wird, nimmt 20.000 US-Dollar in bar mit nach Hause.
„Die Teilnahme am John Lennon Songwriting Contest ist eines der vielen Dinge, die wir als Band nach der Veröffentlichung von Mount Karma unternommen haben, um auf unkonventionelle Weise auf die Songs aufmerksam zu machen“, sagte Creamer, 29, in einem E-Mail-Austausch. „Ich habe mich über Sonicbids.com angemeldet. Ich habe nur ‚Julie‘ eingegeben, obwohl ich zwischen verschiedenen Songs auf der Platte gekämpft habe.“
Creamer sagte, er habe im Laufe der Jahre etwa sechs Songs bei verschiedenen Wettbewerben eingereicht. Aber das war der erste Sieg.
„Als ich die E-Mail las und feststellte, dass ‚Julie‘ gewonnen hatte, ging ich nach oben, suchte meinen Bruder und flippte ein bisschen aus!“
Dovetail besteht aus Creamer und seinem Bruder Daniel, Aaron Haynes, Scott Lee, Tucker Cauble und Matthew McDonald. Der Plattenproduzent Beau Bedford tritt gelegentlich in Konzerten mit der Band auf.
Der Lennon-Wettbewerb diente als Katalysator für eine Reihe von Aktivitäten mit Dovetail. Die Gruppe unterzeichnete einen Plattenvertrag mit OK!Good Records aus New Jersey. Mount Karma wird voraussichtlich im August von OK!Good neu veröffentlicht. Es wird der Platte, die von Dovetail unabhängig herausgegeben wurde, die dringend benötigte nationale Verbreitung verschaffen.
„Ich freue mich aus vielen Gründen sehr über die Wiederveröffentlichung von Mount Karma“, sagte Creamer. „Der erste ist, dass wir das Album diesmal einem viel größeren Publikum zugänglich machen. Es ist ein definitiver Meilenstein auf unserem Weg. Bei so viel da draußen braucht es viel Hilfe, um den Lärm zu durchdringen. Es ist schön zu wissen, dass diese Platte an vielen Orten der Welt zu hören sein wird, und wir sind der Meinung, dass Menschen aller Art diese Platte zu schätzen wissen.“
Außerdem markiert die Show der Band am 24. Mai in der Foundry Bar in Dallas die Veröffentlichung einer 7-Zoll-Vinyl-Single in limitierter Auflage mit „Julie“ und dem neuen Song „Hey Hey Mama“. Sowohl „Hey Hey Mama“ als auch „Big City“, ein weiterer frischer Track, werden auf der Wiederveröffentlichung von Mount Karma erscheinen.
„Big City“ und „Hey Hey Mama“ fangen eine scharfe Entwicklung für Dovetail ein. Die Songs entsprechen immer noch sehr den hauchdünnen Melodien, kaskadierenden Keyboards und rhythmischen Gitarrenriffs, die Dovetail charakterisieren, aber es gibt eine etwas härtere Kante, einen pointierteren, präziseren Sound.
„‚Big City‘ und ‚Hey Hey Mama‘ sind sicherlich eine Fortsetzung unseres Wachstums als Band“, sagte Creamer. „Ich denke, sie spiegeln den Ort wider, an dem wir heute sind, obwohl wir uns entschieden haben, diese beiden besonderen Songs aufzunehmen, weil sie zur Zeit des Großteils von Mount Karma geschrieben wurden und wir das Gefühl dieser Zeit fortsetzen wollten. Ich denke, die Songs spiegeln unsere eigenen musikalischen Vorlieben in Bezug auf das Arrangement und die klanglichen Aspekte besser wider und lassen gleichzeitig Raum für die zunehmend führende Rolle von Klavier und Harmonie.“
Textlich rufen die beiden Songs für Creamer persönliche Emotionen hervor.
„‚Hey Hey Mama‘ ist eine unbeabsichtigte Anspielung auf unsere Liebe zu Psychedelic Rock und Harmonie im Familienstil, vielleicht sogar etwas von dem Country-Rock der frühen 70er, den wir so sehr lieben. „Großstadt“ nimmt mir den Schmerz. Es hat ein bisschen von diesem positiven Geist, an den ich wirklich glaube, weißt du, ein bisschen von dem Glauben, dass wir wirklich Schönheit und vielleicht sogar Frieden erfahren können, wenn wir uns von all den Geschäften des Lebens entfernen.“
Frieden, jetzt gibt es ein Wort, das Creamer mit John Lennon verbindet. Dieser Songwriting-Wettbewerb veränderte den Verlauf von Dovetails Reise.
„Nach fünf Jahren als Band ist das alles definitiv ein willkommener Schuss in den Arm. Obwohl wir in letzter Zeit nicht so oft vor Ort aufgetreten sind, sind wir viel gereist, haben den Plattenvertrag unterschrieben und die Mount Karma-Tracks für die Wiederveröffentlichung erneut besucht. Wir haben den Berg bestiegen, auch wenn er oft unsichtbar ist.“ - Dallas Morgennachrichten

Es ist eine faule Nacht unter der Woche und die Fenster der Whitehall Exchange im Bishop Arts District sind geöffnet. Eine Gruppe von drei jungen Musikern sitzt an einem Tisch und nippt an Whisky und Wasser und erzählt von der Reise ihrer ersten abendfüllenden Platte und ihrem unglaublich coolen Sound. Diese Musiker sind Teil der lokalen Band Dovetail und ihr neues Album Mount Karma hat die Aufmerksamkeit des Local Edge und des begeisterten Publikums gleichermaßen auf sich gezogen.

Eine Woche vor ihrer CD-Release-Party im Granada letzten Monat hatte Dovetail mehrere Werbewettbewerbe auf ihrem Facebook. Am Tag vor der Show habe ich aus einer Laune heraus teilgenommen und tatsächlich gewonnen. Ich habe noch nie etwas gewonnen und war mehr als begeistert. Nachdem ich nur ein paar Songs von ihrer vorherigen EP gehört hatte, kannte ich sie mehr durch Ruf und Assoziation als alles andere, aber ich war gespannt, was sie sowohl live als auch auf Platte zu bieten hatten.

Dovetails Live-Performance ist ein dynamischer Cocktail aus klassischen und zeitgenössischen Elementen wie tadellosen drei- und vierstimmigen Harmonien, Vintage-Kleidung und obskuren John-Lennon-Covern. Normalerweise würde ich dies als Rezept für ein bestimmtes Scheitern betrachten, das durch unglaubliche Arroganz verursacht wird. Aber die Neuinterpretation des angsteinflößenden Meisterwerks eines ehemaligen Beatles wurde so bescheiden durchgeführt, dass ich mich in der quälenden Ehrlichkeit von „Mother“ gefangen fand und tatsächlich erstickte, als sie mit „Can't Feel You“ folgten, einem melancholischen Original über den Geist in willkommener getragener Romantik aufzugeben. Ihr solider rhythmischer Kern lässt viel Raum für die Betonung von Daniel Creamers Tasten und Philip Creamers Gesang, der an den großen Freddy Mercury erinnert, aber sicherlich nicht abgeleitet ist. Die melodische Struktur der Vocals und Tucker Caubles spacige Gitarrenriffs verleihen ihren Melodien eine transzendente Qualität, die weder gekünstelt noch anmaßend ist.

Zwei Jahre in der Entstehungszeit erzählt Mount Karma eine Geschichte nicht durch den linearen Verlauf eines Konzeptalbums, sondern eher wie ein Exponat im Impressionismus, bei dem die Songs kollektiv Vignetten oder Szenen schaffen, die aneinandergereiht werden und eine neue Bedeutung annehmen können. Songs wie das atemberaubend definitive „Speak“ und die brennende Ur-Single „Julie“ stehen solide in der Position von Großereignissen, ohne konkrete Details zu nennen. Der Titeltrack „Mount Karma“ steht an letzter Stelle des Albums und beschreibt eine Reise der unbeabsichtigten Selbstfindung.„Es dreht sich alles um Wachstum – unser Wachstum“, sagt Co-Autor von Gesang und Keys, Daniel Creamer. Leadsänger und Bruder Philip untermauert diese Aussage: „Wir streben danach, zu wissen, was das Leben für uns bedeutet. Wir sind auf der Suche nach unserem Ziel.“ Er fährt fort: „Die Leute haben das Gefühl, dass sie ihre eigene Realität erschaffen, nun, ist das richtig oder falsch? Wir sind dieser Idee auf den Punkt gekommen und haben sie aus einer anderen Perspektive gesehen, das ist Mount Karma.“

Ursprünglich war geplant, Mount Karma in 14 Tagen vom Ingenieur und Produzenten Beau Bedford Anfang 2010 aufzunehmen, aber als sich der Sound der Band weiterentwickelte und das Konzept wuchs, wurden die Dinge neu aufgenommen und neue Tracks hinzugefügt. „Beau ist ein fester Bestandteil unserer Musik. Er holt das Beste aus uns allen heraus.“ Daniel sagt in Bezug auf den Produzenten, der letzten Monat auch mit der Band im Granada für ihre CD-Release-Party die Bühne betrat. Wie für Bedfords Arbeit typisch, ist der Sound der Platte der gleiche Sound, den man bei der Live-Performance bekommt und umgekehrt, eine Signatur, die er für sich und die Künstler, die das Glück haben, mit ihm zusammenzuarbeiten, zu etablieren scheint.

In unserem Gespräch bei Whitehall Exchange wird immer deutlicher, dass der Schwerpunkt ihres Bemühens fest auf der Musik liegt. Sie nennen Ikonen wie George Harrison, Bob Marley, The Beach Boys und Queen als ihre Einflüsse und lassen sich von lokalen Acts wie Quaker City Night Hawks, Kirby Brown und Weekend Hustler inspirieren. Der Plan ist vorerst, weiterhin zusammen aufzutreten und mit Beau Bedford zu arbeiten und zu schreiben.

Mount Karma ist bei iTunes verfügbar. Wenn Sie Dovetail live sehen möchten, besuchen Sie sie auf Facebook und Twitter. - Blitz Weekly Magazine

Um nicht klischeehaft zu klingen, aber ein Name ist alles. Wenn Sie also den Titel „Mount Karma“ hören, denken Sie nicht, dass Sie die Reise Ihres Lebens antreten könnten?

Jetzt wissen Sie, dass „Mount Karma“ das erste Full-Length-Album der Dallas-Gruppe Dovetail ist, und das Anhören dieser zwölf Tracks ist in der Tat eine Reise.

Das Album erscheint fast drei Jahre nach der Veröffentlichung der ersten EP der Gruppe, „Love is War“, und seit ich die Band Anfang 2010 zum ersten Mal gesehen habe, haben sie erwähnt, dass ihr Full-Length „bald fertig sein“ würde. Jetzt, zwei Jahre später, ist es endlich soweit.

So viel Zeit damit zu verbringen, ein Album zu erstellen, ist ein offensichtliches Zeichen von Perfektionismus, der entweder zur Qualität zählen oder ein großer Schlag gegen sie sein könnte. Für Schwalbenschwanz ziehen sie ersteres mit Leichtigkeit ab.

Den Anfang der Platte bildet der Song „Heavy“, der mit einer sehr schönen Akkordfolge auf einer Akustikgitarre beginnt. Sie können spüren, dass es zu etwas aufbaut, besonders wenn ein ziemlich harmonischer Gesang zu hören ist. Dann passiert es. Eine Klangwelle prallt gegen deine Ohren, während das Lied zum Leben erwacht. Es gibt an dieser Stelle einen sehr schönen Part auf dem Klavier, obwohl eine oder zwei der Tasten für mich tatsächlich verstimmt klingen als der Rest. Es subtrahiert jedoch nicht vom Song, sondern trägt zu seinem Charakter bei. Sobald er den Mund öffnet, ist klar, dass Philip Creamers Stimme makellos ist, und als er den Refrain singt: „…Du bist schwer, du solltest wissen, dass ich dich liebe. Du bist schwerfällig, du solltest wissen, dass ich so fühle…“ er zwingt seine Stimme in eine etwas höhere Lage, schafft es aber, die volle Kontrolle darüber zu zeigen. Auch in der zweiten Strophe, wenn er wieder die Zeile „…Dann sehe ich diesen goldenen Sonnenaufgang, es bringt ein bisschen Hoffnung und zieht uns durch…“ singt, macht er in Verbindung mit der Musik seiner Bandkollegen einen perfekten Job dass Sie diese Gefühlshoffnung spüren.

Der zweite Song, „Listen, Children“, ist weniger ein Song, sondern eher ein Zwischenspiel oder Übergang in den nächsten Track, „Easier to See“. „Tief in deinem Herzen, bist du der, für den du dachtest, du wärst?…“, fragt Philip gleich zu Beginn. Beim Singen der Titelzeile drückt er seine Stimme wieder höher, aber diesmal scheint er an seine Grenzen zu stoßen. Seine Stimme bricht nie, und die Tatsache, dass er eine so beeindruckende Reichweite hat, muss definitiv applaudiert werden, obwohl er diesmal einfach nicht so komfortabel klingt. Das Seltsame ist, dass er das erste Mal singt, dass es in dem Lied das einzige Mal ist, dass es so klingt. Im Refrain glänzt der Song wirklich, denn Schlagzeuger Aaron Haynes macht ein paar schnelle Beats, bevor es losgeht, und die Art und Weise, wie Daniel Creamer sie am Ende jedes Refrains schnürt, ist wunderbar.

Das Album schlägt mit „Story“ (auf eine gute Art und Weise natürlich) eine kleine Pause ein. Verlorene Liebe ist das Hauptthema des Songs und der Refrain sagt Ihnen einige grundlegende, aber sehr weise Worte: „Wir schreiben diese Geschichte, während wir gehen, und wir können die Steine, die wir werfen, nicht zurücknehmen…“. Wir könnten alle daraus lernen, wenn wir es wünschen. Der Höhepunkt des Songs kommt auf der Brücke, als die Musik etwas verstummt und Philip singt: „Ich kann mich noch erinnern, wie die Sonne auf dein Gesicht fiel. Die Passage, die du zitiert hast, als du sagtest, du würdest nie weggehen.“ Die Emotionen, die er in diese Zeile einfließen lässt, und die Verzweiflung, die in „… als du sagtest, du würdest niemals weggehen“ zu hören ist. ist greifbar. In der Lage zu sein, Emotionen zu wecken und dem Hörer ein Gefühl zu geben, ist der größte Effekt, den sich eine Band von ihrer Musik auf ihre Hörer erhoffen kann, obwohl dies heutzutage nur noch wenigen gelingt. Noch seltener findet man einen Sänger, der das nicht nur kann, sondern auf einer Aufnahme so gut vermittelt.

Einer der vielen Tracks, die mir auffallen, ist der nächste, der treffend „Hurricane“ genannt wird, dessen Linien oft die Eigenschaften des Sturms widerspiegeln. Das Intro ist recht eingängig, vor allem die einzige Taste, die immer wieder angetippt wird. „…Und ich sitze schweigend mit deinem Geist. Ich habe am meisten Angst vor dir…“ Philip singt, während das Lied im Refrain eine chaotische Wendung nimmt. Natürlich - The Music Enthusiast

Die neueste Veröffentlichung von Dovetail, „Mount Karma“, hat lange auf sich warten lassen. Seit ihrer ersten EP ist viel passiert wie das Leben – die Anzahl der Mitglieder ist gestiegen, ihr Stil ist gereift und ihr Sound ist fruchtbarer geworden. Die Zeit hat ihnen gut getan. Das Album beginnt, genau wie ihre Show am Samstagabend im Granada Theatre, mit einem Gitarrenklimpern und sanften, sirupartigen Gesangsharmonien, die den Hörer in die Zeit zurückversetzt in einen Pop-Groove der späten 60er / frühen 70er Jahre katapultieren. „Mount Karma“ trägt diesen Einfluss durch Favoriten wie „Easier To See“, „Can’t Feel You“ und „Mount Karma“. Es gibt mehrere starke, emotionale Momente, in denen sich die Songs in harmonisch dichtes Terrain niederlassen und das Ohr mit Gospel-inspirierten Gesangsschnörkeln füllen, die bis hoch in die Dachsparren reichen.

In einem orangefarbenen Paisley-Blazer und einer silberglänzenden Hose ist Philip Creamer eindeutig ein Showman, der erkennt, dass ein Frontmann manchmal neben einem perfekten, wehmütigen Tenor etwas mehr gebrauchen könnte … Pizzazz. Und für Schwalbenschwanz funktioniert es. Ihr Sound – mit Texten, die das Spektrum von „Love-Gone-Wrong“ bis hin zu Soul-Searching abdecken, und klassischen Pop-Melodien, die durch eine vergangene Ära des gefühlvollen Old-School-Rock’n’Roll-Grooves verwoben sind, eignet sich für bestimmte „je ne sagte“ quoi-Stil-Statements. Und als Creamer nach der Hälfte des Sets den Blazer auszieht, um einen Umhang mit zwei Hähnen auf dem Rücken zu enthüllen, fragte ich mich: "Oh, warum zum Teufel nicht?"

Dovetail spielte ein energetisierendes Set, das fast ihr gesamtes Album umfasste. Mit sieben Leuten auf der Bühne, die lebenswichtige Klanglandschaften beisteuerten, sorgte es für eine intensive und willkommene Reizüberflutung. Ganz zu schweigen von den frühen 70ern, Videoprojektionen im Stil von „American Bandstand“ und „Top of the Pops“, die die Bühnenbilder mit trippigen Farbtönen schneiden. So sollte eine Show aussehen und sich anfühlen, und es war ein Riesenspaß. - La Mode Dallas Magazin

Dallas, TX – 102.1 The Edge, das historische Granada Theatre und La Mode Dallas laden Sie ein, die Veröffentlichung von Dovetails Mount Karma zu erleben, für einen Abend voller Musik, Mode, Trankopfer und Tanz. Frühe Ticketkäufer erhalten bei der Show eine KOSTENLOSE Mount Karma-CD. Neben Dovetail erleben Eventbesucher die musikalische Brillanz von Salim Nourallah, Menkena, RTB2 und Roots-Künstler Wesley Geiger. www.dovetailband.com. - ZVENTS.COM

Heute ist die iTunes-Veröffentlichung von Dovetails Debütalbum Mount Karma. Mit Vibe zu ersparen bieten die Dallas Hippie-Rocker zwölf Tracks oder klassischen Rock- und Pop-beeinflussten Sonnenschein.

Mount Karma wurde von Dallas-Guru Beau Bedford produziert, einem Mann, der eine beeindruckende Armee von großem bluesigem Pop und 100-Proof-Rock & Neben Dovetail ist Mr. Bedford für die jüngsten Arbeiten von Larry g(EE), The Roomshounds und Kirby Brown verantwortlich – alle Rekorde, die darauf bestehen, bis ’11 veröffentlicht zu werden. Schauen Sie sich Dovetails Live-Performance von „Julie“ an, die aus Bedfords Hütte im ländlichen Nordtexas aufgenommen wurde. - Die majestätische Show BLOG

Auf den ersten Blick wirken die Jungs von Dovetail wie aus einem anderen Jahrzehnt. Gekleidet in Retro-Schals, -Westen und zahlreiche Schmuckstücke scheinen diese Burschen nach Woodstock zu gehen. Aber Dovetails neues Album Mount Karma übertreibt es nicht mit dem Vibe der späten 60er. Stattdessen leiht sich die Band leicht Anleihen bei Lieblingsteilen der Musikgeschichte und mischt sie mit reichlich Pop-Parts.

Vier Jahre sind seit der Veröffentlichung von Dovetails EP Love is War vergangen, und die Jungs haben hart daran gearbeitet, die Tracks zu schreiben, aufzuführen und zu verfeinern, die ihr erstes Full-Length-Album bilden, das sie stolz unabhängig voneinander veröffentlichen. Die Band hat ihren Sound zwischen damals und heute gefunden, reift und entdeckt, was funktioniert und was nicht. Die Harmonien sind satt und perfekt, der Klang organisch.

Während der gesamten 12-Track-Platte wird deutlich, dass die Jungs geschliffen und versiert darin sind, was es braucht, um einen Song eingängig zu machen. Sie bewegen sich nahtlos von der Strophe zum Refrain und ziehen den Hörer in ihren Bann. Ihr Klang ist nicht zu kompliziert, aber auch nicht zu einfach. Mount Karma geht die Linie und macht es gut.

Die treibende Kraft hinter dem ganzen Album sind die Vocals von Leadsänger Philip Creamer, die denen von Tom Chaplin vom Post-Britpop-Outfit Keane unheimlich ähnlich sind. Aber im Gegensatz zu Chaplin steckt in Creamers Stimme mehr Energie – ähnlich wie bei Muses Matthew Bellamy, aber stilistisch weniger opernhaft und episch. Creamer kann diese hohen Töne mit Leichtigkeit treffen, aber wenn er versucht, noch größere Stimmhöhen zu erreichen, stößt er an seine Grenzen. Es ist erfrischend, einen Sänger zu sehen, der keine Angst vor Unvollkommenheit hat. Die Vocals verleihen dem Album eine Menschlichkeit, im Gegensatz zum automatischen Tuning der Fehler. Seine Ehrlichkeit lässt die Platte glänzen.

Dovetail feiert die Veröffentlichung von Mount Karma am Samstag, den 24. März, im Granada Theatre zusammen mit Salim Nourallah, Menkena und RTB2. Ticketinhaber erhalten ein kostenloses Exemplar des Albums.

Wichtige Tracks zum Anhören: „The Road“, „Mount Karma“, „Hurricane“ und „Heavy“. - Pegasus-Nachrichten - Dallas

„Es ist eine schwelgerische Klanglandschaft zeitloser Pop-Sensibilität mit triumphierendem Falsett-Gesang, schwebenden Klavierbasteleien und klaren, bewegenden Rhythmen. Philip Creamers Stimme überfliegt Freddie Mercury Territorium und trifft die durchdringenden Oktavtöne aus dem Baseballstadion. Dank des jüngeren Bruders Daniel Creamer sind die Klaviermelodien eher klassisch als Schönwetter-Neuheiten, die Scott Lees Pop-inspirierten Basslinien der 60er Jahre und Aaron Haynes' scharfen Rat-Tat-Tats ergänzen. ” - ENVY MAGAZIN - DALLAS

„Mit einem gefühlvollen Sound ähnlich dem der Black Crowes und einer psychedelischen Präsenz, die Sie in die Tage von T-Rex zurückversetzt, zieht Dovetail mit ihren wunderschönen Texten und einer atemberaubenden Mischung aus Harmonien an Ihren Herzen.
Dovetail veröffentlichte vor zwei Jahren ihre erste EP mit dem Titel „Love is War“ und bereitet nun die Veröffentlichung ihres ersten Full-Length-Albums „Mount Karma“ vor. Die Band arbeitete eng mit dem aus Texas stammenden Produzenten Beau Bedford zusammen, der neben Angelo Petraglia (Kings of Leon Writer/Producer) und Robinson (Black Crowes Writer/Producer) für das Schreiben von Songs bekannt ist.
„Mount Karma“ war ein zweijähriger Prozess, in dem die Band sowohl in ihrer Musik als auch in ihren Bandmitgliedern wuchs. Von vier bis sieben: Daniel Creamer (Keys/Stimme), Phillip Creamer (Stimme/Gitarre), Aaron Haynes (Schlagzeug), Scott Lee (Bass), Tucker Cauble (Primary Guitars/Backing Voice), Beau Bedford (Backing Voice/Gitarre ) und Matthew McDonald (Backing Voice/Percussion).
Mit der Fähigkeit, durchdringende Töne zu erreichen, wurde die kraftvolle Stimme von Frontmann Creamer oft mit der von Queens Freddie Mercury verglichen. Sehen Sie sich die intime Performance ihres vorgestellten Tracks „Can’t Feel You“ an und Sie werden wissen, was ich meine.“ - LAFAMOS PR-BLOG


„Dann sagte Gott: „Halt mein Bier““: Die Insider-Geschichte der Nacht, die die Clubs in L.A. für immer veränderte

Am 11. März, in der Nacht, in der die NBA ihre Saison abbrach und Tom Hanks und Rita Wilson bekannt gaben, dass sie sich mit COVID-19 infiziert hatten, vermuteten fast alle in einem Nachtclub, dass etwas Schreckliches bevorstand. Innerhalb von kaum mehr als einem Tag wurde es in einer Stadt voller Live-Musik, überfüllter Bars und verschwitzter Nachtclubs dunkel. Mit ihnen ging eine ganze Kulturwirtschaft, die für viele der dort Beschäftigten ihr ganzes Leben und Lebensunterhalt war.

Während Kalifornien sich auf die vorläufige Wiedereröffnung von Unternehmen vorbereitet, sind Live-Musik und Nachtleben zwei der Branchen, die sich noch in der kompletten Pause befinden. Die Hollywood Bowl ist zum ersten Frühjahr seit fast einem Jahrhundert leer. In der ganzen Stadt und im ganzen Land werden Konzerte wahrscheinlich für den Rest des Jahres nicht zurückkehren. L.A. beginnt gerade erst, den Verlust – wirtschaftlicher, kultureller und persönlicher Art – zu verarbeiten, der entsteht, wenn Veranstaltungsorte schließen, Künstler wegziehen und Szenemacher Schwierigkeiten haben, in Kontakt zu bleiben.

The Times sprach mit Eigentümern, Mitarbeitern und darstellenden Künstlern in vier prominenten unabhängigen Clubs: McCabe's Guitar Shop, ein beliebter Folk-Spot in Santa Monica the Troubadour, WeHos legendärer Rock-Star Sound, ein Techno-Club in Hollywood und das Satellite, ein Indie- und Alt- Comedy-Club in Silver Lake. Sie spürten die Verwirrung und Angst dieser Nacht wie jeder andere in der Stadt, und ihre Erinnerungen an die letzten Monate und Einsichten in eine ungewisse Zukunft bilden diese mündliche Geschichte einer der surrealsten und unheilvollsten Perioden der Musikgeschichte von LA.

1. MÄRZ: „DAS WIRD UNS TÖTEN“

Jeff Wolfram, Besitzer des Satelliten: Uns ging es super. Wir hatten am Wochenende zwei Tanzabende und versuchten uns auf neuere Bands zu konzentrieren. Als das SXSW [das South by Southwest Festival in Austin, Texas] abgesagt wurde, dachte ich, das könnte etwas sein. Es fühlt sich jetzt dumm an, aber ich wusste nicht, dass es eine so große Sache werden würde, wie es war.

Kora Peterson, Event-Produzentin von McCabes Guitar Shop: Dieses Jahr fing so toll an. Wir hatten Rufus Wainwright für drei Nächte mit seiner Audible-Show. Wir hatten Winona Judd. Wir hatten diese ausverkaufte Holly Near Show und Alejandro Escovedo und Hiss Golden Messenger standen bevor. Es fühlte sich an, als ob der Bogen dieses Jahres großartig war, mit den Leuten, die wir in den Kalender bekamen. Es war so traurig für mich, es abbauen zu müssen.

Kalifornien öffnet langsam wieder und lässt hoffen, dass Sie bald Ihren Lieblingskünstler im Konzert sehen werden. Aber von einer Arenabühne aus? Ein Computerbildschirm? Ein Autofahren?

Kobi Danan, Besitzer des Nachtclubs Sound: Wir hatten an diesem Wochenende drei ausverkaufte Shows im Club, machten Werbung für eine Show im Shrine und hatten 15.000 Tickets für das Art of the Wild Festival in Las Vegas verkauft. Wir machten 220 Shows im Jahr, 90% waren ausverkauft. Wir hatten 35 Shows rund um Coachella geplant. 2020 sollte das beste Jahr unseres Unternehmens aller Zeiten werden. Dann sagte Gott: "Halt mein Bier."

Christine Karayan, Geschäftsführerin des Troubadour: Ich habe nicht wirklich auf den Rest der Welt geachtet, denn wenn man 12-Stunden-Tage macht, ist man irgendwie isoliert. Wir bekamen Anrufe im Vorfeld der Glass Animals Show. "Passiert es noch?" "Ja sicher." Dann fragen wir: „Machen wir die Show? Okay, wir machen die Show. Es wird gut.“

Ashanti Rogers, Barmanagerin im Satellite: Ich habe versucht, [Jeff] nicht zu belasten, aber als die NBA geschlossen wurde, war es wie „uh oh“, und am nächsten Tag haben zwei Bands abgesagt. Es hat sich erst nach dem Wochenende wirklich durchgesetzt, als der Gouverneur sagte, keine Gruppen über 250, dann 50, dann 10. Ich sagte: „Das wird uns umbringen, wir sind nicht wichtig. Wir werden die ersten sein, die schließen."

Karayan: Ich erinnere mich, dass mein Mann sagte: "Du musst vorsichtig sein." Ich bin wie: „Du bläst das alles unverhältnismäßig. Alles wird gut." Das Publikum war einfach aufgeregt, dabei zu sein. Es gab kein "Ist es sicher, hineinzugehen?" Ich erinnere mich, dass ich danach ins Büro kam und wir sagten: "Etwas Seltsames passiert." Sie konnten fühlen, wie sich etwas änderte.

Peterson: In dieser Woche hatten wir We Five und Kinky Friedman, und bevor [Offizielle] das Wort zum Verbot von Massenversammlungen gaben, haben wir unseren Shows den Stecker gezogen. Wir wollten nicht Teil des Problems sein. Ich sprach mit Kinkys Manager und er sagte: „Wie willst du das spielen? Wir freuen uns, die Show zu machen, wenn Sie es wünschen.“ Ich sagte: "Wir lieben Kinky, also bricht es mir das Herz, dies zu tun, aber wir können nicht." Viele unserer Gäste sind älter, und wir wollten sie nicht unwohl machen.

Dave Bayley, Sänger von Glass Animals, der letzten Band, die im Troubadour spielt: Kurz bevor es zur Zugabe ging, kam mein Tourmanager Tom auf mich zu und sagte: „Dies wird für sehr lange Zeit die letzte Show sein, die jemand in L.A. besucht. Willst du der Menge etwas darüber sagen?“ Ich dachte nur: „Absolut nicht. Das wird eine Welle der Panik in der Menge auslösen.“ Ich dachte nur: "Ich muss es für die letzten paar Songs so hart wie möglich angehen." Ich hatte das Gefühl, in den letzten 15 Minuten Live-Musik in L.A. die Menschen glücklich zu machen.

Charley Tichenor, Sänger von Dirty Cakes, letzter Headliner beim Satellite: Selbst als wir uns auf die Show vorbereiteten, nahmen die Barkeeper kein Bargeld und trugen Handschuhe. Ich bat um Wasser und ging ihnen die Hand schütteln und sie sagten: "Ich fasse dich nicht an." Ich spiele seit 15 Jahren live. Ich hatte noch nie das Bewusstsein, mittendrin zu leben. Wir hatten eine Schlange vor der Tür, um hineinzukommen, und am Ende der Nacht waren vielleicht 20 Leute im Raum. Die Leute gingen hinaus, um Zigaretten zu rauchen, und kamen nie wieder zurück.Am Ende war es der letzte Stand.

2. DER FALLOUT: „HOLLYWOOD IST EINE GEISTERSTADT“

Bayley: Nach L.A. hatten wir San Francisco. Normalerweise gibt es viele Leute, die überall herumlaufen, aber es war fast wie ein Zombie. Also leerten wir all unsere Sachen mitten auf der Straße, um sie in einen Lastwagen zu verladen, der sie für uns verstauen sollte, weil wir nicht wussten, wann wir zurückkommen würden.

Spencer Sutherland, Singer-Songwriter, buchte für den 12. März im Troubadour: Es war brutal, Mann. Es sollte die größte Headliner-Show meiner Karriere werden. Und wir hatten einige ganz besondere Gäste, die mit mir zusammen sangen, und viele Leute aus der Branche. Es würde nur eine magische Nacht werden, aber COVID hatte andere Pläne.

Karajan: Wir kamen am Montag rein und sagten: "Wow, wir müssen den Rest des Monats absagen, denn was auch immer das ist, es ist eindeutig schlecht." Niemand wusste, was zu tun war. In meinem Kopf dachte ich: „Mal sehen, ob wir all diese März-Shows verschieben können. Im Sommer haben wir hier und da einige Lücken. Mal sehen, ob wir sie in den Juni verschieben können.“ Wir hatten im April ein paar Löcher. Und dann – entschuldigen Sie mein Französisch – das s – schlagen Sie den Lüfter an.

Terrace Martins „Pig Feet“ wurde in der letzten Woche aufgenommen und beinhaltet Kamasi Washington, Denzel Curry, G Perico und Daylyt.

Esperanza Riskin, Miteigentümerin von McCabe’s Guitar Shop: Wir mussten alle unsere Konzertmitarbeiter entlassen. Sie waren alle Gig-Worker. Es war herzzerreißend. Bob [Riskin] und ich besitzen den Laden, und wir saßen zwei Wochen fassungslos zu Hause. Wir starrten die Wände an und fragten: "Wie sollen wir jemals wieder öffnen?" Wir sind keine jungen Schläger mehr. Wir sind beide in unseren 70ern. Sollen wir also in den Laden gehen? Sollen wir nicht in den Laden gehen? Schließen wir den Laden? Es besteht eine 30%ige Chance, dass wir es bekommen. Es ist nicht angenehm, so zu denken, aber das ist die Wahrheit. Ist das nicht schrecklich?

Wolfram: Wir haben viel getrunken. Wir kamen jeden Tag zur Arbeit und sagten: „Okay, wir malen, machen ein paar Dinge, es gibt kein Geld, also machen wir es so billig wie möglich.“ Wir arbeiteten zwei Stunden und machten dann eine Bierpause. Es war tatsächlich irgendwie deprimierend.

Artie Sinaplidis, General Manager, Ton: Ich hätte nicht gedacht, dass es so lange hält. Ich dachte, es wären zwei Monate und wir würden mit unserem Leben weitermachen.

Shailee Ben-David, Barkeeperin, Ton: Etwas nicht körperlich zu tun, hat mich verrückt gemacht. Aber Sie haben Beziehungen zu den Leuten, die hereinkommen, um von Ihnen bedient zu werden. Sound hat ein GoFundMe zusammengestellt, und die Menge der Spenden war unglaublich. Es hat jedem von uns geholfen, die Miete zu bezahlen.

Wolfram: Uns stehen wirklich schlimme Zeiten bevor. Wir überleben kaum. Wir überleben nicht einmal wirklich. Es wird schwierig, Versorgungsunternehmen zu bezahlen, und wir haben ein GoFundMe für unsere Mitarbeiter gestartet, aber im Moment bin ich mir nicht 100% sicher, ob wir es schaffen werden.

Risiko: Die Community ruft immer wieder an und sagt: "Du wirst wieder öffnen, oder?" Ich sage: "Wir versuchen es, wir versuchen es." Es gab einen Moment, in dem wir dachten, wir würden es nicht tun. Die erste Runde des [Gehaltsscheck-Schutzprogramms] haben wir nicht bekommen. Und die Verkäufe halten uns derzeit nicht am Laufen, auch nicht am Straßenrand. Wir haben es in der zweiten Runde geschafft. Dieses Darlehen ist es, was uns am Laufen hält und in der Lage ist, unsere Mitarbeiter zu bezahlen.

Ben-David: Die Leute machen [Musik] aus Leidenschaft. Die meisten verdienen damit kein Geld. Diese Erfahrung hat gezeigt, wie viel Gemeinschaft wir noch immer für die Musik haben. Die Leute spenden an Veranstaltungsorte, aber wie lange das dauern wird, wissen wir nicht.

Danan: Leute, die auf der Gehaltsliste stehen, sind immer noch auf der Gehaltsliste, aber die stündlichen Leute wie Security, Barkeeper, das waren am stärksten betroffen. Es ist eine ganze Branche, die auf so vielen beweglichen Teilen aufgebaut ist und die alle innerhalb von 24 Stunden verschwunden sind. Hollywood ist eine absolute Geisterstadt. Ich habe so etwas noch nie gesehen.

Sinaplidis: Hier fühlt man sich wie in der „Twilight Zone“. Ich habe den Überblick verloren, welcher Tag heute ist.

Danan: Ich glaube nicht, dass die Leute wissen, wie wichtig [Musik] für die Wirtschaft ist. Sie verstehen nicht, wie viele Leben dies unterstützt.

Wolfram: Die Leute denken: "Oh, Sie besitzen einen Veranstaltungsort, Sie müssen reich sein." Nein überhaupt nicht. An jedem kleinen Veranstaltungsort arbeiten wir mit Restaurantmargen. Du verdienst kein Geld, aber du tust es, weil du es liebst. Ich habe [Rep.] Adam Schiff und Organisationen für Veranstaltungsorte kontaktiert und es gab viel Enthusiasmus. Live Nation und Goldenvoice werden in Ordnung sein, aber Indie-Locations sind am Arsch.

Tichenor: Es gibt Menschen, die aus der Stadt fliehen, wegen Miet-, Geld- oder Gesundheitsproblemen. Clubs, in denen wir Gigs hatten, die Gebäude stehen zum Verkauf. Ich weiß nicht, ob sich die Dinge wieder erholen werden, weil nicht alles da sein wird. Ich kenne Leute, die seitdem an Drogen oder Selbstmord gestorben sind und die fünf Abende in der Woche zu Shows gingen. Im Publikum zu sein war eines der letzten Dinge, die sie zusammenhielten.


Inhalt

Formation Bearbeiten

Nach seinem High-School-Abschluss im Jahr 1981 verließ Steve Perry seine Heimatstadt Binghamton, New York, und ging nach Eugene, Oregon, um Leichtathletik und ein Chemiestudium an der University of Oregon zu absolvieren. [1] [2] Perry war seit seiner Jugend ein Anhänger des Punkrock und vertiefte sich bald in Eugenes Underground-Musikszene, wo er schließlich den Musiker und Studienkollegen Dan Schmid traf und sich mit ihm anfreundete. Mit ähnlichen musikalischen Ambitionen und einem gegenseitigen Desinteresse an der Schule vereinbarten die beiden, das College gemeinsam abzubrechen und eine Band zu gründen, die 1983 das Punk-Trio The Jazz Greats gründete, das sich zu der Garage-Rock-Gruppe Saint Huck im Stil von Paisley Underground entwickelte dauerte von 1984 bis 1987. [3] [4]

Als der Grunge in den späten 1980er Jahren begann, Punk und Hardcore aus dem Nordwest-Underground zu verbannen, machte sich Perry daran, eine Band zu gründen, die im trotzigen Gegensatz zur Shoegazing-Attitüde des Alternative Rock stand und energiegeladene Tanzmusik und Zappa-esque präsentierte Theatralität in dem Versuch, etwas zu schaffen, auf das ein Publikum viszeral statt passiv reagieren würde. [5] [6] [7] Perry und Schmid rekrutierten eine Bläsergruppe unter der Leitung des Altsaxophonisten Brooks Brown und gründeten im November 1988 ihre neueste Band Mr. Wiggles – benannt nach einem Song des Parlaments – und spielten dabei ihre erste Show in Springfield eines Benefizkonzerts für Arbeiter der Türfabrik Nicolai, die damals in einen Gewerkschaftsstreik verwickelt waren. [4] [5] [8] [9]

"Meine Vorstellung von Punk", erzählte Perry Die Rakete"machte, was immer du wolltest, solange es Vitalität hatte und nicht zu dumm war. Etwas Erforschendes und Experimentelles", zitierte den Einfluss von genreübergreifenden Bands wie The Clash und The Meat Puppets. [1] [8] In ihrer frühesten Inkarnation spielte Mr. Wiggles punkige Funk- und Soulmusik, obwohl Perrys Songwriting bald stark aus einem neu entdeckten Interesse an Jazz, Swing und Rhythm and Blues wuchs und Punkrock- und Jazzarrangements kombinierte in dem, was Perry beschrieb, war der Wunsch, die amerikanische Roots-Musik zu modernisieren, indem er sie mit Punk-Energie durchdrang und modernistische, sozial bewusste Lyrik verwendet. [5] [10]

Frühe Jahre (1989–1993) Bearbeiten

1989 wurde der Titel von Mr. Wiggles zurückgezogen, als die Band zu einem neuen Namen wechselte, "Cherry Poppin' Daddies", abgeleitet von einem Jive-Text, den die Band auf einem alten Rennrekord gehört hatte. [11] Die Band spielte ihre erste Show als Cherry Poppin' Daddys the W.O.W. Halle in Eugene am 31. März. [4]

Die Daddies versuchten, sich von anderen Nordwest-Rockbands der Ära zu unterscheiden, indem sie eine Bläsergruppe mit ausgefallenem Bühnentheater hatten und ihr Publikum zum Tanzen anregten. [1] Als Perry über die Ideologie der Daddies sprach: "Es war unsere Art, 'screw you' [zu Alternative Rock 'Phoniness'] zu sagen. Wir wollten Spaß haben, unverschämt viel Spaß haben, ohne darüber nachzudenken". [12] [13] Nichtsdestotrotz hatten die Daddies Ende 1989 eine starke und loyale Gefolgschaft in Eugenes Gegenkultur aufgebaut, die Shows häufig ausverkaufte und von der Kritik gelobt wurde.“ [14] [15]

Die Daddys haben ihre erste Demo-Kassette aufgenommen 4 Von oben im Juli 1989, die vier Tracks von Funkrock und Punk-beeinflusstem Swing enthielt. Die Kassette wurde in den Gebieten Eugene und Portland über 1.000 Mal verkauft, sodass die Band ihre Debüt-LP selbst produzieren konnte Grausam bekifft, erschien im folgenden Jahr. [16] Punkrock- und Jazz-Hörner mit Funk-Grooves verschmelzen, Grausam bekifft zog positive kritische Vergleiche mit den Zeitgenossen Faith No More und den Red Hot Chili Peppers und wurde gleichzeitig ein regionaler Bestseller. Das Album stellte einen Rekord für den Vorverkauf in Eugenes Plattenläden auf und blieb über ein Jahr lang bestehen Die Rakete's Nordwest-Top-Twenty-Liste. Das Album trug dazu bei, die Tournee der Daddies im Nordwesten bis 1992 bis nach Alaska und Los Angeles zu erweitern. [2] [17] [18]

Kontroversen und Zensur Bearbeiten

Die frühen Auftritte von Cherry Poppin' Daddies beinhalteten oft extravagante Kostüme, Go-Go-Tänzer, phallische Bühnenlandschaften, proprietäre Sketche oder choreografierte Tanznummern. [14] [19] Perry, der damals unter seiner Rolle als verrückter Wissenschaftler in "MC Large Drink" [20] auftrat, führte regelmäßig absurde Schock-Rock-Stunts wie Scheinkreuzigungen und Fahnenverbrennungen durch. [19] [21] [22] Eine der Bühnenrequisiten der Band war als "Dildorado" oder "The Dildozer" bekannt, ein aufsitzender Rasenmäher, der wie ein menschlicher Penis aussah, der die Ejakulation nachahmte, indem er bunte Flüssigkeiten aus seiner Spitze schoss. [21] [23]

Die Band zog Kontroversen von feministischen Gruppen auf sich, die die Auftritte der Band als pornografisch verurteilten und ihren Namen und ihre sexuell aufgeladene Lyrik als Förderung von Sexismus und Frauenfeindlichkeit anführten. Perry bestritt solche Behauptungen und verteidigte die umstrittenen Elemente als falsch interpretierte Satire. [19] [24] [25] Worin? Eugen wöchentlich "das am heißesten diskutierte Thema in der lokalen Musikszene" und "der Eugene-Brennpunkt für die wachsende nationale Debatte über Zensur [und] freie Meinungsäußerung" genannt, erlebten die Daddies Kontroversen, die ihre aufkeimende Karriere fast beendeten. [19] Bürgerwehr-Protestgruppen rissen gewöhnlich die Plakate der Band ab oder verunstalteten sie und suchten Boykotte gegen Veranstaltungsorte, die die Gruppe buchen würden, und sogar Zeitungen, die ihnen eine positive Kritik gaben. [26] Die Konzerte der Daddies wurden routinemäßig zu Orten organisierter Streikposten und bei einer Gelegenheit zu einer Bombendrohung. [8] [19] [27] Die Bandmitglieder selbst waren häufig Empfänger von Hassmails, Drohungen und körperlicher Belästigung: Einmal, behauptete Perry, warf ihm ein wütender Demonstrant eine Tasse heißen Kaffee ins Gesicht, als er die Straße entlang ging. [7] [8]

Die Daddys weigerten sich zunächst aus Gründen der künstlerischen Freiheit, ihren Namen zu ändern, aber eine Reihe von Veranstaltungsorten weigerten sich aufgrund der negativen Öffentlichkeit, sie zu buchen. Die Band wurde vorübergehend aus dem W.O.W. Hall, wo sie zuvor als Hausband gedient hatten. Die Gruppe beugte sich später dem Druck der Gemeinschaft und trat unter dem Namen "The Daddies", "The Bad Daddies" und ähnlichen Variationen innerhalb von Eugene auf, trat jedoch unter ihrem ursprünglichen Namen auf, während sie anderswo auf Tournee ging. [19] [28] [29] Als die Daddies die theatralischen Elemente aus ihren späteren Live-Shows zurückzogen, schwanden die Kontroversen um die Band und sie kehrten dazu zurück, ihren vollen Namen überall zu verwenden. Einige kleinere Beschwerden tauchten während ihres Mainstream-Erfolgs in den späten 1990er Jahren wieder auf. [30]

Nationale Tourneen und unabhängiger Erfolg (1994–1996) Bearbeiten

Während der frühen 1990er Jahre blieben die Daddies eine verlässlich beliebte und gewinnbringende Attraktion im pazifischen Nordwesten und Nordkalifornien. Trotz kritischer Auszeichnungen von der lokalen Musikpresse, einschließlich des Gewinnens SF wöchentlich 's Titel "Best Unsigned Band" im Jahr 1994 [31] kämpften die Daddies um eine breitere Anerkennung und Verbreitung. [32] Nach einer Reihe von Änderungen in ihren Mitglieder- und Führungspositionen begann die Gruppe im Herbst 1994 ihre erste nationale Tournee, die durch einen Auftritt beim CMJ Music Marathon Festival und der Convention in New York City hervorgehoben wurde. [15] [18] Nachdem sie ohne vorteilhafte Geschäfte nach Eugene zurückgekehrt waren, kauften und bauten die Daddies stattdessen ihr eigenes unabhängiges Plattenlabel und Aufnahmestudio, Space Age Bachelor Pad Records, wo sie ihr zweites Studioalbum selbst produzierten und aufzeichneten. Rapid City Muscle-Car, das im Dezember 1994 veröffentlicht wurde. [15] [33] Von Perry als „ein Ideenalbum“ [34] und „sehr psychedelisch“ beschrieben [33] Rapid City Muscle-Car war eine deutliche Abkehr von der optimistischen Tanzmusik-Atmosphäre von Grausam bekifft, das eine breite Palette unterschiedlicher Genres präsentiert, darunter Ska Punk, Psychedelic Rock, Country, Rockabilly, Big Band, Hard Rock und Lounge. [13] [35] Während Perry im Nachhinein zitiert hat Rapid City Muscle-Car als sein persönliches Lieblingsalbum von Daddies enthüllte er 1995 in einem Interview mit dem Los Angeles Zeiten dass sich das Album "okay" verkaufte, aber letztendlich den Erfolg von nicht übertraf Grausam bekifft. [33] [34] [35]

Die Daddies begannen sich 1995 dem Vollzeit-Tourneen zu widmen und spielten über 200 Shows auf zwei oder drei nationalen Tourneen pro Jahr, darunter Auftritte bei bedeutenden Musikfestivals wie South by Southwest in Austin, Texas. [15] [18] [36] [37] Als die Band nach und nach Fangemeinden und Märkte im ganzen Land aufbaute, erregte sie schließlich das Interesse zahlreicher hochkarätiger Plattenlabels und Produzenten, darunter angeblich Hollywood Records, Roy Thomas Baker und Terry Ellis. [13] [15] Als jedoch der Vorschlag oder die Bestimmung gemacht wurde, dass die Daddies an einem Genre festhalten, lehnte Perry diese Angebote ausnahmslos ab, da er keine äußeren Einflüsse wollte, die den Sound der Band kontrollierten. [15] [34] [38] Perry weigerte sich zunächst, mit Ska-Bands auf Tour zu gehen und wollte sich nicht in eine bestimmte Szene oder ein bestimmtes Genre einordnen lassen, doch nach einer sehr erfolgreichen und gut aufgenommenen Tour mit Fresno Ska-Band Let's Go Bowling willigte er ein, und die Daddies erkämpften sich schließlich eine lukrative Nische in der nationalen Ska-Szene und gingen regelmäßige Tourpartnerschaften mit Größen wie The Mighty Mighty Bosstones, Reel Big Fish und Less Than Jake ein. [15] [18] [39] [40]

Während die wachsende Konzentration des Mainstreams auf Punk und Ska Mitte der 1990er Jahre den Daddies weitere kommerzielle Möglichkeiten eröffnete, bestand Perry immer noch darauf, die vollständige kreative Kontrolle über die Band zu behalten. [15] Im Februar 1996 veröffentlichten die Daddies ihr drittes selbstproduziertes Studioalbum auf Space Age Bachelor Pad. Kinder auf der Straße. Eine weitere musikalische Abkehr von ihrem vorherigen Album, Kinder auf der Straße war hauptsächlich ein Spiegelbild der wachsenden Punk- und Ska-Einflüsse der Band und wich dem typisch blechernen Funk und Swing der Daddies zugunsten von gitarrengetriebenem Rock, Punk und Ska sowie stilistischen Umwegen in Jazz und Country. [33] Von dem bekannten Indie-Label Caroline Records vertrieben, Kinder auf der Straße wurde zu dieser Zeit die erfolgreichste Veröffentlichung der Daddies und blieb dabei Die Rakete 's Retail Sales Top Twenty seit über sieben Monaten und arbeitet sich sogar bis auf Rollender Stein 's Alternative Charts. [18] [41]

Zoot Suit Riot und Major-Label-Jahre (1997–1999) Bearbeiten

Ende 1996 hatte sich ska als eine der beliebtesten Formen alternativer Musik in den amerikanischen Mainstream durchgesetzt und Major-Label-Bands wie Reel Big Fish und The Mighty Mighty Bosstones ins nationale Rampenlicht katapultiert. [42] Die Daddies blieben jedoch ohne die Unterstützung eines Plattenlabels letztendlich am Rande der kommerziellen Sichtbarkeit. Obwohl Kinder auf der Straße Nachdem sich die Band für eine unabhängige Veröffentlichung gut verkauft hatte, hatte die Band anhaltende Schwierigkeiten, Presse und Vertrieb außerhalb des Nordwestens zu sichern, während der Druck der Vollzeit-Tourneen unweigerlich zu einer persönlichen und finanziellen Belastung für die Mitglieder wurde. [43] Die Daddies erlebten zwischen 1996 und 1997 mindestens fünfzehn Line-Up-Wechsel, einschließlich des Ausscheidens des ursprünglichen Keyboarders Chris Azorr und des Mitbegründers Dan Schmid, so dass nur Perry und Trompeter Dana Heitman als einzige Überbleibsel der ursprünglichen Besetzung übrig blieben . [27] Perry hatte das Gefühl, als unabhängige Band endlich eine gläserne Decke erreicht zu haben, und sagte, dass die Daddies zu diesem Zeitpunkt eine von zwei Optionen hätten: entweder bei einem Label unterschreiben oder sich trennen. [10] [43]

Obwohl sie in dieser turbulenten Phase ihrer Karriere hauptsächlich Ska-Tourneen spielten, zogen die Daddies plötzlich ein großes und begeistertes Publikum für ihre Swing-Musik an, was stark auf das gleichzeitige öffentliche Interesse an der ehemals unterirdischen Swing-Revival-Bewegung zurückzuführen war, das teilweise auf den Erfolg der 1996 Film Swinger. [44] Obwohl die Daddies gelegentlich Shows mit namhaften Swing-Revival-Bands wie Royal Crown Revue gespielt hatten, waren sie nicht weitgehend mit der Szene oder Subkultur verbunden, als Fans regelmäßig an den Merchandise-Tisch der Band kamen und fragten, welches ihrer Alben die meisten Swing-Songs enthielt. Die Daddies erkannten, dass ihnen ein Album fehlte, das ihre Swing-Seite vollständig repräsentiert, und veranlasste den Manager der Band, sie davon zu überzeugen, alle ihre Swing-Songs auf einer CD zusammenzustellen, bis sie es sich leisten konnten, ein neues Album zu machen und ihre verfügbaren Finanzen zu verwenden, um mehrere Bonustracks für aufzunehmen Aufnahme. [6] [45] [46] [47] Das Ergebnis, Zoot Suit Riot: Die Swingin' Hits der Cherry Poppin' Daddies, wurde zu einem unerwartet beliebten Artikel, als die Band auf Tour ging und angeblich bis zu 4.000 Exemplare pro Woche über ihre Nordwest-Vertriebshändler verkaufte. [6]

Während einer weiteren gemeinsamen Tour in Los Angeles arrangierte Reel Big Fish ein Treffen zwischen ihrem Label Mojo Records und den Daddies in der Hoffnung, der Band zu helfen, einen Vertriebsvertrag für Zoot Suit Riot. [37] [47] Nach Verhandlungen zwischen Perry und Mojo unterzeichnete das Label jedoch stattdessen die Daddies zu einem Zwei-Album-Plattenvertrag. [46] [47] Zoot Suit Riot wurde von Mojo lizenziert und neu aufgelegt und im Juli 1997, weniger als vier Monate nach seiner ursprünglichen Veröffentlichung, national vertrieben.

Mainstream-Durchbruch Bearbeiten

Da die Swing-Musik im Laufe des Jahres 1997 stetig an kommerzieller Dynamik gewann, wurden die Verkäufe von Zoot Suit Riot Bis Dezember dramatisch gestiegen, bewegte Mojo 12.000 Einheiten pro Woche. [47] Im Januar 1998 informierte das Label die Daddies über ihre Entscheidung, den Titelsong des Albums als große Single zu veröffentlichen und unter Mainstream-Radiosendern zu verteilen.[47] Die Daddies, die mit der Arbeit an ihrem nächsten Studioalbum begannen, protestierten leidenschaftlich gegen diesen Schritt, da sie glaubten, dass ein Swing-Song nie ausgestrahlt werden würde und befürchteten, dass die Band am Ende die Marketingkosten wieder hereinholen müsste. [8] [43] [46] Mojo blieb dennoch bestehen, und sehr zur Überraschung der Band fand "Zoot Suit Riot" bald regelmäßige Rotation auf Stationen wie dem einflussreichen KROQ-FM in Los Angeles und half dabei, Swing-Musik im Mainstream zu etablieren und zu führen zu seinem späteren kommerziellen Durchbruch, mit den Daddies an vorderster Front. [48] ​​[49] Mitte 1998 hatten sich die Daddies zu einer der erfolgreichsten Bands des Swing-Revivals entwickelt: Nach dem Aufstieg auf Platz eins der Billboard's Top Heatseeker, Zoot Suit Riot wurde das erste Album des Swing-Revivals, das die Top 40 der Plakat 200, erreichte Platz 17 und verbrachte insgesamt 53 Wochen in den Charts. [50] Im Juni 1998 hatte sich das Album in den Vereinigten Staaten 500.000 Mal verkauft und im August 1,4 Millionen verkauft. [47] [51] [52]

Plötzlich waren die Daddys heiß begehrt und gingen sofort wieder auf Tour. 1998 und 1999 verbrachte die Band die meiste Zeit auf Tour und spielte jetzt fast 300 Shows pro Jahr, führte sowohl Headliner- als auch Support-Tourneen durch die Vereinigten Staaten durch, während sie international als einer der Headliner der 1998er Warped Tour neben Rancid reiste. NOFX und schlechte Religion. [53] Zu diesem Zeitpunkt hatten sich die Tourbedingungen der Gruppe stark verbessert, was Dan Schmid – der die Band ursprünglich aus gesundheitlichen Gründen verlassen hatte – dazu verleitete, auf Perrys Wunsch als Bassist der Daddies zurückzukehren. [54]

Obwohl die Daddies unter dem Deckmantel der Swing-Revivalisten kommerziellen Erfolg hatten, wurden sie von . zu den "Führern" der Bewegung erklärt Rollender Stein, bestritten die Band offen, unter Ausschluss ihrer dominanten Ska- und Punk-Einflüsse und modernistischen Lyrik als Retro-Act bezeichnet zu werden. [17] [53] [55] Während sie immer noch stimmliche Anhänger des Swing-Revivals und seiner Bands waren, versuchten die Daddies hartnäckig, sich von der Swing-Szene und insbesondere ihrer nostalgischen Mentalität zu distanzieren: Drehen im Juli 1998: „Es ist nicht unsere Mission, eine Swing-Band zu sein. Ich bin kein Typ aus den 40ern. Deshalb spielen wir Ska und benutzen schwere Gitarren“, [56] und bemerkt an anderer Stelle: „Ich kann uns nicht ganz aushalten aus der Retro-Klassifikation heraus, aber wir machen darauf aufmerksam, dass wir zeitgenössische Musik sind". [17] Daher vermieden es die Daddies, mit Swingbands zu touren, wählten die Latin-Rock-Gruppe Ozomatli und die Ska/Soul-Band The Pietasters als Support für ihre erste Headliner-US-Tour und öffneten für die argentinische Rockband Los Fabulosos Cadillacs auf ihrer Nordamerika-Tour 1998. [48] ​​[57] Irgendwann versuchten die Daddies, eine Tour mit Primus zu arrangieren, die jedoch nie zustande kam Swing 24/7 . Es gibt viele Bands, die Swingbands sein wollen und nur Swingbands. Wir versuchen, das Publikum zu finden, das uns Songs schreiben lässt und einfach so sein wird, wie wir sind." [58]

—Steve Perry, kommentiert die Retro-Ästhetik des Swing-Revivals, 2016 [59]

Auf dem Höhepunkt der Popularität der Daddies stellte Perry fest, dass die Mainstream-Bekanntheit der Band eine entfremdende Wirkung auf sein Privatleben hatte. [60] [61] Er erinnerte sich später: „Es ist ein totales Klischee, aber [Ruhm] macht dich nicht glücklich. Es fehlt viel. Der Erfolg hat den Leuten das Recht gegeben, mich auf der Straße anzuschreien, aber ich tue es nicht Ich habe nicht wirklich das Gefühl, dass es mir irgendeine Würde gegeben hat". [62] Perry fühlte sich bereits ausgebrannt von den ständigen Touren der Daddies, wurde jedoch durch die anhaltende Ablehnung der Daddies durch die Medien als Retro-Neuheitsakt noch verschlimmert, obwohl er später behauptete, sich unter Druck gesetzt gefühlt zu haben, das Image aufgrund des Publikums und der Medien aufrechtzuerhalten Erwartungen. [58] [61] [63] Als die Band anfing, sich der Kritik und dem Vorwurf des Ausverkaufs von ihrer Nordwest-Fanbase zu stellen, [64] [65] kämpften die Daddies darum, sich weiter von ihrem Mainstream-Schreiben zu entfernen: In einem Interview von 1999 Als Reaktion auf ihren Platz in der Swing-Szene erwiderte Perry: "[Wir werden] unentschuldigt Ska spielen, direkt ins Gesicht der Leute, die Swing hören wollen". [66]

Zoot Suit Riot hatte sich in den USA über zwei Millionen Mal verkauft, als die Mainstream-Popularität des Swing-Revivals nachließ und im Januar 2000 schließlich aus den Charts rutschte Studioalbum.

Seelen-Caddy und Mainstream-Rückgang (2000) Bearbeiten

Im Herbst 1999 kehrten die Daddies ins Studio zurück, um ihr viertes Album aufzunehmen. Seelen-Caddy. Ein loses Konzeptalbum, das Perrys Desillusionierung über den kulturellen Zeitgeist und seine Erfahrung mit Ruhm widerspiegelt (wie er es beschrieb, eine "bittersüße" Platte über "entfremdet zu sein und zu hoffen, sich zu verbinden" [61] ), Seelen-Caddy markierte eine Fortsetzung des musikalisch abwechslungsreichen Formats der Band, das sowohl ihren swingbasierten Fans als auch einem breiteren Publikum eine wahrere Perspektive des Sounds und der Persönlichkeit der Daddys vermitteln sollte. [63] [67] [68] Ausgehend vom Rock und Pop der 1960er und 1970er Jahre, Seelen-Caddy verwoben Swing und Ska mit Glam Rock, Soul, Psychedelic Pop, Folk und Funk. [62] [69] [70]

Obwohl er den Daddies kreative Kontrolle über seine Produktion erlaubte, reagierte Mojo auf Seelen-Caddy galt bestenfalls als lauwarm. [69] Das Label behauptete, dass das neue Material nicht wie "die Cherry Poppin' Daddies-Leute kennen und lieben" sei, und tat wenig, um weder das Album noch seine glamouröse Single "Diamond Light Boogie" zu promoten, die irgendwann letzteres veröffentlichte ohne den Namen der Band darauf, angeblich wegen des Zögerns, eine Rock-Single einer hauptsächlich für Swing-Musik bekannten Band zu vermarkten. [71] [72] Mit praktisch keiner Werbung dahinter, Seelen-Caddy wurde im Oktober 2000 im Stillen entlassen. Seelen-Caddy wurde sowohl von Fans als auch von Kritikern negativ aufgenommen, einer der häufigsten Kritikpunkte war das Fehlen von Swing-Tracks. [73] Einige Rezensenten tadelten die Band für das, was als Aufgabe ihrer Swing-„Wurzeln“ zugunsten eines trendigeren Sounds angesehen wurde, [74] während einige die gesamte musikalische Ästhetik der Daddies kritisierten – UGOs Hip Online unverblümt gesagt, "fünf oder sechs Genres auf einem Album abzudecken ist einfach verrückt". [75] Die Los Angeles Tagesnachrichten platziert Seelen-Caddy Auf ihrer Liste der 10 schlechtesten Alben des Jahres 2000 fragte sich der Rezensent, was eine Swing-Band dazu brachte, "zu glauben, dass sie mit einem Album mit recyceltem psychedelischem Pop davonkommen könnte". [76]

Trotz einiger mäßiger Kritikerlob, einschließlich einer glühenden Kritik von AllMusic, die die "beeindruckend überraschende" Klangpalette des Albums als "erfrischend von einer Band, die als allgemeiner Retro-Swing galt" bezeichnete, [77] Seelen-Caddy gelang es nicht, den Charterfolg oder die kommerzielle Aufmerksamkeit seines Vorgängers zu erreichen. Die begleitende nationale Tour der Daddies schnitt ebenso schlecht ab und zeigte einen deutlichen Rückgang der Besucherzahlen, während das Publikum auf den geringeren Fokus der Band auf das Spielen von Swing-Musik ungünstig reagierte. [65] Rückblickend in einem Interview aus dem Jahr 2002 erinnerte sich Perry: „Wir gingen auf Tour und die meisten Leute sahen uns wegen des Erfolgs von als Swing-Band an Zoot Suit Riot. wir empfanden diese Spannung als etwas, das wir nicht waren.“ [65] Angesichts geringer Ticketverkäufe und ihrer eigenen Unzufriedenheit über den Ausgang der Tour beendeten die Daddies ihre geplante Tour vorzeitig und trafen eine gemeinsame Entscheidung über eine unbefristete Pause in Dezember 2000. [65] "Vieles war einfach nur Müdigkeit", erklärte Perry, "Wir waren lange unterwegs und hatten kein Leben außerhalb von Cherry Poppin' Daddies. Ich denke, jeder war daran interessiert, andere Dinge zu tun.“ [78] Die Daddies wurden kurz darauf von Mojo entlassen, obwohl Gitarrist Jason Moss später kommentierte, dass die Band danach „an den Bordstein“ getreten wurde Seelen-Caddy 's schlechte kommerzielle Leistung. [79]

Pause und begrenzte Tournee (2001–2006) Bearbeiten

Nach fast einem Jahrzehnt der Vollzeit-Bandaktivität trennten sich die Daddies, um anderen musikalischen Unternehmungen nachzugehen und blieben in verschiedenen lokalen Bands aktiv. Vor allem gründeten Perry und Moss die theatralische Glam-Punk-Gruppe White Hot Odyssey, die 2004 ein Album auf Jive Records veröffentlichte, bevor sie sich im folgenden Jahr auflöste, während Schmid und Keyboarder Dustin Lanker das Piano-Rock-Trio The Visible Men gründeten, zwei Studioalben aufnahm und ausgedehnte Tourneen bis zu ihrer eigenen Auflösung im Jahr 2007. Zu dieser Zeit tourte Schmid auch als Bassist für die Band von Pixies-Frontmann Black Francis und nahm auf seinem 2007er Album auf Blaufinger Außerdem nahm er 2010 auf Pete Yorns von Francis produziertem, selbstbetiteltem Album auf. Lanker trat später als Tourmitglied der kalifornischen Ska-Punk-Band The Mad Caddies bei und wurde schließlich 2013 festes Mitglied. Schlagzeuger Tim Donahue, nach einer Zeit bei The Visible Men arbeiteten als Sessionmusiker, nahmen Alben für Künstler wie TobyMac und Shawn McDonald auf und spielten 2001 in Yngwie Malmsteens Band auf seiner Europatournee. [80] [81]

In den nächsten Jahren wurden alle Aktivitäten von Daddies weiter ausgesetzt, da die Mitglieder in ihr Familienleben und ihre Vollzeitbeschäftigung zurückkehrten, während Perry sich entschied, seine Ausbildung an der University of Oregon wieder aufzunehmen, die er 2004 mit einem B.S. in der Molekularbiologie. [71] Im Februar 2002, nach über einem Jahr ohne zu spielen, beendeten die Daddies ihre Pause mit einem Headliner beim Festival at Sandpoint in Sandpoint, Idaho, dem eine Reihe sporadischer Auftritte bei verschiedenen Musikfestivals im gesamten Nordwesten folgten. [65] Trotz des plötzlichen Wiederauflebens der Aktivität kündigte die Band entschlossen keine Pläne für die Zukunft an, neues Material aufzunehmen oder ausgedehnte Tourneen zu unternehmen. [65] Die Daddies bevorzugten eine Abwechslung von ihren früher intensiven Tourgewohnheiten und begannen, ihre Auftritte ganz nach dem Wunsch und der persönlichen Verfügbarkeit der Bandmitglieder zu planen, spielten nur acht bis zehn Shows pro Jahr und beschränkten ihre Auftritte weitgehend auf Shows im Nordwesten oder Aufträge für einmalige "Swingin' Hits"-Konzerte auf verschiedenen Festivals und Veranstaltungsorten in den Vereinigten Staaten. [65] [82]

Susquehanna und zurück zum Independent-Label (2006–2009) Bearbeiten

Nach vier Jahren relativer Inaktivität, während die Band ihr entspanntes Tourtempo beibehielt, begann Perry Anfang 2006 mit dem Schreiben von Material für ein neues Daddies-Album, wobei er behauptete, sein kathartisches Vertrauen auf das Songwriting erkannt zu haben. [83] In einem Radiointerview vom April 2006 bestätigte er, dass die Band in Vorbereitung war, ein neues Studioalbum aufzunehmen, und stellte fest, dass die Musik für die Daddies Neuland bedecken würde und sich stark auf tropische Elemente stützte. [84] Im Laufe des Herbstes 2006 führte die Band mehrere kleine Tourneen durch die Vereinigten Staaten durch, auf denen ein Großteil dieses neuen Materials debütierte.

Im Sommer 2007 in Eugene selbst produziert und aufgenommen, das fünfte Album der Daddys, Susquehanna, wurde im Februar 2008 exklusiv über die Website der Band als digitaler Download veröffentlicht und erhielt einige Monate später eine limitierte CD-Veröffentlichung. In Form eines narrativen Konzeptalbums, das Perry als Porträt von "verschiedenen Beziehungen im Verfall" beschrieben hat, Susquehanna zeigte prominente Sorten lateinamerikanischer und karibisch beeinflusster Musik, die Flamenco-, Latin-Rock- und Reggae-Schnörkel in die traditionelle Swing- und Ska-Küche der Band einfließen ließen. [85] [86] Während seine unauffällige DIY-Veröffentlichung von den Mainstream-Medien weitgehend unbemerkt blieb, reichten die Reaktionen von internetbasierten Veröffentlichungen von gemischt bis positiv, wobei die Rezensenten erneut über die eklektische Mischung von Genres des Albums polarisierten. [87] [88] Die Daddies begannen eine weitere Tour in voller Länge zur Unterstützung von Susquehanna Mitte 2008, gefolgt von einer Headline-Tour durch Europa, ihr erster Besuch auf dem Kontinent seit 1998. [89]

Im Juli 2009 gaben die Daddies bekannt, dass sie beim unabhängigen Label Rock Ridge Music für die Veröffentlichung und den nationalen Vertrieb von zwei Alben, einer Neuauflage von Susquehanna und Skaboy JFK: Die Skankin' Hits der Cherry Poppin' Daddies, eine Zusammenstellung des Ska-Materials der Band aus ihren ersten fünf Alben. [90] Perry erklärte, dass Fans das Konzept einer Ska-Sammlung seit Jahren vorschlugen und dass ein solches Album dazu beitragen könnte, eine andere Seite der Daddies zu zeigen als die "Swing-Band" -Persönlichkeit, für die sie allgemein bekannt sind. [89] Skaboy JFK wurde im September 2009 veröffentlicht und von der Kritik weitgehend positiv aufgenommen, gefolgt von weiteren Tourneen ins Jahr 2010, die die Daddies durch Europa und die Vereinigten Staaten führten, sowie traten neben Fishbone und The Black Seeds beim 11. Victoria Ska Fest in British Columbia auf. wo die Band das erste All-Ska-Set ihrer Karriere spielte. [91]

Weiße Zähne, schwarze Gedanken (2010–2013) Bearbeiten

Kurz nach der Veröffentlichung von Skaboy JFK, Perry begann bereits, Pläne für das nächste Studioalbum der Daddies bekannt zu geben, und enthüllte, dass die Band für ihr erstes All-Swing-Album seither zur Swing-Musik zurückkehren würde Zoot Suit Riot. [92] [93] Erste Produktion des Albums mit dem Titel Weiße Zähne, schwarze Gedanken, begann im März 2011, dauerte jedoch das ganze Jahr über selten, da die Daddies mehrere weitere erfolgreiche internationale Tourneen durchführten, darunter zwei separate ausverkaufte Tourneen durch Australien in den Jahren 2011 und 2012. [94] [95] Nachdem der langjährige Keyboarder Dustin Lanker die Gruppe im Jahr 2012 verließ, erfuhr die Band große Veränderungen innerhalb ihrer Tournee-Besetzung, was die Daddies dazu veranlasste, ohne einen Live-Keyboarder weiter zu touren. Einige Monate später wurde der Posaunist Joe Freuen in die Band aufgenommen, was das erste Mal war, dass die Daddies einen Vollzeitposaunisten in ihr offizielles Line-up aufgenommen hatten.

Mitte 2012 erklärte Perry schließlich den Produktionsstatus des neuen Albums und enthüllte, dass die Band genug Material für die Veröffentlichung geschrieben hatte Weiße Zähne, schwarze Gedanken als Doppelalbum, bestehend aus dem Haupt-All-Swing-Album und einer Bonus-Disc mit "Americana"-beeinflussten Rocksongs in Stilen wie Rockabilly, Country, Bluegrass und Western Swing, wobei letztere CD mit Gastauftritten des Akkordeonisten Buckwheat Zydeco auf einer Zydeco Song und ehemaliger Captain Beefheart-Gitarrist Zoot Horn Rollo auf einem Psychobilly-Track. [96] [97] Am 20. Juni 2012 starteten die Daddies eine PledgeMusic-Kampagne, um die letzten Phasen der Produktion des Albums zu finanzieren. seines Ziels. [97] [98]

Vorausgegangen sind zwei Singles und Musikvideos zu den Songs "I Love American Music" und "The Babooch", Weiße Zähne, schwarze Gedanken wurde am 16. Juli 2013 unabhängig auf Space Age Bachelor Pad Records veröffentlicht. Nach der zurückhaltenden DIY-Veröffentlichung und Promotion von Susquehanna und Skaboy JFK, die Daddys arbeiteten, um stark zu veröffentlichen Weiße Zähne, schwarze Gedanken, Berichterstattung von großen Nachrichtenagenturen, einschließlich Plakat und USA heute, während die Band später im Fox-eigenen KTTV-Programm auftrat Guten Tag L.A. mit "I Love American Music", ihrem ersten großen Fernsehauftritt seit den 1990er Jahren. [99] [100] [101] Obwohl das Album keinen Charterfolg hatte, erhielt das Album allgemein positive Kritiken, und die Daddies führten im Sommer eine kurze Tour durch fünfzehn Städte durch die Vereinigten Staaten durch. [102]

Im Januar 2014 wurde bekannt, dass das Eugene Ballet mit den Daddies für die Produktion mit dem Titel Zoot Suit Riot, eine Tanzshow zur Musik und Live-Begleitung der Band mit choreografierten Tanzeinlagen zu dreizehn Songs der Daddies, die von ihren größten Swing-Hits bis hin zu ihren weniger bekannten Rock-, Pop- und Psychedelic-Songs reichen. Zoot Suit Riot spielte am 12. und 13. April 2014 in Eugenes Hult Center for the Performing Arts. [103]

Cover-Alben und Zoot Suit Riot: Ausgabe zum 20. Jubiläum (2014–2018) Bearbeiten

Während der anfänglichen Schreib- und Aufnahmezeit von Weiße Zähne, schwarze Gedanken, begannen die Daddies, ausgewählte Shows zu spielen, die als "The Cherry Poppin' Daddies Salute the Music of the Rat Pack" in Rechnung gestellt wurden, und spielten eine gleiche Mischung aus den eigenen Swing-Songs der Band sowie Coverversionen von Songs, die durch das "Rat Pack" von Frank Sinatra bekannt wurden , Dean Martin und Sammy Davis, Jr.. [104] In einem Interview vom Juli 2013 mit Plakat Zeitschrift enthüllte Perry, dass die Band gleichzeitig ein Tribute-Album mit diesen Songs aufgenommen hatte und es nach einer Tour hinter sich veröffentlichen würde Weiße Zähne, schwarze Gedanken. [99] Bitte kehrt den Abend zurück – die Cherry Poppin' Daddies grüßen die Musik des Rattenpacks! wurde am 29. Juli 2014 veröffentlicht, beworben durch Musikvideos für die Albumcover der Sinatra-Heftklammern "Come Fly with Me" und "Fly Me to the Moon". [105] [106]

Im darauffolgenden Dezember äußerte Perry auf der offiziellen Facebook-Seite der Daddies Pläne, die Swing- und Jazz-Einflüsse der Band mit einem weiteren Cover-Album weiter zu erforschen, diesmal im Mittelpunkt des Hot Jazz der Cotton Club-Ära der 1920er und 1930er Jahre. [107] Produktion über das, was schließlich berechtigt wäre Das Boop-A-Doo begann im Frühjahr 2015 in Eugene und nutzte Vintage-Aufnahmetechniken sowie den Einsatz von Instrumenten aus der Zeit vor den 1940er Jahren, um einen authentischen Sound aus der Jazz-Ära zu erzielen. [108] [109] Das Boop-A-Doo wurde am 22. Januar 2016 veröffentlicht, gefördert durch ein Musikvideo zum 1930er Eubie Blake/Andy Razaf-Song "That Lindy Hop", unter der Regie von Perry. [110]

Anfangs haben die Daddys das angekündigt Bitte den Abend zurückgeben und Das Boop-A-Doo würde zwei Teile einer geplanten Trilogie von Coveralben umfassen, die entworfen wurden, um die Swing- und Jazz-Einflüsse der Band zu präsentieren. [111] Obwohl Perry in einem Interview im November 2016 enthüllte, dass sich der dritte Band der Coversongs der Daddies entweder auf Western-Swing oder einen Bebop im Stil von Babs Gonzales / "Beatnik" konzentrieren würde, gab es ab März 2019 keine weiteren Updates zu den Status dieses Albums. [112]

In dieser Zeit war Perry auch mit dem Remixen und Remastern der Daddies' Zoot Suit Riot Compilation, nachdem er 2014 die Rechte von Jive Records wiedererlangt hatte. Als er über das Projekt sprach, beklagte er die Produktion von Zoot Suit Riot überstürzt worden war und nur die ersten Takes verwendet worden waren, wobei darauf hingewiesen wurde, dass es "2 oder 3 mehr" Takes der Songs hätte geben können, "wenn wir die Zukunft 1996 gewusst hätten", und bemerkte "nach 25 Jahren [der Band] , ich würde die Platte gerne etwas besser klingen lassen". [113] [114] [115] Zoot Suit Riot: Die 20. Jubiläumsausgabe wurde am 13. Januar 2017 auf CD und Vinyl veröffentlicht und enthält fünf Bonus-Live-Tracks, die während der Tourneen der Band 1998 aufgenommen wurden. Zur Förderung der Wiederveröffentlichung des Albums spielten die Daddies ausgewählte Termine im ganzen Land und spielten das Album in seiner Gesamtheit.

Größeres Leben (2019–heute) Bearbeiten

Während die Daddies den größten Teil der 2010er Jahre dem Spielen und Aufnehmen von Swing- und Jazzmusik widmeten, enthüllte Perry erstmals 2014 in einem Interview mit Die Huffington Post dass er begonnen hatte, neue Non-Swing-Songs für das nächste Original-Daddys-Album zu schreiben und seine Ambitionen beschrieb, einen "Psychobilly/Zappa/amerikanischer Idiot/R. Crumb-Typ-Platte, die ein Bild der amerikanischen gesellschaftspolitischen Szene zeichnet", betonte seinen Wunsch, mit Rockabilly und Roots-Rock zu experimentieren. [106] In den nächsten vier Jahren gab Perry sporadisch auf Twitter und in Interviews über die Entwicklung dieses neuen Albums Updates Album mit Originalen und beschrieb es 2016 als "ein bisschen wie Wild gesteinigt 2", mit einem Schwerpunkt auf Rock und Funk, und später im Jahr 2017 als "swing-ska-rockabilly-psychobilly". kündigte auf Twitter an, dass der Mischprozess für das fertige Produkt begonnen hatte, das jetzt den Titel trägt Größeres Leben. [118]

Am 12. März 2019 haben die Daddies die erste Single und das Musikvideo von uraufgeführt Größeres Leben auf ihrem YouTube-Kanal ein Ska-Punk-Song mit dem Titel "Gym Rat", später folgten zwei weitere Singles und Musikvideos zu den Songs "Diesel PunX", ein vom Science-Fiction-Subgenre Dieselpunk beeinflusster Rockabilly-Song, und die Keltischer Punk/Folk-Punk-beeinflusster "Yankee Pride". Größeres Leben erschien am 14. Juni auf CD und Vinyl, was mit einer Show in Eugenes W.O.W. Hall am selben Tag, wo die Daddies eine neue Bühnenshow debütierten, die sich ausschließlich auf das Repertoire der Band an Ska- und Ska-Punk-Songs konzentrierte, ein Set, das sie weiterhin bei ausgewählten Shows und Festivals aufführten, darunter das Victoria Ska Fest 2019. Die Daddies sollten im Juni 2020 im Rahmen des Supernova International Ska Festival in Virginia auftreten, obwohl das Festival aufgrund der COVID-19-Pandemie letztendlich abgesagt wurde.

Am 31. Januar 2020 veröffentlichten die Daddies die Standalone-Single "Faux Nice, Mock Fancy", ein Song im Glam-Rock-Stil, der während der Größeres Leben Sitzungen. In einem Facebook-Post, in dem die Single angekündigt wurde, erklärte Perry, dass er vorhabe, im Laufe des Jahres verschiedene unveröffentlichte Songs als Singles zu veröffentlichen, während er mit der Arbeit an neuem Material begann. [119] Dies begann mit der Single- und Video-Veröffentlichung von "Platform Shoes", einem weiteren Song im Glam-Rock-Stil aus der Deluxe-Edition von Weiße Zähne, schwarze Gedanken, Mitte März und ein Cover der kanadischen Rockband The Kings' 1980er Hit "Switchin' to Glide" Mitte Mai.

Die Daddies werden von den Medien allgemein als Swing- und/oder Ska-Band eingestuft, und ihre Musik besteht größtenteils aus verschiedenen Interpretationen beider Genres, die von traditionellem Jazz und Bigband-beeinflussten Formen bis hin zu modernisierten Rock- und Punk-Fusionen reichen. Während ihres kommerziellen Durchbruchs in den 1990er Jahren konzipierten Kritiker Begriffe wie "Punk Swing", [120] "Power Swing" [29] und "Big Band Punk Rock" [121], um die einzigartige Herangehensweise der Daddies an diese Fusionen zu beschreiben "Der Antrieb von Swing-Beats und Kaninchen-Punch-Blasenstößen mit schmutzigen Rebel-Rock-Gitarren, um dem Jumpin' Jive-Sound ein dringend benötigtes Facelifting zu verleihen". [122] Der pazifische Nordwestinlander schrieb 1994 über diesen Stil, "über dem Swing des Jazz der Band kann man parlamentarische Funkadelic-Klänge, Krümel von Barrelhouse-Rhythm and Blues, Schnipsel von Ska und gewaltigen Hauch von unverblümtem Punkrock hören" Daddies zu "Cab Calloway-meets-Johnny Rotten, oder das Duke Ellington Orchestra aufgepumpt auf Steroiden und Koffein". [7]

Die Daddies selbst klassifizieren ihre Musik scherzhaft als "Swing-Core", [123], was durch die schnellen Tempi und die häufige Verwendung von Gitarrenverzerrungen in ihrem Swing-Material sowie "Third Wave Swing" aufgrund ihres prominenten Ska-Einflusses veranschaulicht wird . [6] [55] [124] [125] In den letzten Jahren hat Perry jedoch Versuche abgewiesen, Labels auf die Musik der Daddies anzuwenden, und sie oft beiläufig in vageren Begriffen als "eine Rockband mit Hörnern" oder "einen Tanz" bezeichnet Band, die ein bisschen Jazz verwendet". [22] [126] Perry hat den musikalischen Eklektizismus der Daddies mit dem von Fishbone, Mink DeVille und Oingo Boingo verglichen und dabei auch den großen Einfluss von The Specials und Roxy Music sowie von Fletcher Henderson, Jimmie Lunceford und Duke . angeführt Ellington über seine Kompositionen und Arrangements. [8] [33] [127] [128] [129]

Neben den Konstanten Swing, Ska und auf früheren Aufnahmen auch Funk bieten die Studioalben der Daddies eine kollektive Zusammenstellung unterschiedlicher und oft diametral gegensätzlicher Musikrichtungen. Einige der Musikstile, mit denen die Band experimentiert hat, sind Blues, [7] Country, [8] Disco, [130] Dixieland, [58] Flamenco, [85] Folk, [70] Glam Rock, [69] Hardcore-Punk, [131] Jump Blues, [132] Lounge, [29] Psychedelic Pop, [132] Rhythm and Blues, [69] Reggae, [85] Rockabilly, [71] Soca, [87] Soul, [69] Western Swing [ 133] und Zydeco. [134] Im Gegensatz zum Spielen von Fusionen spielen die Daddies jedes Genre separat und kontrastieren einen Stil mit einem anderen, so dass sich die musikalische Textur des Albums ständig ändert. [135] Perry hat erklärt, dass der "Umweg" der Gruppe, sehr unterschiedliche Genres zu verwenden, sowohl ein Mittel für das Experimentieren und die Entwicklung der Band über ihre typischen Swing- und Ska-orientierten Live-Shows als auch eine künstlerische Entscheidung ist, die jedem Song ein unverwechselbares Musical verleiht Persönlichkeit und die Verwendung bestimmter Genres, um effektiv zum Ton der Texte zu passen oder ihm ironisch zu widersprechen. [10] [61] [136] [137]

Songtext bearbeiten

Steve Perry ist der einzige Texter der Daddies und schreibt die meisten seiner Songs in einem fiktiven Erzählformat, das er als von Randy Newman, Ray Davies und Jarvis Cocker beeinflusst bezeichnet, oft erzählt über oder durch die unzuverlässige Perspektive unterdrückter Charaktere, die gegen Widrigkeiten kämpfen . [1] [7] [17] [138] Wiederkehrende Themen in den Texten der Daddies umfassen Sex, Tod, Leben in der Arbeiterklasse, Klassenbewusstsein, Alkoholismus, familiäre Dysfunktion, Einsamkeit und soziale Entfremdung, wobei häufig Humor und Satire verwendet werden. [17] [19] [38] Perry integriert oft Kommentare zur zeitgenössischen amerikanischen Politik in seine Musik, wie zum Beispiel Themen im Zusammenhang mit der Finanzkrise von 2007-2008 auf 2013 Weiße Zähne, schwarze Gedanken und Erforschung von Rassen- und Klassenthemen während der Donald Trump-Administration im Jahr 2019 Größeres Leben. [100] [139] [140] Der Registerwächter hat Perrys Texte als „harsch [und] oft verzweifelt“ beschrieben, „[untersucht] die Schattenseiten der Gesellschaft und sticht auf Unterdrücker wie den Druck zur Anpassung“ ein, [2] während Die New York Times hat sie als "lebendige Poesie" gelobt, die "einen Erfindungsreichtum enthält, der in den meisten anderen Swing-Bands-Texten fehlt". [141]

Die Daddies wurden oft für ihre scheinbare Gegenüberstellung von grellen Themen und Obszönitäten mit Jazz- und Swingmusik kritisiert, [142] [143] obwohl Perry die Vorliebe der Band für "dunklere" Texte und Visuals verteidigt hat und sein Interesse an der Film-Noir- und Avantgarde-Kunstbewegungen dieser Ära. [144] Ein prominentes Beispiel dafür sind die beiden Musikvideos für die Hit-Single "Zoot Suit Riot" der Daddies, die – zusätzlich zu den Rassenunruhen von 1943 – beide eine durchdringende surrealistische Bildsprache enthielten, die von den Filmen von Luis Buñuel . inspiriert wurde , insbesondere sein Kurzfilm von 1929 Un Chien Andalou. [144] [145] "Wir wollten dunkler, seltsamer und fremder sein", sagte Perry 2012 in einem Interview, "und bei anderen [Swing]-Bands war es leider 'Damals waren alle nett gekleidet und waren nett'. Das ist nicht so wahr. Sie wissen überhaupt nichts über diese Ära". [144]

Die meisten Studioalben der Daddies sind in unterschiedlichem Umfang als Konzeptalben geschrieben, die entweder wiederkehrende lyrische Themen oder eine abstrakte Erzählung enthalten. Diese lyrische Vernetzung soll laut Perry dazu dienen, ein Album mit Fäden thematischer Stabilität gegen die unterschiedlichsten Musikstile zu versehen. [10] [146]

In ihrer Heimat Oregon wurden die Daddies als „eine Institution im Nordwesten“ [147] bezeichnet, nachdem sie 2009 in die Oregon Music Hall of Fame aufgenommen wurden. [148] Der Registerwächter hat der Band zugeschrieben, Eugenes alternative Musikkultur in den 1990er Jahren geprägt zu haben, während Eugen wöchentlich fügte ebenfalls hinzu: „Wenn manche Leute an die Musikszene des Nordwestens denken, denken sie an Grunge. [149] [150] Seattles Die Rakete kommentierte 1997 den Einfluss der Band mit den Worten: "[t]he Daddies sprengten den Swing vor den Squirrel Nut Zippers, rührten Cocktails vor Combustible Edison und skateten den Ska vor Sublime und polieren." [1]

Zusammen mit den Kontroversen um die frühen Jahre ihrer Karriere hat die Band auch in ihrem Heimatstaat eine Menge professioneller Kritik auf sich gezogen. Der Portland Mercury waren häufige Kritiker der Daddies und verspotteten sie als "bestenfalls ein kantenloses Recycling einer ziemlich bestimmten musikalischen Modebewegung im schlimmsten Fall, eine selbstbewusste Parodie des Genres, das sie vorgeben zu lieben", [151] während die Willamette-Woche, in einem Artikel über die polarisierende Rezeption der Band, beschrieb den negativen Konsens der Daddies als "eine nervige White-Boy-Funkrock-Band, die die Gelegenheit sah, das Swing-Revival für alles zu melken, was es wert war". [147] Der Jazzkritiker und Autor Scott Yanow kritisierte die Band in seinem Buch aus dem Jahr 2000 lautstark als die Wahl des "Peitschenjungen für die Retro-Swing-Bewegung". Schwingen!, sie abschreiben als "eine Punkrockband, die sich entschieden hat, sich als Swing zu verkleiden, zumindest bis eine bessere Modeerscheinung auftaucht", wobei die "mittelmäßige" Rhythmusgruppe und der profane Text der Daddies als Argument dafür hervorgehoben werden, sie zu "einer Band zu machen" vermeiden". [142]

Die Daddies gelten jedoch als eine der ersten Bands, die die Swing-Musik im musikalischen Mainstream wiederbelebten und das Swing-Revival der späten 1990er Jahre anführten, das den Weg für die größeren Erfolge von Big Bad Voodoo Daddy und Brian Setzer ebnete Orchester. [3] [48] Obwohl die Daddies als Einfluss auf die Ska-Punk-Bands Mad Caddies und Spring Heeled Jack U.S.A. angeführt wurden, [152] [153] SF wöchentlich behauptete einmal, die Gruppe habe "nie die Auszeichnungen bekommen, die sie verdient" für ihr vielseitiges Funk-Ska-Repertoire. [38] Die Phoenix New Times drückten ähnliche Gefühle aus und zählten die "bedauerlicherweise unbesungenen" Daddies zu den Bands, die die "Alternative zur Alternative" des Nordwestens definierten, "Rock mit mehr Komplexität als Drei-Akkord-Gitarrenriffs und Gesellschaftskritik ohne plumpen Zynismus". [29] [31] In einem retrospektiven Beitrag aus dem Jahr 2008, der auf RollingStone.coms The Capri Lounge, einem Blog der Redaktion von Rollender Stein Magazine wurden die Daddies als "eine der am meisten missverstandenen Bands der Neunziger" bezeichnet. [154]

Bandname Bearbeiten

—Steve Perry, kommentierte 1998 den Namen der Daddys, Plakat [11]

Die Daddies haben sich auch eine schändlichere Anerkennung für ihren ungewöhnlichen Bandnamen bewahrt, der über die anfänglichen Kontroversen hinaus bestand, die die frühen Jahre der Band verbanden. Die Daddys erscheinen häufig auf Listen der schlechtesten Bandnamen aller Zeiten, einschließlich der von Heugabel, das Seattle Post-Intelligenz, das Toronto Sonne, und VH1, von denen letzterer es als "vielleicht den anstößigsten Bandnamen aller Zeiten" bezeichnete, umso lächerlicher, dass diese äußerlich prahlerischen Jungfrauen-Sexer einen völlig harmlosen Mainstream-Hit hatten. [155] [156] [157] [158] Eine Ausgabe von 2009 von Mixer Das Magazin platzierte die Daddies auf Platz drei der Bracket-Charts der schlechtesten Bandnamen, während 2013 Rollender Stein nahmen die Daddies auf ihre Liste der "Dreizehn dümmsten Bandnamen in der Rockgeschichte" und bemerkten, dass die inzestuöse Interpretation des Namens "das Letzte ist, was sich jemand beim Musikhören vorstellen möchte". [159] [160]

Steve Perry äußerte Ambivalenz über die Kontroverse des Namens und räumte ein, dass es "wahrscheinlich der abscheulichste Name in der Geschichte des Rock" ist [45], obwohl er auch versucht hat, ihn innerhalb der Wurzeln der Band in der Nordwest-Punkrock-Szene der 1980er Jahre zu kontextualisieren: In einem Interview aus dem Jahr 2020 Er erklärte: "Es ist viel schwieriger, den Namen jetzt zu verstehen, da die gegenkulturelle Mentalität verblasst ist, aber in dieser Zeit wollte man einen Bandnamen wählen, der andere Punkrock-Kids anzieht und andere in Schach hält". [161] In einem Interview aus dem Jahr 2000 führte er den Kontrast zwischen dem Namen der Daddys und ihrem unerwarteten Durchbruch in den breiteren kulturellen Mainstream weiter aus und sagte: „Popkultur versucht, niemanden zu beleidigen die loyale Opposition. Wir sind aus der Punk-Bewegung gekommen. Wie kann ich das leugnen? Ich habe diese Band vor langer Zeit gegründet und wir haben nur [den Namen] benutzt. Wir wussten nicht, dass wir in 10 Jahren zu werden irgendeine Art von fröhlichen, schwungvollen Wohlfühl-Dingen." [45]

Obwohl Perry gelegentlich sein Bedauern darüber geäußert hat, den Namen der Daddies nicht zu Beginn ihrer Karriere geändert zu haben, hat er in jüngerer Zeit die Kontroverse um den Namen als seinen "Holden Caulfield roten Jagdhut - ein Ehrenzeichen" angenommen und Kritiker, die sich entschieden haben, entlassen den Namen zu dämonisieren, der auf wörtlicher Interpretation basiert, als der Jive-Slang der Jazz-Ära, aus dem er als "Empörungssüchtige" gezogen wurde. [33] [162] [136]


POINTS NORTH: Auserlesene Worte einer Instrumentalband

Points North (Kevin Aiello – Schlagzeug, Eric Barnett – Gitarre und Uriah Duffy – Bass) haben ihre zweite CD mit begeisterten Kritiken veröffentlicht (einschließlich einer hier auf Indie Pulse). Ich beschreibe sie als Rush meets Yes mit Trevor Rabin meets The Police. So etwas wie melodischer Prog-Rock. Wie auch immer Sie es nennen, ich nenne es fantastisch….. noch mehr, wenn es LIVE ist!

Ich hatte vor kurzem die Gelegenheit, 2/3 der Band zu interviewen. Ich denke, Sie werden es eine interessante Lektüre finden.

Indie Pulse: Das aktuelle Line-Up besteht seit ungefähr 5 Jahren, richtig? Wie sind die drei zusammengekommen?

Points North (Eric): Kevin und ich haben uns tatsächlich online kennengelernt, wir sind eine Erfolgsgeschichte von „craigslist“. Ich war von der Ostküste in die Bay Area gezogen und auf der Suche nach einer Beschäftigung. Kevin hatte online eine Anzeige gepostet, in der nach Musikern gesucht wurde, die Instrumentalmusik im Stil von Steve Morse Band, Dixie Dregs usw. machen, und ich dachte mir es klang interessant. Ich habe die Anzeige tatsächlich verpasst – als ich antwortete, war sie abgelaufen! Also schrieb ich meine eigene Anzeige, suchte nach der Person, die diese Anzeige geschrieben hatte, und er fand mich.

Der ursprüngliche Bassist von Points North war Damien Sisson, und Kevin hatte ihn bereits gefunden, als wir uns anschlossen, und wir gingen alleine hinein und nahmen eine Platte auf, die zu „Road Less Traveled“ wurde. Aber zu der Zeit, als Magna Carta Records uns einen Plattenvertrag anbot, bekam Damien auch das Angebot, sich den Bay Area Thrash-Legenden Death Angel anzuschließen. Death Angel ging dann auf eine wirklich dreijährige Nonstop-Welttournee. Damien war also noch eine Weile in der Band, aber wir haben einige Shows mit „Ersatz“-Bassisten gespielt. Ich hatte Uriah durch einen gemeinsamen Freund und Killergitarristen, Danny Jones, kennengelernt, und er war unser erster Anruf. Ich glaube, unsere erste gemeinsame Show fand an einem kleinen, inzwischen nicht mehr existierenden Ort namens Time Out in Concord, CA, statt, und ehrlich gesagt fühlte es sich an wie Magie. (Als Uriah nicht verfügbar war, war unser anderer "Ersatz" Stu Hamm, von Joe Satriani Ruhm sind alle Rockstars in Points North die Bassisten!)

Schließlich wurde klar, dass die Forderungen von Death Angel Damien nicht viel Zeit lassen würden, in Points North zu sein, und wir trennten uns von ihm und baten Uriah, der Band Vollzeit beizutreten. Zu meiner absoluten Wahnsinnsfreude akzeptierte er, dass wir schließlich die Bassparts für das Video zu „High Wire“, das Video „Single“ vom ersten Album „Road Less Traveled“ neu aufgenommen haben und wir als Band zusammen waren seitdem, einschließlich des Schreibens, Aufnehmens und Veröffentlichens unseres zweiten selbstbetitelten Magna Carta-Albums im Jahr 2015.

IP: Warum Instrumentalmusik? Handelt es sich buchstäblich um „die Musik sprechen lassen“?

PN (Kevin): Das war wirklich meine Idee. Ich habe lange in Coverbands rumgeklopft und wollte mal was anderes machen. Ich war schon immer ein großer Fan von Instrumentalmusik, insbesondere den Solo-Sachen von Dixie Dregs und Ronnie Montrose.

IP: Wie kommen die Songs von Points North zusammen? Ist es ein Jam oder kommt jemand mit einer kompletten Demo oder etwas dazwischen?

PN (Kevin): Von jedem ein bisschen, aber meistens jamming. Normalerweise kommen Eric oder Uriah mit einer Riff-Idee und wir jammen es ein bisschen und sehen, wohin es führt. Manchmal schreibt sich die Melodie von selbst, manchmal liegt sie einfach da. Wir haben im Moment ungefähr 5 neue Ideen, die aber noch nicht fertig sind.

IP: Wie kommen Sie auf die Titel? Warum frage ich das? Zwei Worte….Killer Pounder!

PN (Eric): Das ist einer der schwierigsten Teile … manchmal hat ein Song einen Titel, aber manchmal ist es schwierig, einen zu finden. Oft haben wir „funktionierende“ Titel oder solche, die wir für lustig halten. Killer Pounder war ein Beispiel dafür…das war der „Arbeitstitel“, er hat uns durchgeknallt, ich denke, Kevin könnte darauf gekommen sein… und in diesem Fall blieb er hängen.Aber "Ignition" wurde früher "Lobotomy" genannt, zu "Ehren" des Zustands, in dem Uriah war, als er nach einer besonders rockigen Nacht zuvor mit dem Eröffnungsriff zur Probe auftauchte.

IP: Verwenden Sie im Studio irgendwelche “unkonventionellen” Techniken?

PN (Eric): Nun, da ist dieser Song, „Rocket Queen“, und da war dieses Mädchen im Studio … nur ein Scherz. Ich denke, wir sind relativ traditionell, was die Aufnahme angeht. Wir versuchen, unsere „Basic Tracks“ live aufzunehmen, um das gleiche Gefühl und die gleiche Energie zu bekommen, die wir in unseren Live-Shows haben, anstatt alles separat in einem „Raster“ zu verfolgen, was heutzutage etwas üblich ist. Und wir versuchen, den „Studiotrick“ zugunsten von Darbietungen zu begrenzen, die uns wirklich gefallen. Aber wir scheuen uns nicht, moderne Geräte und Aufnahmetechniken zu verwenden.

IP: Auf deiner neuesten Veröffentlichung, Points North, gibt es einen Gesangstrack namens Colorblind. Gibt es in deiner Zukunft noch mehr Gesangsspuren?

PN (Eric): Schwer zu sagen. „Colorblind“ war der letzte Song, den wir auf dem neuen Album aufgenommen haben, und er entstand aus einer Anfrage unseres Labels, etwas mit einem „vokalen Element“ zu kreieren. Das Ergebnis war eher ein traditionelles Lied, wenn auch zu 75% instrumental. Ich persönlich wünschte, wir hätten etwas mehr Zeit damit gehabt, es wurde im Grunde über ein Wochenende geschrieben und aufgenommen, aber ich denke, wir sind stolz darauf, für das, was es ist. Wir werden sehen, wie wir uns fühlen, wenn wir so etwas noch einmal versuchen, wenn wir das nächste Album schreiben.

IP: Die Chemie zwischen euch dreien auf der Bühne gepaart mit eurer Leidenschaft für Musik machen eure Live-Shows zu einem unvergesslichen Event. Wenn ich während der Aufnahme mit dir im Studio wäre, was für eine “Chemie” könnte ich dort sehen?

PN(Kevin): An manchen Tagen gehen wir einfach die Melodien durch. An manchen Tagen jammen wir auf neuen Ideen. . An manchen Tagen spielen wir „stump the band“ und versuchen, Rush-Songs zu spielen, die wir nicht kennen! Wenn Leute in einer Probe sitzen, wird diese Probe zu einer Aufführung, wenn Sie wissen, was ich meine.

PN(Eric): Ich denke, es ist ziemlich dasselbe, wenn wir alle zusammen spielen. Wenn Uriah und ich Overdubbing machen, ist das ein bisschen anders. Wenn ich nur für mich selbst spreche, neige ich dazu, mich und die Ingenieure ein wenig verrückt zu machen, wenn sie nach dem perfekten Take suchen, damit es so klingt, wie ich es in meinem Kopf höre. Aber auch im Studio haben wir größtenteils eine gute Zeit, und wir hoffen, dass das auch auf der Platte rüberkommt.

IP: Ich weiß, dass deine Lieder deine “Kinder sind, aber hast du ein Lied auf der neuen CD, das dein Lieblingslied ist? Wieso den?

PN(Eric): Das hat sich für mich geändert, seit die Platte herausgekommen ist. Im Moment ist es „Rites of Passage“, aber es gibt mehrere auf dem neuen Album, auf die ich wirklich stolz bin.

PN(Kevin): Zuerst muss ich sagen, dass ich gerne alle Melodien der neuen CD spiele, besonders Ignition und Turning Point. Mein Lieblingssong ist Rites Of Passage. Ich bin im Grunde eher ein Groove-Drummer und Rites ist im Grunde alles im 5/4-Takt mit den Chorus-Sektionen im 6/4-Takt. Ich liebe es, dieses Halbzeitgefühl in 5/4 zu spielen. Es ist eine Herausforderung, weil Uriahs Rolle für ihn sehr schwierig zu spielen ist, ebenso wie die von Eric. Ich möchte nicht, dass sie sich Sorgen machen müssen, das Gefühl oder ihren Platz zu verlieren.

IP: Wer ist dein größter musikalischer Einfluss und warum?

PN(Eric): Als Band muss ich sagen, dass unser häufigster Einfluss die Progressive Rock Band Rush ist, und ich weiß, dass sich das in unserer Musik zeigt. Für mich persönlich ist die andere Person, die meine Arbeit in Points North wirklich beeinflusst, Eric Johnson, der für mich der erste Gitarrist war, der mich wirklich dazu brachte, darüber nachzudenken, wie die Gitarre die „Stimme“ der Band sein könnte. Es gibt so viele andere großartige Instrumentalgitarristen, und sie waren alle auch beeinflusst – Satriani, Vai, Steve Morse, Tony MacAlpine, so viele andere großartige Spieler. Aber für mich war Eric Johnson derjenige, der mich dazu inspirierte, Instrumental-Songs zu machen, und diese Inspiration tut es bis heute.

PN(Kevin): Die beiden Jungs, die mich wahrscheinlich am meisten beeinflussen, sind Aynsley Dunbar aus den alten Journey-Tagen und Rod Morgenstein von den Dregs. In letzter Zeit wurde ich jedoch von Gavin Harrison von Porcupine Tree beeinflusst. Er ist für mich einer der musikalischsten Schlagzeuger da draußen. Ich übe immer einige seiner Ideen und Konzepte.

IP: Welche Band/Künstler wären die meisten deiner Fans überrascht, wenn sie wüssten, dass du sie hörst?

PN (Eric): Ich bin immer noch ein Trottel für terrestrisches Radio ... wenn ich herumfahre, drehe ich immer noch das Radio, um zu sehen, was beliebt und aktuell ist, und ich bin ein Trottel für einen guten Pop-Hook.

PN(Kevin): Wahrscheinlich nichts! Ich höre nicht viel Metal. Alles vom alten BOC bis zu meinem absoluten Favoriten Camel und in letzter Zeit habe ich mir auch ein paar frühe Soloalben von Ian Hunter (Mott The Hoople), Porcupine Tree und Rush angehört.

IP: Kürzlich hast du deiner Live-Show über Uriah Keyboards hinzugefügt. Die Ergänzung hat mir gefallen. Wie ist es aus Ihrer Sicht gelaufen?

PN (Eric): Das kam durch das Spielen in „Fred Barchetta“ zustande, einem Rush-Tribute-Set, das wir mit einem Sänger spielen. Auf beiden Alben gibt es Tonarten, und es war wirklich ein Vergnügen, einige davon in unserer Live-Show zu sehen, es "füllt die Dinge" bei einigen Songs wirklich aus und Uriah hat erstaunliche Arbeit geleistet, alles zusammenzustellen.

IP: Wenn du im Publikum stehst, scheint es, als hättet ihr Jungs viel Spaß auf der Bühne. Wie viel Spaß macht es? Ich war bei mehreren Shows, bei denen Sie nach Ihrem Set Standing Ovations erhalten haben. Wie lohnend ist es, diese Art von Wertschätzung von Ihrem Publikum zu sehen?

PN (Kevin): Wir alle drei lieben es, live zu spielen. Wenn wir das Feedback des Publikums bekommen, das wir machen, wird es zu etwas ganz Besonderem. Ich kann Ihnen sagen, dass wir, unabhängig von der Situation, vor 500 oder 20 spielen, immer unser Bestes geben. Eric & Uriah haben ihr Spiel mit Bühnenpräsenz wirklich verbessert, was uns meiner Meinung nach etwas von anderen unterscheidet. Sie stehen nicht nur da und schauen auf ihre Instrumente und spielen. Sie mögen es, auf diese "Rockstar"-Art zu interagieren. Sie sehen nicht mehr viele Bands, die das tun.

PN(Eric): Deshalb machen wir dieses Ding – wir sind in erster Linie eine Live-Band, und es sind diese Reaktionen und die leidenschaftliche Natur unseres Publikums, die uns immer wieder kommen lassen, besonders in einem musikalischen Geschäftsklima, das nicht Ich bin nicht sehr freundlich zu Bands und Künstlern aus finanzieller und beruflicher Sicht. Also – vielen Dank an alle, die uns unterstützt haben, die uns dieses Feedback sowohl auf der Bühne als auch außerhalb gegeben haben, und danke, dass Sie uns gebeten haben, dieses Interview zu machen!



Liebe kommt herein

Von Margaret Moser, Fr., 24. November 2000

"Rock-Rock-Rock-Rock, Rockrgrl-Konferenz"

Diese umgeschriebenen Texte zu "Rock 'N' Roll High School" waren tagelang mein Mantra, also ging ich zum Gate am Flughafen Bergstrom und hörte eine Stimme, die weinte: "Hey, du gehst zum Rockrgrl!" war Musik in meinen Ohren. Ja, ich ging zur Rockrgrl Music Conference in Seattle, ebenso wie die Mädchen vom Kaffee- und Musikhaus Manor Road, Gaby & Mo's, die mich begrüßten. Es war ein gutes Zeichen.

Konferenzwahn infizierte in den Neunzigern Konzerne und verbreitete sich in der Musikindustrie wie ein schlimmer Ausschlag. Die meisten von ihnen waren ein- oder zweimalige Veranstaltungen, die zu spezifisch oder regional begrenzt waren, um erfolgreich zu sein. South by Southwest und CMJ gehörten zu den erfolgreichsten und hatten Ende der 80er Jahre einen Vorsprung, als die Mutter aller Musikkonferenzen, das New Music Seminar in New York, unterging.

NMS definierte bei seiner Gründung im Jahr 1980 die Formel für Konferenzen: Dazzle 'em at night mit abwechslungsreicher Musik in so vielen Clubs wie möglich – mit dem Versprechen, dass Labels nach neuen Talenten suchen – und sie dann tagsüber bei eine Reihe von Hotel-Konferenzraum-Panels, die ihre besondere Nische in der Musikindustrie ansprechen. Nicht vergessen die große, überfüllte Goody Bag für alle Registranten.

Jede Konferenz hat sich seitdem bemüht, sowohl auf ihrer musikalischen Speisekarte als auch auf den Konferenzteilnehmern eine breite Palette von Namen, Geschlechtern und Rassen zu finden. Nicht, dass da unbedingt Tokenismus im Gange wäre. Es ist einfach nicht gleich, eine Frau und einen Schwarzen in einem Gremium von vier oder fünf Personen zu haben, um Geschlecht und Rasse zu repräsentieren, wenn sich diese Zahlen nicht in der Branche widerspiegeln. Die meisten Panels sollten wahrscheinlich nur weiße Männer sein, alle Latinos oder alles was auch immer. Das würde die Arbeitsweise der Branche genauer widerspiegeln und würde dann rein weibliche Panels wie Werbung oder Booking rechtfertigen, bei denen so viele Frauen ihre High Heels in die Tür stecken.

Nur weibliche Panels haben für mich selten einen Reiz, und ich war schon bei einigen. Während ich durch Untergrundzeitungen, Fanzines und alternative Wochenzeitungen auftauchte, kamen die meisten meiner Journalistenkollegen mit College-Abschlüssen ins Feld und bekamen Jobs bei Die New York Times, Nachrichtenwoche, und RollingStone.com. Ihre Beschreibungen von Sexismus im Geschäft waren mir zunächst fremd. Sie reden über Riot Grrrls und Courtney Love, aber was ist mit Florence Greenburg, Estelle Axton und Barbara Lynn? Es ging nicht darum, dass Ungleichheit existierte, sondern wie viel Dialog unausgesprochen blieb.

Dann gibt es die weiblichen A&R-Repräsentanten, Publizisten und Manager. Die Radioprogrammierer, die DJs, die Agenten, die Clubmanager, die Songwriter, die Musiker, die Sänger, die Techniker. Frauen sind in erstaunlich vielen Bereichen vertreten, aber egal zu welchem ​​Thema, die rein weiblichen Panels klingen für mich meistens wie Toilettenschlampen-Sessions nach dem Sportunterricht.

Keine Trends mehr

Carla DeSantis, Einwohnerin von Seattles Mercer Island, Rockerin, Journalistin und Mutter, hat diesen Mangel an Dialog schon vor langer Zeit bemerkt. Oh sicher, es würde gelegentlich vorkommen Rollender Stein Geschichte über Patti Smith oder ein schwüles Video von PJ Harvey auf MTV, aber die Lücken werden nicht durch VH1-Specials zu "Frauen in der Musik" geschlossen. DeSantis wollte ein Print-Forum sehen, das nicht beschuldigt oder mit dem Finger zeigt, sondern nur mit Musikern spricht, die Frauen sind. Also fing sie an zu Xeroxieren und zusammen zu heften Rockrgrl Zeitschrift.

Sechs Jahre später hat DeSantis ihren DIY-Traum zu einer glatten, farbigen Publikation heranwachsen sehen, die an ihrer ursprünglichen Philosophie „keine Schönheitstipps oder Schuldgefühle“ festhält und Gesichter von Yoko Ono bis Kathleen Hanna zeigt. Sie hat es satt, dass "Frauen in der Musik" ein Thema ist, müde von Erklärungen zum "Jahr der Frau" und zu wenig Panels, die sich den Themen und Bedürfnissen von Musikerinnen widmen. Sie wollte eine Konferenz, die den bestehenden Dialog fördert.

Louis Jay Meyers, Mitbegründer und ehemaliger Direktor von South by Southwest, hatte 1999 während des LMNOP-Symposiums in New Orleans mit DeSantis gesprochen. Die diesjährigen Panels konzentrierten sich stark auf Frauen im Rock. DeSantis' Wunsch traf Meyers' Konferenz-Know-how wie eine arrangierte Ehe, und die erste Rockrgrl Music Conference war geboren.

Mit 550 RMC-Anmeldern und 250 Bands und Künstlern, die das Musikfestival spielen, klettert die Zahl der Besucher auf fast 2.000. Genug Männer haben sich angemeldet, um anwesend zu sein, aber es ist, als würde man zum Lilith Fair gehen, nachdem man bei einem halben Dutzend Lollapaloozas war.

Das Einführungspanel am Donnerstag "Alles, was Sie über das Musikgeschäft wissen wollten, aber nicht zu fragen hatten" bietet Frühaufstehern die Möglichkeit, sich zu vernetzen, bevor Sie die Showcases des Abends besuchen. Das Women of Valor-Dinner zu Ehren von Ann und Nancy Wilson ist schnell ausverkauft und lässt einige Auswärtige enttäuscht zurück, aber Ann Wilson tritt an diesem Abend auf, ebenso wie Wanda Jackson, Austins Slum City und Lisa Tingle, New Yorker Jazzsängerin Arlee Leonard. und mehrere Dutzend andere.

Talk Talk

Spectors Keynote am Freitagmittag erhält tosenden Applaus, obwohl Spector oft ihren Platz in ihren Notizen verliert, ein paar Zeilen aus Liedern improvisiert und sogar einmal in Tränen ausbricht. Ihre raue Stimme erzählt die oft erzählten Geschichten, wie sie von Spector manipuliert und praktisch eingesperrt wurden, ignoriert und für ihre Beiträge nicht im Abspann genannt.

"Ich habe vor kurzem einen weiteren Song aufgenommen", sagt sie. "Es heißt 'Ich werde nie dein Baby sein'."

Spector gibt einen guten Ton für die Konferenz an, denn sie ist alt genug, um etwas zu sagen und cool genug, um Lust zum Zuhören zu machen. Mit dem Altersfaktor als Panel-Thema ("Ageism: This Topic Is Getting Old") ebnet Spectors Weisheit den Weg für andere Frauen, deren Jugendtage auf dem Mantel sitzen. Gretchen Christopher von der Pazifischen Nordwest-Popgruppe The Fleetwoods spricht über die Strapazen des Tourneens im Jahr 1961, als ihre Forderungen hinter den Kulissen nach einem Ganzkörperspiegel und einer Steckdose für ihren Lockenstab als übertrieben galten.

Andere Panels wie "Mama, müssen wir auf Tour gehen?" "Stalkers: When Fans Get Too Close" und "Fishnets to Internet: Online Marketing Strategy" treffen wichtige Themen für Musikerinnen. Home Alive, eine Selbstverteidigungs- und Bewusstseinsgruppe, die nach dem Vergewaltigungsmord an Mia Zapata von Gits gegründet wurde, bietet einen "Selbstverteidigungsworkshop" an. Normalerweise sind nicht alle glücklich.

Austins Rebecca Cannon (ex-Sincola) wurde als Darstellerin zur Konferenz zugelassen, lehnte die Einladung jedoch ab, weil sie Starbucks spielen sollte. Ein Rezensent für Rockrgrl, beschwert sich Cannon, "es fühlte sich an wie ein Schlag ins Gesicht – als würde man McDonald's oder Wal-Mart spielen."

Hätte sie sich vielleicht an einem anderen Ort wie dem Experience Music Project, dem millionenschweren Rock & Roll-Schrein von Microsoft-Mitbegründer Paul Allen, wie zu Hause gefühlt? Es ist wahrscheinlich zu teuer für die angehenden Jimi Hendrixes der Welt, aber es bietet unbezahlbare Erinnerungsstücke. Besser noch, Cannon sollte DeSantis anrufen und darum bitten, nächstes Jahr ein Panel zu veranstalten, das sich mit Rock des Unternehmensimperiums befasst.

Liebe ist überall

Das Songwriting-Panel bietet Beobachtungen von Ann Wilson, Eliza Gilkyson, Moderatorin Sue Ennis von den Lovemongers und einer erfrischend aufgeweckten Jill Sobule, die sich wahrscheinlich wünscht, sie hätte nie "I Kissed a Girl" aufgenommen. Die Panels auf Lilith Fair und "Skirting the Issue: All About Image" führen die Spur frauenspezifischer Themen fort und ergänzen allgemeine Informationspanels zu Demos, Label-Problemen und technischen Workshops. Selbst die Begeisterung des Woodstock- und Groupies-Panels (die ich moderierte) kann mit der bevorstehenden Ankunft von Courtney Love nicht mithalten.

„Ja, Courtney“, seufzt DeSantis. "Nein, Courtney."

An einem Schreibtisch sitzend, während Love die Anforderungen an ihr Aussehen aufzählt, hält der Kopf Rockrgrl das Handy für einen dramatischen Effekt vom Ohr weg. Sie können Courtneys schrillen Ton immer noch hören, selbst über dem Konferenzpublikum. Nachdem das Gespräch beendet ist, strafft DeSantis die Kinnlade.

"Keine Kameras, keine Rekorder", sagt sie.

"Courtney wird es gut gehen, Carla", sagt der Schriftsteller und Veteran der Musikindustrie. "Kathleen Hanna ist nicht hier."

Carla lacht und macht sich auf den Weg, um die Sicherheit für Loves Seiteneingang in das Hotel und den Ballsaal zu arrangieren. Bereits mehr als 300 RMC-Besucher säumten die Halle zum Ballsaal. Als die Kapazitäten erreicht sind und die Türen geschlossen sind, ertönt ein Schrei aus den mehreren Dutzend Frauen, die draußen bleiben: "Wir fordern! Aufstehen! Lass die Rocker Girls rein!" Das Gesänge geht einige Augenblicke weiter, bevor Louis Meyers herbeieilt, um die Grrrls hereinzulassen.

Ein Schwall kalter Nachtluft bläst herein, als Courtney durch einen Seiteneingang in den SRO-Ballsaal geführt wird. Sie sieht entschieden glanzlos aus, verhält sich aber sehr sachlich, ignoriert die gestellten Fragen und beginnt Einzelgespräche mit verschiedenen Mitgliedern des Publikums.

"Wir müssen uns gegenseitig unterstützen. Ich weiß, es ist schwer. Ich weiß, dass es Östrogen gibt. Ich weiß, dass wir uns hassen: 'Sie ist ein Ausverkauf.' 'Sie ist langweilig.' 'Sie ist Jazz'", sagt Love.

Niemals praktiziert Love, was sie predigt, und nennt Britney Spears "eine Barbie-Puppe" und bezeichnet Jimmy Iovine von Interscope als "einen kleinen Troll", bevor sie humorvoll gesteht, heroinsüchtig zu sein.

"Ich weiß nicht, wie viele von Ihnen das wussten", sagt sie nüchtern, "aber es ist wahr."

Love wird ausgebuht, wenn sie über Fred Durst von Limp Bizkit spricht.

"Er rief mich an und fragte mich, wie man Frauen respektiert", erzählt sie. "Ich sagte: 'Fred, für den Anfang, eine Party in der Playboy Mansion abzuhalten? Keine gute Idee.'"

Machen Sie keinen Fehler, das Aussehen von Love war wichtig. Das kollektive Gespür von Ronnie Spector, Amy Ray, Kid Rock-Schlagzeugerin Stefanie Eulinberg, Ann und Nancy Wilson und all den anderen verblasste neben Loves schierer Starpower. Jede Konferenz braucht einen Namen, einen Klingelton, eine Stimme, die den spirituellen Zweck der Versammlung einfängt und verkörpert. Das hat Courtney Loves Auftritt bewirkt. Sie war leichtsinnig, lustig und manchmal albern. Sie war klug, schlau und eloquent. Sie kennt den Wert ihres Namens und benutzt ihn für einen edlen Zweck.

Frauen lieben es zu reden. Wir tun. Es ist wahrscheinlich biologisch, da ein Teil des physischen Akts der Pflege sowohl Klang als auch Berührung ist. Wichtiger ist jedoch, dass Gespräche über Frauen in der Musik nun in einem angemessenen und fokussierten Forum aufgegriffen werden. Und wenn diese Themen das nächste Mal an der SXSW, CMJ oder anderswo behandelt werden, wird RMC 2000 für seine Vorarbeit bei der Zusammenführung dieser Themen zitiert. Wenn es eine Sache gibt, die Musikerinnen mehr tun, als Musik zu machen, dann ist es das Reden über das Musizieren.

Der Dialog muss fortgesetzt werden.

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